Rockabilly Psicotico, garage bands, punk rock, bandas desconhecidas...

2011-04-15T20:34:00.000-03:00

Stereolab - Wow And Flutter

Sabado... um calor infernal toma conta da cidade, no horizonte nuvens carregadas circulam a cidade.

Byron olhou fixamente para um poster do Pink Floyd que fica ao lado da estante de Cd`s e bocejou mais de tédio do que de sono, sentou-se em frente a tv, e colocou os pes sobre a mesa de centro, colocou as duas mãos na nuca e pensou sobre o que fazer mais a noite.

Enquanto ia trocando os canais, sua mente se perde em pensamentos e estrategias de como tentar fugir de outro sabado tedioso.

Minutos depois já na cozinha, enquanto bebia outra lata de coca-cola, viciou adquirido nas ultimas semanas, pegou o telefone e ligou para Karen Karpenter, depois dos cliches de telefonemas para amigos tipo: “ E ai você sumiu!, Que tem feito?, etc, etc, conbinaram de sair para jantar mais a noite e colocar o papo em dia.

Voltou para a sala onde ficou alguns minutos escolhendo a trilha sonora para o banho, pensou em escolher Drugstore a banda da brasileira Isabel Monteiro, mas achou que o cd tinha mais cara de trilha sonora para sexo, The Bodines tambem não, talvez os primeiros discos do Primal Scream, mas eles eram muito psicodelicos e em nada parecidos com a fase eletronica dos ultimos anos, e tambem estava fora de cogitação, mas ao passar os dedos pelo primeiro album da banda inglesa Suede, se lembrou que fazia tempo que não escutava o mesmo e que seria bom escutar algo que lhe agradace aos ouvidos.

Ao sair do banho Nina a gata siamesa, dormia tranquilamente sobre a camisa que ele havia separado antes de entrar no banho para usar naquela noite. Pegou a gata e a colocou do mesmo jeito na cama dela que ficava ao lado da sua da sua.

O Cd do Suede nem havia chegado a metade e foi trocado por um ao vivo do Velvet Underground no Max`s Kansas City.

Ainda enrolado na toalha, abriu a porta da geladeira e ficou em duvida se tomava outra coca-cola ou se tomava uma cerveja, acabou optando pela segunda opção.

Conforme ia vestindo as peças de roupas ia tomando a lata de cerveja, mas para tentar fugir do vicio em refrigerantes do que para ajudar a entrar no clima daquela noite.

Antes de sair ficou alguns minutos sentado no escuro, meio ansioso, fazia tempo que não saia, e mais algum tempo que não via Karen Karpenter. Os dois no passado já haviam tido um relacionamento que deixou muitas cicatrizes em ambas as partes ou corações se assim preferir.

Antes de fechar porta pede pras gatinhas Nina e Bjork que tenham juizo e vigiem a casa.

Karen Karpenter morava no centro da cidade. O predio onde ela morava apesar de já ter umas duas decadas ou mais, era todo arborizado e tinha um certo ar de modernidade que constratava com os demais predios vizinhos.

Quando ela e Byron se conheceram ela mais parecia uma menina inglesa com seus sapatos de boneca, sua maquiagem, uma bolsa estampada com a capa do Cd “ Goo “ da banda americana Sonic Youth, e suas presilinhas no cabelo, tudo ao melhor estilo londrino, que ela copiava de revistas inportadas de musica e moda.

Hoje ela perdeu um pouco o ar blase que todos os indies Kids tinham do final dos anos 90, e havia se tornada uma linda mulher Balzaquiana que aparentava ter 5 anos a menos do que sua idade real.

Assim que pegou Karen Karpenter, os primeiros pingos de chuva cairam sobre o para-brisa do carro anunciando que aquela noite seria de chuva, um contraste terrivel com a tarde quente e ensolarada.

Byron pediu para pegar algum cd no porta-luva e colocar pra tocar, ela como boa indie girl, escolheu o que estava escrito Brit pop, e a primeira musica a começar a tocar era Chemical World do Blur.

Durante o jantar conversaram sobre assuntos nem um pouco comuns a pessoas ditas normais, indo sobre o último lançamento da banda Glasvegas, ou quem estava na capa da New Music Express, bandas desconhecidas que lançaram apenas 2 singles, vizinhos barulhentos e chatos, pessoas invejosas, falsos amigos ou remedio para dor de garganta, e que como duas pessoas com nivel universitario nunca haviam trabalhado no ramo das faculdades que cursaram.

Byron pensou e resumiu, que nem mesmo seus amigos sabiam que ele era formado, e que nem fazia questão de comentar isso com as pessoas. Ele nunca foi buscar seu diploma.

Depois do jantar foram pra casa de Byron, e assim que lá chegaram a tempestade tomou conta do céu e cai pesada e violenta sobre a cidade.

Karen Karpenter e recebida pelas gatinhas e pede pra que Byron coloque alguma coisa da banda inglesa Pulp para tocar no aparelho de som, e tira da bolsa uma pequena garrafa de saque e pede que ele pegue 2 copos.

La fora o ceu era preenchido por raios,relampagos, trovões e ventos fortes. Mas os dois, tanto Byron como Karen Karpenter pouco estavam se importando com o mundo fora daquela casa. Logo a garrafa de saque estava vazia e a nostalgia tomou conta dos dois, acontecimentos de 10 anos atras vinham a tona, era o inicio do fim da idade de ouro da juventude deles, os chamados indies davam seus ultimos suspiros, as guitar bands estavam em extinção, os fanzines deram lugar as blogspots da vida, bons tempos que não voltam mais.

Pela manha durante o café, Karen revela que estava de partida para Curitiba, Byron prometeu visita-la nas ferias e que até poderia se mudar para lá, uma vez que estava cansado e que uma mudança de ares lhe faria bem a saude.

2011-01-22T19:49:00.000-03:00

Dream All Day - The Posies

Byron despertou de uma noite mal dormida. Apesar da chuva e do clima frio, seus sonhos tinham sido palco de escuridão e figuras distorcidas. Ficou alguns minutos na cama esperando o despertador, pois havia despertado antes da hora marcada. Olhou as gotas que se formavam na janela e sentiu o cheiro da chuva.

Se levantou já planejando como iria passar o dia. Tomou um banho quente demorado. Enquanto calçava suas botas permanecia perdido em seus pensamentos, tentando em vão buscar soluções para as horas solitarias do seu dia a dia.

Saiu caminhando devagar pelas ruas, de cabeça baixa, às vezes levantava a cabeça e observava os desconhecidos que cruzavam seus caminho, apressados em direção aos seus trabalhos e deveres, todos eles mais do que perdidos em suas vidas depressivas e tristes. Cruzou com estudantes falantes e sorridentes que iam e vinham para diferentes colegios localizados no centro, e se lembrou nostalgico de seus dias de colegial.

Ao chegar na padaria onde sempre tomava café foi atendido rapidamente, seu pedido era igual aos dos dias anteriores, um café com leite, um pão de queijo, e um pão com manteiga. Comeu ali mesmo no balcão, enquanto prestava atenção no jornal televisivo matinal, que trazias noticias que não merecem ser citadas. Pagou a conta e enquanto esperava seu troco, o assunto com o rapaz do caixa era sobre os jogos do campeonato paulista de futebol que seriam transmitidos pela televisão naquela data à noite.

Caminhou pela calçada molhada devido a chuva que ainda teimava em cair, no IPOD, uma velha canção triste servia de trilha sonora para seus passos que agora eram apressados em direção ao trabalho.

Ao chegar foi recebido pelo irmão que o esperava na porta observando o vai e vem de pessoas na rua, enquanto saboreava alguns cigarros. Se comprimentaram e começaram mais um dia de trabalho.

Byron passou a manha atendendo clientes, telefones e deu uma saida rapida ao caixa 24 horas do banco para o pagamento de algumas contas que ainda vencerian na proxima semana.

Na volta viu de relance um rosto conhecido, mas que não o reconheceu ou fez que não o conheceu. Ficou pensando se ela tambem o tinha visto, ou se assim com ele, ela ficou pensando se ele tambem teria fingido não a ver.

No final da tarde se despediu rapido do irmão e sairam juntos, mas para lados opostos. Byron caminhou lentamente para casa e no caminho ainda passou no supermercado e comprou algumas coisas que estava precisando em casa.

Ao chegar em casa colocou um antigo cd da banda americana The Posies no aparelho de som e enquanto lavava as mãos e o rosto pensou no que jantaria naquela noite. Como em todas as noite ele jantou sozinho.

Depois do jantar ligou para alguns conhecidos, como que alertando que ele ainda estava vivo e morando ainda na cidade.

Byron sofria de insonia e como em praticamente em todas as noites, perdeu seus pensamentos em algum livro, enquanto que ao fundo agora alguma banda inglesa servia de trilha sonora.

2010-07-28T20:56:00.000-03:00

Funeral For a Friend

Conforme vamos envelhecendo os funerais vão ficando mais freqüentes em nossas vidas. Seja de um parente ou no meu caso dos amigos. Em menos de seis meses dois amigos queridos tiraram a própria vida. Os motivos cada um deles tinha os seus e os levaram consigo mesmo para o tumulo.

Não pude estar presente no funeral do Steve em Fevereiro em Brasília, mas juro que dediquei algumas horas a ele nestes meses relembrando estórias de nossa adolescência em Ribeirão Preto.

Uma amiga também daquela época que veio a morar recentemente na mesma cidade onde atualmente resido me contou que foi muito bonito, ver os soldados americanos vestidos com kilts escoceses, tocando Amazing Grace nas gaitas de foles. Um legitimo funeral americano.

No caso do outro funeral já de corpo presente, pude presenciar apesar do clima de tristeza e emoção, um tipo de celebração para a pessoa que se foi como uma reunião de amigos para se despedir de um ótimo amigo.

Assim como Steve, seu corpo foi cremado e enquanto todos rezavam conforme suas religiões e crenças, ao fundo tocava Hallelujah de Leonard Cohen (um pedido do falecido), neste momento a sala veia a baixo em forma de lagrimas, soluços, era como se os créditos finais de algum filme estivessem surgindo naquele momento e o nome das pessoas que passaram pela sua vida fosse aparecendo devagar ao ritmo da musica, aqueles que foram mais importantes seriam os primeiros, como as estrelas que lhe ajudaram a brilhar em seus anos de vida. No final dos créditos suas musicas preferidas seriam a trilha sonora de sua vida e serviriam para demonstrar os mais variados sentimentos vividos pela sua pessoa.

Adriana agarrou meu braço e ficou dizendo palavrões em voz baixa enquanto a musica conduzia todos os presentes as lembranças dos amigos queridos que se foram em tão curto espaço de tempo.

Ao sair da capela de mãos dadas com Adriana visitei o tumulo de meu pai e meu irmão, o sorriso triste deste descendente de Espanhóis e Sírios tomou meu rosto ao reler nas lapides de bronze coladas na grama verde o nome deles. “Despedi-me com um simples –” Cuidem-se! “Todos sentem falta de vocês”.

Foi bom rever os antigos amigos. Alguns deles muitos mudados pelos anos, com outros os anos foram muito mais generosos e ainda carregam a juventude no brilho dos olhos.

Eu e Adriana voltamos calados e só viemos a trocar algumas palavras na metade da viagem de volta.

E apesar de tudo a vida continua...

2010-05-23T15:24:00.000-03:00

A noite não estava tão fria, mas meu estado sentimental necessitava da minha jaqueta de couro. Havia marcado de pegar Zimmerman por volta das 10 horas da noite para irmos a um antigo bar de sinuca, geralmente freqüentado apenas por velhos senhores entediados, e estas nossas noitadas geralmente se resumiam a algumas partinhas de sinuca regadas a cerveja.
O bar era decorado com antigos pôsteres de pugilistas famosos. Eu gostava daquele ambiente pois me lembrava das madrugadas no inicio dos anos 90, quando eu ficava acordado de madrugada assistindo as lutas.
Às vezes, as partidas eram interrompidas por tiros em algum outro bar barra pesada naquelas imediações.
Eu conhecia Zimmerman deste os tempos de colégio, sua irmã havia se casada cedo aos 17 anos, e toda vez que a via, ela sempre me parecia uns 10 anos, mais velha do realmente era, algumas pessoas dizem que não podemos ter dó das pessoas, pois elas que escolhem os caminhos os quais querem e vão seguir em suas vidas, seja a longa estrada da tristeza e da dor, ou a curta e rápida autopista da felicidade.
Zimmerman era como um irmão de sangue, apesar de sermos muitos diferentes em nossas personalidades.
Ele sempre acabava a noite na casa de alguma namorada, enquanto eu ficava andando pelas avenidas, prestando atenção somente nas cores dos semáforos, sem me importar com os rostos dos transeuntes que iam e vinham pelas calçadas.
Como as rádios locais nunca tocam as musicas que eu gostaria de ouvir, eu sempre deixo debaixo do banco do motorista uma pequena bolsa porta CDs onde estão grande parte da minha coleção.
As musicas iam passando em ordem randômica, servindo de trilha sonora para a minha peregrinação.
Já eram umas 4 horas da manhã, quando me veio na cabeça – “um capuccino e um pão de queijo” – mas onde poderia saciar este meu desejo à uma hora dessas?

2010-05-09T14:43:00.001-03:00

Cansado.
Meus olhos entendem o que vêem.
Estamos sentados, aborrecidos.
Preocupados com o futuro que não sai da frente.
Precisamos que você de um tempo a nos
Que queremos apenas atravessar por aqui.
Não queremos morrer assim, desse jeito culposo.
Estamos seguindo a distorção do som
Que vai como um desenho riscando as mais brancas folhas.
São cores diversas que nos divertem.
O cordão muda de ritmo, cor e direção.
E segue em frente.
Hoje percebo que somos um sonho.

Somos emoção e muitas vezes conclusão.
Somos refrões com interrogações.
Somos seu refugio e seu desejo que nunca floresce.
Somos todas as respostas na sua hora tediosa de questões e monotonia.
Somos os exemplos, os ponto finais, nas horas de desfeita ou despreso de encontros desapropriados e não queridos.
Somos o orgulho em suas horas de desleixo e vaidade.

2010-05-09T14:39:00.001-03:00

Into the dark again.
I feel asleep.
Let me give the world.
In the dreanland.

And you will be here.
Real love.
It´s any way.
Real Love.

Before you fall apart.
Kisses and noises.
Here comes my faith.
To carry me on.

2010-05-09T14:38:00.000-03:00

Comandos em Ação

Bem vindos a era da falta de comunicação.
Nem sempre uma ação provoca uma reação.
Uma guerra em tempo real na sua televisão.
Transmitindo noticias dos comandos em ação.

Ataquem! Ataquem!
Massacrem! Massacrem!
Imponham o seu valor!

O maldito filho agiu como seu bastardo pai.
Mas, sempre o inocente é o primeiro que cai.
E ambos os lados perderam filhos queridos.
Na frente de batalha, muitos doentes e feridos.

2010-05-07T17:49:00.002-03:00

Primeiro levaram os negros
Mas não me importei com isso
Eu não era negro
Em seguida levaram alguns operários
Mas não me importei com isso
Eu também não era operário
Depois prenderam os miseráveis
Mas não me importei com isso
Porque eu não sou miserável
Depois agarraram uns desempregados
Mas como tenho meu emprego
Também não me importei
Agora estão me levando
Mas já é tarde.
Como eu não me importei com ninguém
Ninguém se importa comigo.

Bertold Brecht (1898-1956)

2010-04-30T21:43:00.002-03:00

Quando o motor do carro se torna trilha sonora
Quando você tenta mudar de estilo de vida
Você pode ser alguém, eu lhe digo para tentar
Você pode não compreender este chamado da natureza
E então virá o tempo quando você sonhará se perder
E então chegará o momento de parar para reabastecer
Oh, por que a gente apenas não se distância?

Quando andamos por ruas geladas e silenciosas
Você não pode mentir para si mesmo, mas está é a chance de uma vida
Você pode ser alguém, eu lhe digo para tentar
Você pode não compreender este chamado da natureza
E então virá o tempo quando você sonhará se perder
E então chegará o momento de parar para reabastecer
Oh, por que a gente apenas não se distância?

Vamos!
Em velocidade amore!!

2010-04-17T19:10:00.002-03:00

Fazia tempo que não ia ao shopping, se bem que o sol quase me fez mudar de ideia, ainda me lembro quando o estavam construindo e nas tardes de sábado e domingo passava ao lado do então futuro shopping.
É como sempre andava apressado por entre as pessoas, me esquivando de umas, evitando outras...
O capitalismo selvagem e sua igreja sagrada...
A menina de olhos verdes e seu rosto de Lady GAGA no Mac Donald`s, mas gostei do lenço marroquino!!!
A livraria não tinha nenhum livro de meu interrese, e novamente voltei pra casa com o gosto do McFlurry!!!
Mas as vezes ainda podia sentir o gosto da cerveja da noite anterior...que por sinal foi muito divertida!!!

2010-04-10T18:54:00.001-03:00

Marasmo! Passagem só de ida!

Deve haver um modo de acabar com este marasmo.
A saida talvez seja medica-lo com muito sarcasmo.
Algumas boas doses de barbituricos e anfetaminas.
Agora sim! Chamen todos os meninos e meninas!
Pois encontramos a saida!
Passagem só de ida!

Satisfação garantida! - 5x

Deve haver um lugar no qual não exista este medo.
Que foi imposto e nós assombra deste muito cedo.
Alguém deve conhecer a cura para este sentimento.
Agora chega! Não quero mais horrivel sofrimento!

Pois encontramos a saida!
Passagem só de ida!

Satisfação garantida! - 5x

2009-11-21T20:02:00.001-03:00

A pergunta é: seria Dee Dee Ramone o verdadeiro pai do punk? Depois de ler ao livro “Coração Envenenado, minha vida com os Ramones”, da autora americana Verônica Kofman, conclui que sim, seria ele, se não o pai, um dos maiores colaboradores. Mais que uma biografia desse grande maisntrain do punk, o livro mostra uma história de vida que poucos conheciam.
Dee Dee transpirava histórias eletrizantes, tanto que com certeza fez a diferença ao movimento punk dos anos 70, muitas delas inclusive retratadas em suas composições de grande sucesso, como: “Wart hog” , “53rd and 3rd”, “Now I Wanna Sniff Some Glue” , “Walk On The Wild Side”, entre outras.
Amigo de alguns nomes não menos importantes do punk, como Sid Vicious, Dee Dee conta como foi sua vida do fracasso ao sucesso e fracasso novamente e até muda a história sobre o assassinato da namorada de Vicious, ocorrido em outubro de 1978, Sid era acusado de tê-la matado.
A insanidade de Dee Dee já vinha de berço: nasceu em uma família não muito normal, com uma mãe “bêbada louca”, como ele próprio descreve, e um pai “bêbado, fraco e egoísta”, ao qual ele afirma ter puxado um pouco. Isso dá uma leve noção de por quê o resto da sua vida foi tão complicada. Mas devemos ser grato a sua descontrolada mãe por ter mostrado o caminho da música a esse mestre do punk.
Seu contato com drogas e álcool foi assustadoramente precoce. Assustadoramente porque no juízo de qualquer pessoa isso não seria normal!
Cada capítulo nos leva a entrar na vida desse ex-Ramone como se estivéssemos presentes em cada fato e história inusitada que passou. As histórias chegam a ser bizarras e inverossímeis. Drogas, overdoses seguidas, namoradas loucas e depravadas, ambiente sujo, são só o começo. Ele considerava ter uma vida sem graça, mas acredite não chega nem perto de ter sido. Sua luta contra o vício das drogas foi constante, mas acabou sendo vencido: morreu por overdose em 15 de Abril de 2001.
Relatos de amor e ódio na sua participação no Ramones vão definitivamente fazer você ter uma outra perspectiva sobre a maior banda e sua influência no estilo. Ele define o grupo: ”Quem entra numa banda como o Ramones não vem de um passado estável, porque essa não é uma forma de arte muito civilizada. O punk rock é feito por garotos furiosos querendo ser criativos”.
A leitura é de forma agradável, embora a grande quantidade de palavras chulas usadas por ele chegam a ser chocante. O livro parece não ter deixado nada de lado, dando mais luz á obscura vida de Dee Dee. Para quem gosta de impacto e realidade não pode passar longe dessa biografia, que se poderia definir como inigualável e necessária para entender música e, principalmente, entender o que se passa na cabeça de um compositor de alto nível como foi Dee Dee Ramone.
Fica aqui um trecho do livro para somente atiçar a vontade do leitor: “Havia vômito por toda parte. “’Que coisa nojenta’, pensei. Sid e eu imediatamente vomitamos também. Mas eu ainda não tinha visto nada. Sid tirou do bolso uma seringa horrível com sangue endurecido na agulha. Dei a ele um pouco de speed e ele botou na seringa. Aí colocou a seringa na privada e puxou água para dissolver o speed a frio. A água estava cheia de vômito, mijo e ranho. Sid parecia não ver absolutamente nada de anormal naquilo. Parece que sua principal preocupação era se injetar e que estava disposto a agüentar qualquer merda por aquele pico. ‘Agora já vi de tudo’, pensei”. (Trecho de Coração envenenado, minha vida com os Ramones, p 82.)

2009-10-30T21:41:00.001-03:00

The Durutti Column – Love in the Time of Recession (2009)

14/06/2009 por luciano

Vini Reilly mantêm-se prolífico como nunca, lançando um álbum (às vezes dois) por ano, e apresentando agora o seu “Love in the Time of Recession”, Inspirado pelo título do romance “Amor em Tempo de Cólera”, do escritor colombiano Gabriel Garcia Marquez.

Aos que desconhecem a história desse pouco comentado guitarrista e filho menos famoso da tão falada cidade inglesa de Manchester, há que se fazer um percurso de volta ao final dos anos 70 e início dos 80; ao início da cultuada gravadora Factory, capitaneada pelo visionário Tony Wilson, falecido em 2007; e no caminho se deparar com outros nomes como Joy Divison, Simply Red, New Order, Morrissey, o produtor Martin Hannet, ou o clube Hacienda.

Passados quase trinta anos desde o primeiro álbum, “The Return of Durutti Column” (1980), criado em parceria com Hannet, aqui está Vini, esse guitarrista anoréxico, deprimido, que tem aversão a entrevistas, que não gosta de cantar, que afirma não gostar de seus álbuns, mas que extrai de sua guitarra, tocada de forma única, bonitas melodias envoltas numa espiral de melancolia.

“Todas as novas canções são uma verdadeira reflexão sobre minha vida”, declara o guitarrista sobre o novo álbum. Há homenagem ao amigo empresário Tony Wilson, na faixa de abertura “In Memory of Anthony”; ao percussionista e amigo de longa data Bruce Mitchel, em “For Bruce” e à namorada Poppy Morgan, em “My Poppy”. Inclusive ela co-escreveu diversas faixas do albume tocou piano, é uma das pessoas que aparecem na capa junto a Bruce Mitchell (percussão), Mark Broscombe, o próprio Vini Reilly, Tim Thomas (produtor), Keir Stewart (tecladista e produtor) e Laurie Laptop (produtor). “Sem a ajuda deles eu não teria sido capaz de levar adiante”, afirma Vini.

Comparado com alguns de seus trabalhos mais recentes, é um álbum com menos ênfase em elementos eletrônicos, principalmente os samples e loops, e tendência para os momentos intimistas, onde a guitarra e o piano dão a tônica das canções. É interessante a disposição de Vini para colocar sua voz em quase todas as onze canções (quatorze da versão japonesa), até mesmo em “More Rainbows”, uma faixa eminentemente instrumental, com um clima de ambient-music que dispensa vocais.

“I’m Alive” (com uma linha de baixo profunda) remete, por instantes, a momentos de “LC”, um dos melhores trabalhos de Vini, juntamente com “For Bruce” e “Paintings”, dois momentos de extrema fragilidade e beleza do álbum. Se tem uma direção para qual “Love in Times of Recession” aponta é para os primeiros trabalhos do DC, e isso aumenta a sensação de nostalgia, vide os dedilhados de “Lock-Down”.

Beleza, beleza em forma de música, é isso o que “Love in the Time of Recession” tem a oferecer, é isso o que sempre se espera de um álbum do Durutti Column. Vini não decepciona.

2009-10-09T23:46:00.001-03:00

Discos pe(r)didos #30

BEAT HAPPENING
Jamboree [K, 1988]

Quando comparado com a estreia homónima de 1985, um disco pioneiro do lo-fi e do chamado twee pop, o segundo álbum dos Beat Happening (BH) será visto como uma obra registada em alta-fidelidade. Produzido por Steve Fisk e elementos dos Screaming Trees (na altura uma banda a operar num espectro bem diferente daquele em que se tornaram conhecidos), Jamboree assinala o refinamento do conceito musical muito peculiar de Calvin Johnson, uma espécie de Jonathan Richman mais determinado. Operando a partir de Olympia, no noroeste dos Estados Unidos, Calvin era também o mentor da K Records, casa de acolhimento de uma série de projectos musicais de pop geeks apostados em cristalizar os desejos e as ânsias da adolescência. Kurt Cobain, confesso adepto da ingenuidade ao serviço da pop (não só dos BH, mas também de Daniel Johnston, dos Vaselines, dos Pastels, e dos Teenage Fanclub), era devoto ao ponto de tatuar o logotipo da K no braço.
"Bewitched", o tema que abre o disco, é guiado por uma malha circular de guitarra distorcida e desafinada. A batida é repetitiva e a voz errática de Calvin confessa desejos carnais. "In Between", cantado por Heather Lewis, o elemento feminino do trio que compreendia ainda Bret Lunsford, é exemplo acabado do melhor jangle pop. Mais à frente, "Drive Car Girl" segue idênticas premissas. O terceiro tema é "Indian Summer", simplesmente a pérola no repertório dos BH. Relata um piquenique num cemitério, tendo por protagonistas dois jovens amantes que sabem que este é o último encontro. A atmosfera, quase críptica, é criada por uma estranha combinação de referências a comida, sexo, e tragédia. Dean Wareham, que com os Luna gravou uma das muitas versões de que "Indian Summer" foi alvo, refere-se-lhe como 'o "Knocking On Heaven's Door" do indie'. "Hangman", "Crashing Through" e "Midnight A Go-Go" são temas balançados entre o surf rock e o punk pop. O tema-título é esplendor lo-fi, com a voz de Calvin, a discorrer sem pudor sobre as malandrices perpertadas por dois adolescentes fechados dentro de um armário, acompanhada por uma pandeireta tosca. Já "Ask Me", novamente na voz de Heather, é uma canção essencialmente a cappella. A forma falsamente ingénua como ela pergunta "Aren't you gonna ask me what I did today?" é de despertar a líbido de um moribundo. Nos acordes graves de "Cat Walk" recuperam-se memórias do primórdios do rock'n'roll na década de 1950. Para o final, "The This Many Boyfriends Club" é o paradigma da estética BH e verdadeiro teste ao ouvinte devoto. Gravado em registo live, apresenta um Calvin atonal a tecer juras de amor a uma rapariga supostamente pouco popular. Embora completamente desafinada, a voz denota a sinceridade que raramente encontramos em cantores mais dotados. Para além do ruído de fundo resultante das conversas da platéia, o acompanhamento consiste em sons avulsos sacados da seis cordas de uma guitarra - desafinada, obviamente.
Como se depreende do que atrás foi dito, e apesar da abordagem deliberadamente inocente, há toda uma pulsão erótica que emana de Jamboree. Gerard Cosloy, figura incontornável do panorama indie norte-americano que esteve ligado à fundação das editoras Homestead e Matador, vai ao ponto de o classificar nos seguintes termos: "the most sexually charged rock LP since some Bauhaus disc I forgot the name of(...)". E, tudo isto, em apenas 24 minutos... É obra!

2009-09-23T23:12:00.000-03:00

The Replacements - Tim

Tu pode até não conhecer o Replacements, mas eu posso te garantir que eles foram uma das bandas mais importantes do cenário americano nos anos 80. Vindo de Minneapolis, o seleiro de outras boas bandas, em 1984 eles lançaram um dos grandes clássicos do rock alternativo pelo selo TwinTone, chamado de Let It Be, e melhor que fazer um clássico é fazer dois clássicos!
Let It Be chamou a atenção de quem estava ligado no assunto e viu aquela manda punk e mal acabada se aventurando em outros mares, misturando country, melodias e baladinhas, tudo com aquela estética DIY para não perder a pose.
Mas de que adianta lançar um baita discão se tu não tem nem dinheiro pra se.. alimentar? Não que eles estivesse passando fome, mas toda a grana de turnê, era usada para mais turnê, custo de gravações e conserto de instrumentos. A decisão foi conjunta banda/gravadora: é hora de passar pra uma major. Proposta já existiam, pelo interesse que surgiu no lançamento desse disco que já citei duas vezes o nome e o escolhido foi a Sire, subsidiária da Warner.
Nada mal, quem mandava na Sire era o sir Seymour Stein, que era manager dos Ramones e influente na nata musical nova iorquina, ele escalou nada mais, nada menos que Tommy Ramone para ser produtor do novo disco do Replacements, e aí nascia o segundo clássico do grupo, chamado simplesmente de Tim.
O resultado foi uma batalha de egos entre o líder Paul Westerberg, que acabou descobrindo em si mesmo um compositor facinante, e o guitarrista Bob Stinson, cada vez mais bêbado e drogado, só queria saber de tocar música alta e barulhenta. No fim, conseguiram dosar ambos lados no disco, com uma produção superior a todos os trabalhos anteriores, num disco rebelde e instrospectivo e um tanto quanto sincero.
Aquela banda juvenil agora tinha amadurecido, mostrando boa parte de uma influência que não era comum ver em jovens punks, de rock clássico, um pouco de Big Star, um pouco de Chuck Berry, um pouco de Bruce Springsteen e um pouco de Rolling Stones, além de Clash e Pistol, totalmente evidentes. Baladinhas para alguns momentos solitários em "Swingin' Party" e "Here Comes A Regular", que seria uma grande surpresa, caso não existisse Let It Be. "Hold My Life" abre o disco de maneira urgente ao estilo da banda, "Kiss Me On The Bus" é música adolescente apaixonado e a suja e apavorante "Dose Of Thunder", que foi a única música composta por todos.
Logo após o lançamento de Tim, Stinson (Bob) foi chutado do grupo, pois achavam que já não conseguia tocar ao vivo as músicas "menos rock" e estava muito bêbado para tentar.

2009-08-21T23:24:00.001-03:00

Brian Eno - Ambient 1 Music For Airports
Ano: 1978
Gênero: Ambient/New Age
Tempo: 48:16
Gravadora: EG
Produzido por: Brian Eno.

O grande produtor musical dos famosos tempos psicodélicos do U2 também foi responsável, sozinho em seus projetos sonoros, a grandes trabalhos. Confesso que não conheço a capacidade criativa dele, que meu primeiro disco sobre o Eno é este que posto agora.

Como o título sugere são canções para aeroportos, quatro faixas relaxantes em que se alternam leves efeitos eletronicos com o dedilhado de Brian no piano, destaque para "1/1". Devem estar se perguntando o motivo de minha busca por ele, respondo que eu o vi naquela famosa lista dos 1001 discos que se deve ouvir antes de morrer; para quem está cansado de ouvir chiadeiras, esse é o álbum perfeito.

lista de "sinfonias":

1- 1/1
2- 1/2
3- 2/1
4- 2/2

não há asteriscos, descubram-no por inteiro!

2009-08-16T18:53:00.000-03:00

THE DAY THE EARTH MET THE... ROCKET FROM THE TOMBS

No início dos anos 70, surgia uma nova banda de rock para traduzir em música todo o clima opressivo dos grandes centros urbanos. Caos, medo, paranóia e violência em aterradoras visões apocalípticas. Brothers and sisters, tirem as crianças e os cardíacos da sala, e aumentem bem o som - este é o Rocket From The Tombs.

"Aranhas negras explodem a artilharia anti-aérea pelo céu/alcançando com suas garras por todos os lados/Sem lugar para correr ou fugir/ sem fuga da corrida suicida".

30 Seconds Over Tokyo

O Rocket From The Tombs pode ser considerado o elo perdido entre o rock de garagem dos anos sessenta e a gênese de toda aquela movimentação contracultural que acontecia no underground nova-iorquino, que daria no punk rock. O grupo fazia uma música claramente apontada para o futuro. De importância histórica incontestável, o RFTT notabilizou-se também por ter sido o embrião de dois grupos fundamentais para o rock alternativo: Pere Ubu e Dead Boys.

Nossa história remonta ao longínquo ano de 1974, onde encontraremos um jovem crítico musical - e frontman de uma banda de rock imaginária - chamado David Thomas. David escrevia para algumas publicações sob pseudônimo de Crocus Behemoth, e vivia sonhando com esse grupo de rock "incendiário" que ele havia idealizado para espantar o tédio da chatíssima cidade de Cleveland. Quando conheceu o guitarrista Peter Laughner, David viu a chance de finalmente concretizar seu projeto de banda. Após convencer Laughner a embarcar nessa história, não demorou muito para que outros elementos sem muito que fazer da vida juntassem-se à dupla - o guitarrista Gene O' Connor (que mais tarde ficaria famoso como Cheetah Chrome, o agitado guitarrista dos Dead Boys), o baixista Craig Bell e o baterista John Madansky (o Johnny Blitz dos Dead Boys). Foi assim que surgiu o lendário Rocket From The Tombs.

Em junho de 1974, após alguns ensaios, o grupo começou a tocar nos poucos espaços que os admitiam, em Cleveland. Além de versões para temas alheios, o grupo também apresentava alguns números próprios. E era no material próprio que o bicho pegava e a banda mostrava sua força. Tanto que chamaram a atenção e ganharam o respeito do temível crítico musical Lester Bangs, que os ouviu a partir de um registro ao vivo em fita cassete com áudio de baixíssima qualidade.
Durante o curto período em que esteve em atividade (de maio de 1974 até agosto de 1975), o Rocket From The Tombs sofreu algumas pequenas mudanças em seu line up (Stiv Bators, dos Dead Boys, chegou a cantar no RFTT por um tempo, até ser mandado embora por Behemoth) e nunca chegou a gravar nada oficialmente. Os poucos (e raríssimos) registros de shows e ensaios que existiam permaneceram obscuros por muito tempo, e foram resgatados somente em 1990, quando saiu um LP em caráter semi-oficial e de tiragem limitada, intitulado "Life Stinks" - disco praticamente impossível de ser encontrado. Assim, a banda continuou no limbo por mais um bom tempo, dividindo espaço com outros tantos malditos de mesma linhagem como Destroy All Monsters, Electric Eels e Simply Saucers.

Em 2002, a história mudou um pouco de figura com o lançamento do CD "The Day The Earth Met The... Rocket From The Tombs", disco lançado pelo selo Smog Veil, e facilmente encontrado em lojas virtuais pela Internet. O material é uma maravilha! Reúne demos e gravações ao vivo realizadas no início de 1975. Estão lá, músicas que ficaram famosas e viraram clássicos no repertório dos Dead Boys (Sonic Reducer, Never Gonna Kill Myself Again, Down In Flames) e do Pere Ubu (30 Seconds Over Tokyo, Life Stinks), mais versões detonantes para duas canções dos Stooges (Raw Power e Search And Destroy). Pode-se dizer que este lançamento foi responsável por um novo culto em torno da banda, entre uma geração que sequer havia nascido quando o Rocket acabou, em 75.Mas a surpresa definitiva mesmo foi quando anunciaram que o grupo retornaria para gravar o álbum de estúdio que eles nunca realizaram. A formação já não é a mesma, é verdade, mas ainda assim não é algo que se despreze, já que no lugar de Laughner (falecido em 1977), foi chamado o guitarrista Richard Lloyd (ex-Television) e o baterista Steve Mehlman - parceiro de David Thomas no seu Pere Ubu. Com o lançamento do álbum "Rocket Redux", a banda saiu em turnê, participou de alguns festivais europeus, e continuou tocando pelos Estados Unidos, cobrindo o circuito mais under do underground, em shows proibidos para menores de 18 anos.

2009-07-30T21:50:00.000-03:00

Soy un perdedor

Hitmaker da country music, ídolo de carreira meteórica e comportamento pessoal completamente desregrado. Hank Williams foi fulminante como o sofrimento que cantava em suas músicas. Ao contrário de se espelhar no bom-mocismo dos heróis do Velho Oeste dos filmes que marcaram sua adolescência, ele personificou o primeiro loser do gênero, o que o aproxima bastante do rock’n’roll, que viria a dominar o mercado americano logo após a sua morte trágica e precoce. Abonico R. Smith conta a história do mito, homenageado em um belo e tocante álbum-tributo.

Hank Williams cantava tragédias amorosas e desgraças pessoais em versos de acentuada melancolia.

Falar sobre Hank Williams significa falar sobre os maiores estilos musicais americanos da história, o country. E não é só isso. Williams também foi o maior artista proto-rock’n’roll que existiu anos antes deste gênero explosivo ser reconhecido publicamente como a grande ameaça à moral e os bons costumes da elite branca, conservadora e detentora do poder político-econômico dos Estados Unidos da primeira metade da década de 50. Por isso, ele é o objeto de homenagem de um dos primeiros grandes discos-tributos do século 21, Timeless (Lost Highway/FNM) .

Hiram King Williams nasceu no dia 17 de setembro de 1923, na cidade de Georgiana, estado do Alabama. Aos seis anos, ingressou no coro da igreja local, aprendendo a trabalhar com a capacidade vocal, o que viria a ser uma das marcas registradas de sua carreira. Com 13, venceu um concurso de jovens talentos, o que o aproximou daquela que viria a ser pelos próximos dez anos sua banda de apoio, o Drifting Cowboys.

Aquela foi uma época de ouro da country music. Estas canções tiveram origem nas baladas anglo-celtas trazidas pelos pioneiros da colonização do interior dos Estados Unidos (chamados appalachians). Conforme as fronteiras se expandiam rumo à costa oeste, novas referências (sobretudo o tango e a valsa, adquiridos através da cultura hispânica que subiu do México para o Texas e o sul da Califórnia. Os primeiros indícios de aumento de popularidade vieram a partir do uso destas músicas nos grandes musicais vaudeville, empreendidos por companhias que percorriam todo o país nas primeiras décadas do século 20. O rádio logo tirou proveito: a partir de 1925, as noites de sábado transformaram a cidade de Nashville, no Tenessee, na capital do estilo, quando um programa chamado Grand Ole Opry era transmitido ao vivo de um teatro, revelando calouros e estrelas como Roy Acuff.

Não houve como segurar o estouro. Os trinta milhões de ouvintes conquistados rapidamente fizeram Hollywood perceber a mina de ouro. Com o advento das produções sonoras, diversos longa-metragens vieram a ser produzidos. Atores/cantores como Gene Autry e Roy Rogers se tornaram ídolos nacionais enquanto as platéias se encantavam com o mito dos heróis do Velho Oeste.

O jovem Williams cresceu e começou sua carreira artística em meio a todo este furacão promovido pelo rádio e pelo cinema. Até que resolveu trocar a companhia dos Drifting Cowboys pela busca do sonho dourado. Desembarcou em Nashville com 23 anos, para tentar a sorte no centro de ebulição da country music. Não tardou muito para conseguir um contrato para lançar discos pelo selo da MGM e fazer apresentações regulares em teatros da cidade. Até que chegou ao Grand Ole Opry em 1949, ano em que a parceria com seu produtor, Fred Rose, desencadeou uma invejável série de hits – registrados por Williams ou regravados por estrelas ascendentes de então. “Lovesick Blues”, “You’re Gonna Change”, “Long Come Lonesome Blues”, “Cold Cold Heart”, “Jambalaya”, “Hey Good Lookin’”, “Honk Tonk Blues”, “Your Cheatin’ Heart”, “Move It On Over”, “Mind Your Own Business”, “My Buckets Got A Hole In It”, “Why Don’t You Love Me”, “Why Should We Try Anymore”, “Crazy Love”, “Baby We’re Really In Love”, “Settin’ The Woods On Fire”, “Wedding Bells” e “Half As Much” foram alguns dos sucessos.

Contudo, Hank Williams estava longe de personificar a bravura e o bom-mocismo dos heróis do Velho Oeste de sua adolescência. Ele era, na verdade, o primeiro loser do gênero. Cantava os excessos, desgraças e tragédias e ainda vivia da mesma forma fora dos palcos e estúdios. Apesar da enorme popularidade, o comportamento errático e completamente desregrado pôs a ruir rapidamente tudo o que havia conquistado em menos de três anos. Em agosto de 1952, o alcoolismo levou-o a ser demitido do Grand Ole Opry. Pouco tempo depois, sua esposa Audrey Shepherd pediu o divórcio.

Hank, ainda assim, não se afastou do excesso de bebidas, drogas e mulheres. No dia 1º de janeiro de 1953, enquanto um motorista o levava para uma apresentação em Canton, em Ohio, Williams adormeceu no banco traseiro do carro. Teve um ataque fulminante do coração. Morreu com 29 anos, deixando um filho de três anos (Hank Williams Jr, que seguiria, sob o apelido de Bocephus, carreira de sucesso como cantor e compositor country) e um último hit com o premonitório nome de “I’ll Never Get Out Of This World Alive”.

Doze de suas clássicas composições foram agora regravadas em Timeless, por seis gerações de discípulos confessos. Os participantes são Johnny Cash, Keb’ Mo’, Bob Dylan, Keith Richards, Mark Knopfler, Tom Petty, Sheryl Crow, Lucinda Williams, Emmylou Harris, Beck e Ryan Adams – muitos destes nomes possuem suprema importância na evolução e história do rock’n’roll e são típicos representantes do cruzamento entre o rock e o country (em sua forma mais tradicional ou na vertente folk, mais próxima das origens das canções européias trazidas pelos colonos ). E, claro, o DNA não podia faltar – a família Williams vem representada pelo jovem neto, Hank III.

Dylan abre o álbum com uma composição pré-Ole Opry. O bluegrass “I Can’t Get You Off My Mind” traz uma desilusão amorosa escancarada por Williams (e nesta gravação ressaltada pela voz mais-que-anasalada do intérprete) em quinze versos diretos e altamente poéticos como “You believe that a true love is blind/ So you fool every new love you find/ You’ve got stars in your eyes/ But they can’t hide the lies/ Oh, I can’t get you off of my mind” (“Você acredita que o verdedeiro amor é cego/ Então você tapeia todo novo amor que encontra/ Você possui estrelas nos seus olhos/ Mas elas não podem esconder as mentiras/ Oh, não consigo tirar você do meu pensamento”).

Sheryl Crow vem em seguida optando por uma arranjo mais tradicional em “Long Gone Lonesome Blues”. Peca apenas pela falta de ousadia, afinal poderia ter explorado mais a tragicômica melancolia pós-chute-na-bunda de versos como “I went down to the river to watch the fish swim by/ But I got to the river so lonesome I wanted to die/ Oh, and then I jumped in the river/ But the doggone river was dry” – “Desci até o rio para observar os peixes nadando/ Mas eu cheguei lá tão abandonado que eu queria morrer/ Oh, e então eu pulei no rio/ Mas o maldito rio estava seco). Mas a moça acaba brilhando na hora do vocal yodel (aquela tremidinha entre graves e agudos que dói no ouvido).

Em “You’re Gonna Change (Or I’m Gonna Leave)” Tom Petty segue Sheryl Crow e também opta pelas eletrificações estridentes do new country americano dos anos 80 – exemplar este que acabou sendo importado pelos sertanejos brasileiros e hoje sobrevive nas arenas de rodeios em Barretos e diversas outras cidades interioranas de estados como São Paulo e Paraná.

Keb’ Mo’ puxa a balada valseada “I’m So lonesome I Could Cry” para o blues (com direito a steel guitar e solo de violino). Logo depois, Beck resgata a veia criativa esquecida nos tempos anteriores ao estouro de “Loser”. Enche de barulhinhos, ruídos e timbres graves a baladaça “Your Cheatin’ Heart” e por quase quatro minutos ressuscita aquele cara legal que sabia fazer barbaridades com um violão em punho pelas ruas de Los Angeles.

Quem também surpreende é Keith Richards. Ás da guitarra, ele deixa de lado a habilidade em seu instrumento para brilhar como vocalista em “You Win Again” – mais uma composição em três por quatro e que neste disco ganhou arranjo levemente direcionado ao soul. Richards transpõe para a interpretação todo o sofrimento de versos como “Just trusting you was my great sin/ What can I do, you win again” (“Ter acreditado em você foi o meu grande pecado/ O que posso fazer se você ganha novamente”).

Ryan Adams, expoente da recente safra alt-country, pega o filé mignon “Lovesick Blues”, o maior hit deixado por Williams. Aposta na simplicidade, sua marca registrada. Emociona com vocal yodel e acompanhamento de violão e rabeca. E ainda abre o caminho para a faixa seguinte, “Cold Cold Heart”. A tristeza sem fim também parece tomar conta de Lucinda Williams, que acentua a letra deprê-total com fundo tecido por violinos ao fundo e solo de dobro.

Emmylou Harris e Mark Knopfler fazem dobradinha discreta nos compassos ternários de “Lost On The River” e “Alone And Forsaken” – ambas tendo como destaque do choroso bandolim tocado por Mike Henderson. Já Hank III, descendente da lenda, é mais corajoso ao mostrar o quanto vovô era rock’n’roll. “I’m A Long Gone Daddy” era puro rockabilly de baixo-de-pau, antes mesmo do próprio existir através de Bill Haley, Gene Vincent e Eddie Cochrane. Os versos também podem ser entendidos como um recado familiar (“I’m leavin’ now, I’m leavin’ now/ I’m a long gone daddy/ I don’t need you anyhow” ‘”Estou indo embora, estou indo embora/ Já sou gente grande, papai/ Eu não preciso mais de você”).

Pioneiro da mistura entre country e rock’n’roll na gravadora Sun (que também revelou nomes como Elvis Presley, Jerry Lee Lewis e Roy Orbison na década de 50), Johnny Cash fecha o álbum recitando o amor de Williams por sua mãe e as lembranças da infância voltando à mente através de um sonho. A música é a grande declaração de amor que Williams nunca conseguiu fazer para suas mulheres em suas composições. Belo e tocante, um ótimo encerramento para homenagear aquele que sofreu tanto em cima dos palcos. E fora deles também.

2009-07-16T21:02:00.000-03:00

Futebol, samba e punk rock
Estilo contestador logo cruzou o Atlântico e chegou ao Brasil

O sincronismo dos punks nacionais com os ingleses e americanos foi admirável. Em 1978, o Brasil já podia se orgulhar (ou não) de ter seu primeiro grupo punk, o Restos de Nada, do qual faziam parte Clemente e Ariel, que hoje tocam nas bandas Inocentes e Invasores de Cérebro. O primeiro disco punk brasileiro, a coletânea Grito Suburbano, com Cólera, Olho Seco e Inocentes, saiu em abril de 1982, mesmo ano em que a inofensiva Blitz ensaiava “Você Não Soube Me Amar”. Grande parte dos grupos paulistanos que formaram a primeira geração, como Lixomania, Ratos de Porão, Hino Mortal e Fogo Cruzado, participaram do festival O Começo do Fim do Mundo, no Sesc Pompéia, em 1982. Calado por um tempo, o punk retornou com força no início dos anos 90, impulsionado pelo grupo Nirvana e o fenômeno grunge. O gosto pelo som rápido, simples e divertido, chamado de hardcore, é a principal característica da nova geração. Enquanto bandas pioneiras como Cólera e Ratos de Porão seguiram o caminho independente, nomes como CPM 22 e Dead Fish pularam para o grande mercado fonográfico, alcançando imensa popularidade.
O melhor de Sid
O baixista deixou parco legado

Cultuar a discografia de Sid Vicious não é fácil. Oficialmente, o Sex Pistols lançou só um álbum – e consta que Sid nem tocou nele. Mas o baixista exerceu seu lado crooner em algumas apresentações registradas de forma caseira. As músicas se repetem em diversos títulos, exigindo cuidado para não levar, sob capas diferentes, o mesmo show para casa.

Sid Sings

Primeiro lançamento solo póstumo de Sid Vicious, pe-la Virgin. Contém “Belsen Was a Gas”, que alguns acreditam ser a única composição da qual ele realmente participou.

Better (to Provoke a Reaction than to React to Provocation)

Gravado no Max’s Kansas City, em 1978. Acredita-se que ele foi acompanhado por Johnny Thunders (guitarra), Walter Lure (guitarra), Billy Rath (baixo) e Jerry Nolan (bateria), membros do New York Dolls.

Live at the Electric Ballroom

Antes de se mandar para os Estados Unidos, Sid arrecadou algum dinheiro com essa apresen-tação com The Vicious White Kids, banda especialmente criada para a ocasião. É seu melhor registro ao vivo.
Saiba mais

Livros

Chaos – The Sex Pistols, de Bob Gruen, Omnibus Press (em inglês)

A caótica passagem da banda pelos Estados Unidos.

O Que É Punk, de Antonio Bivar, Editora Brasiliense

Um tanto sentimental, captou os primeiros anos do movimento no Brasil.

Mate-me Por Favor – Uma História Sem Censura do Punk, de Legs McNeil e Gillian McCain, L&PM Editores

Os últimos dias de drogas e a decadência de Sid Vicious em Nova York. Essencial.

Filmes

The Great Rock’n’roll Swindle, dirigido por Julian Temple

Filme irregular em que Malcolm McLaren revela como criou o punk. Uma das melhores cenas mostra Sid cantando “My Way”.

Sid & Nancy – O Amor Mata, dirigido por Alex Cox

Um tanto desprezado pelos próprios punks, faz um romance do tipo Romeu e Julieta do punk rock.

O Lixo e A Fúria, dirigido por Julian Temple

Excelente documentário, narra o início e o fim do Sex Pistols, com cenas exclusivas.

Site

www.philjens.plus.com/sid/
Bem completo, traz entrevistas com o roqueiro, além de fotos e documentos.

2009-06-13T17:12:00.001-03:00

Um, dois, três, quatro!
Aumente o som, saia pulando, fale palavrões: o rock’n’roll está completando 50 anos, mas ainda faz a cabeça dos jovens e chacoalha a sociedade
André Barcinski

Foram cinco décadas bem vividas. O rock’n’roll, quem diria, está fazendo 50 anos regados a sexo, a drogas e a ele próprio. Não pensem que foi uma vida fácil: entre tapas e beijos, o rock viveu um romance conturbado com a sociedade. Numa hora, era o queridinho de todos, para logo depois ser chutado e escorraçado como um cão sem dono.

Nesse meio século, o rock’n’roll foi celebrado por multidões, massacrado pela Igreja, explorado por publicitários, dissecado por historiadores, cooptado pela moda, malhado por puristas, dignificado pelos Beatles e maltratado por Bon Jovi e Simply Red. Passou por bons e maus bocados, e chegou a ser dado por morto algumas vezes. Mas, como fênix, sempre deu um jeito de reaparecer, resgatado das trevas por algum adolescente talentoso e entediado. É uma história e tanto.

Segundo historiadores, o marco zero do rock teria acontecido em julho de 1954, quando um caminhoneiro chamado Elvis Presley entrou no Sun Studios, em Memphis, e gravou "That’s Allright Mamma".

Vamos deixar uma coisa bem clara: Elvis não inventou o rock. Antes dele, gente como Chuck Berry e Bill Halley já tocavam rock. Desde o fim dos anos 40, "rock’n’roll" era usado em letras de música como sinônimo de "dançar" ou "fazer amor". Em 1952, o radialista Alan Freed – que depois viria a reivindicar a criação do termo – batizou seu programa de Moondog’s Rock and Roll Party.

Se não criou o rock’n’roll, Elvis ao menos pode ser considerado o mensageiro que apresentou o rock ao mundo. Era o homem certo no momento certo: bonito, talentoso e carismático. Mais importante: era branco e, por isso, aceitável para a América dos anos 50. "Eu agradeço a Deus por Elvis Presley", disse o negro Little Richard, um dos grandes pioneiros do rock. "Ele abriu as portas para muitos de nós."

A tarefa de Elvis não foi fácil: a sociedade norte-americana demorou bastante para aceitar aquele branco que cantava e dançava como um negro. Em uma de suas primeiras apresentações na TV, as câmeras o filmaram apenas da cintura para cima, sem mostrar aquele quadril que teimava em rebolar. Elvis, ao contrário de vários outros ídolos da época (como Pat Boone, por exemplo), nunca renegou a origem de sua música. "O que eu faço não é novidade", disse. "Os negros vêm cantando e dançando dessa forma há muito tempo."

Se a vida nos anos 50 não era moleza para um roqueiro branco como ele, o que dizer de artistas negros como Little Richard, Chuck Berry, Bo Diddley e Fats Domino? Num país de escolas segregadas, que ainda via negros serem linchados, o simples fato de um artista negro viajar para mostrar sua música assumia proporções épicas de heroísmo e bravura.

Uma história emblemática do período é a de Shelley "The Playboy" Stewart, um radialista negro que apresentava um programa de rock na estação WEDR, no Alabama. O programa de Stewart atraía um público predominantemente branco, que aprendera a gostar dos artistas "de cor" que o DJ tocava.

No dia 14 de julho de 1960, Stewart estava apresentando um show na cidade de Bessemer, quando recebeu um aviso do dono do clube: a Ku Klux Klan, temida organização racista, havia mandado 80 homens para atacá-lo. Os encapuzados cercavam o clube e ameaçavam invadir o local. Sem perder a calma, Stewart avisou à platéia – formada por 800 brancos – que teria de parar o show. Foi aí que o inesperado aconteceu. "Os jovens que estavam no clube se rebelaram", disse Stewart, anos depois. "Eles saíram correndo do local e atacaram a Klan, lutando por mim." A simbologia do fato é forte demais: brancos lutando contra brancos, pelo direito de ouvir música negra.

Sim, o rock’n’roll é música negra. Como o blues, o samba e o hip hop, o rock nasceu da escravidão e tem suas origens na migração forçada de milhões de africanos, que foram tirados de suas aldeias e jogados em terras estranhas. Todos esses gêneros musicais têm duas características comuns, herdadas da África: a primeira é a predominância de uma base rítmica constante e repetitiva; a segunda é a utilização da música de uma forma emocional e espiritual. Nas colheitas de algodão dos Estados Unidos, os escravos cantavam para celebrar sua espiritualidade e seus ancestrais. Também cantavam sobre as mazelas da escravidão, estabelecendo assim uma relação direta entre sua música e a realidade social. O rock herdou essa capacidade de radiografar o presente.

Na época, a sociedade americana começava a abandonar preconceitos seculares. De uma certa forma, a explosão do rock simbolizou uma América nova, mais liberal, próspera e livre das dificuldades econômicas do pós-guerra. Adolescentes brancos começaram a curtir uma música antes relegada a salões de baile nos bairros negros e pobres.

Em 1956, "Blue Suede Shoes", de Carl Perkins, tornou-se a primeira música a chegar ao topo das paradas de pop, rhythm’n’blues e country. O fato representou um marco não só para a música, mas para toda a sociedade americana. Pela primeira vez, brancos e negros estavam gostando da mesma coisa. Em 1959, outra canção, "The Twist", de Chubby Checker, também uniu o país. O ativista e autor Eldridge Cleaver, fundador do grupo radical Panteras Negras, escreveu: "A canção conseguiu, de uma forma que a política, a religião e a lei nunca haviam sido capazes, escrever na alma e no coração o que a Suprema Corte só havia conseguido escrever em livros".

O rock’n’roll não mudou a sociedade, mas serviu como espelho de mudanças e tendências. Claro que ninguém deixou de ser racista ao ouvir Elvis Presley cantando música "de negros", mas o simples fato de Elvis aparecer em cadeia nacional, rebolando os quadris e celebrando uma cultura marginal, mostrava que o país estava mudando.

Paralelamente ao surgimento do rock, a sociedade norte-americana via o aparecimento de outro fenômeno, que se tornaria vital para a explosão do rock’n’roll: o adolescente.

Até meados do século 20, adolescentes tiveram uma vida dura nos Estados Unidos. O país havia passado por duas guerras mundiais e pela Grande Depressão; ser jovem por lá significava trabalhar duro e ajudar os pais a sustentar a casa.

Para a sociedade de consumo, o adolescente não existia. Não havia música ou filmes feitos especialmente para eles. Pais e filhos eram obrigados a gostar das mesmas coisas: as big bands de Tommy Dorsey e Benny Goodman, as baladas de Nat King Cole e Frank Sinatra, a cafonice de Pat Boone e Perry Como.

Depois da Segunda Guerra, tudo mudou: os Estados Unidos entraram numa fase de prosperidade, a economia cresceu e os adolescentes, que antes davam duro ajudando os pais, passaram a receber mesada. Isso criou um novo mercado, voltado unicamente para o jovem.

Hollywood logo entrou na onda, lançando filmes direcionados aos adolescentes. Dois deles, O Selvagem (1954) e Rebelde sem Causa (1955), revelaram Marlon Brando e James Dean interpretando jovens em conflito com a geração de seus pais. A rebeldia estava na moda. Daí surgiu Elvis Presley, dando voz a uma geração cansada da caretice dos pais.

A sociedade de consumo não demorou para perceber o potencial do filão jovem. Foi só aí que o rock explodiu na América. E tome filmes, revistas, livros, badulaques, calendários e todo tipo de bugiganga direcionada aos novos consumidores. Elvis, o rebelde, tornou-se uma figura tão familiar aos lares americanos quanto o presidente Eisenhower.

As gravadoras, que nunca gostaram de arriscar, trataram de diluir o rock em fórmulas açucaradas, bem ao gosto do público branco médio. O canastrão Pat Boone, por exemplo, gravou Tutti Frutti, mudando a letra (escrita por Little Richard, negro, homossexual e orgulhoso), para não chocar as boas moças da América. Foi um estouro. Era a tal coisa: "rock sim, mas limpinho, por favor".

Apesar do sucesso, muita gente previa um fim rápido para o rock. O gênero era visto como uma moda passageira, a exemplo do calipso ou de tantas outras que tiveram seus 15 minutos de fama na América.

Para piorar, os roqueiros passavam por maus bocados no fim dos anos 50: Elvis Presley foi para o Exército, Chuck Berry ficou preso dois anos por ter atravessado uma fronteira estadual com uma prostituta menor de idade, Little Richard abandonou o rock e virou pastor depois de "ouvir o chamado de Deus" durante um vôo turbulento, Jerry Lee Lewis arruinou a carreira ao casar com uma prima de 13 anos, Buddy Holly morreu em um acidente de avião, que matou também Ritchie Valens (La Bamba) e Big Bopper (Chantilly Lace), e Eddie Cochran morreu em um acidente de carro. Quando o futuro do rock’n’roll parecia negro, surgiram os Beatles.

A influência dos Beatles é incalculável. Musicalmente, eles elevaram o rock a um nível até hoje inigualado, estabelecendo parâmetros e modelos para toda a música pop. Suas experimentações abriram novas possibilidades sonoras e ampliaram os horizontes musicais das gerações posteriores. Culturalmente, eles foram igualmente importantes: carismáticos, irreverentes e cheios de sex-appeal, eles surgiram no mundo como um sopro renovador, obliterando a caretice da década de 50 e inaugurando uma era mais livre e esperançosa – os anos 60.

O surgimento do rock e de seus primeiros ídolos – Elvis, Beatles, Rolling Stones – mudou a relação entre a música e o público. Até o rock aparecer, o "músico" – fosse produtor, instrumentista ou compositor – era visto como um profissional muito qualificado. Compositores de "música popular" eram sofisticados como Cole Porter e Irving Berlin; cantores eram Frank Sinatra e Bing Crosby.

O rock democratizou a música pop. Subitamente, qualquer um podia subir em um palco e cantar. Elvis, um caipira ignorante, passou a freqüentar as paradas de sucesso ao lado de Sinatra e Nat King Cole (dá até para entender por que Sinatra, acostumado a trabalhar com músicos experientes, não aceitou o novo estilo: "rock’n’roll é a coisa mais brutal, feia e degenerada que eu já tive o desprazer de ouvir", disse o "olhos azuis").

Essa "democracia" do rock teve um efeito imediato: os artistas ficaram cada vez mais parecidos com seu público, tanto em idade quanto em classe social. Os jovens passaram a se identificar mais com seus ídolos, estabelecendo uma relação mais próxima com a música. O rock também passou a buscar na sociedade – especialmente nos jovens – os temas de suas canções. Essa troca fez do rock a música mais popular e culturalmente impactante do século 20.

Para muitos, esse estreitamento entre artista e público também causa um declínio gradual na qualidade da música. A cada ano, um número maior de pessoas sem treinamento musical tem acesso a tecnologias de composição e gravação. Hoje, aparelhos como samplers e placas de som permitem a qualquer um gravar um disco em casa. E popularização raramente é sinônimo de qualidade.

O fato é que nenhuma outra música esteve tão sintonizada com a realidade de seu tempo quanto o rock. Desde os anos 50, ele passou a ser um espelho da sociedade, refletindo a moda, o comportamento e as atitudes dos jovens. Isso fez do rock uma música com prazo de validade, ou seja, tão ligada no "hoje" que corre o risco de sair de moda rapidamente, junto com os temas abordados (para confirmar, basta assistir a qualquer videoclipe de dez anos atrás).

Isso cria situações interessantes: o que é "bacana" e "moderno" para uma geração torna-se ultrapassado para a próxima. Sendo um gênero que se alimenta sempre do novo, o rock’n’roll gera conflito entre seus fãs. Um movimento surge como resposta ao anterior e assim por diante, numa renovação incansável.

Esses conflitos, mais que interessantes, são necessários: sem eles, estaríamos condenados à eterna repetição. Foi a partir desses "rachas" que nasceram alguns dos movimentos mais influentes do rock, como o punk, basicamente uma reação ao comercialismo e à pompa do rock dos anos 70, que havia perdido a identificação com as gerações mais novas. Ao contrário do que ocorria antes do rock’n’roll, agora ficou fora de moda curtir a mesma música que os pais. Mas isso é cíclico, claro: com o passar dos anos, a indústria descobriu o potencial do saudosismo. Hoje, temos canais de televisão que vivem de reembalar artistas velhos como se fossem a última novidade. E veteranos – como o Aerosmith, por exemplo – que, graças a seus clipes na MTV, reinventam-se para um público que nem era nascido quando eles faziam sua melhor música.

Os Beatles são um bom exemplo da capacidade do rock de se adaptar a cada época. Para entender as mudanças ocorridas nos anos 60, basta olhar as fotos do grupo durante o período. Nos primeiros anos, vestidos com terninhos idênticos e cabelos bem penteados, os quatro eram a imagem perfeita do otimismo da era Kennedy. Depois, como todos, abandonaram a inocência: os cabelos cresceram e os sorrisos deram lugar ao cinismo, enquanto Kennedy era morto e a guerra começava no Vietnã. No fim da década, quando jovens faziam passeatas na Europa, Martin Luther King era assassinado e o conflito do Vietnã piorava, os Beatles buscaram consolo espiritual na Índia, renegando o comercialismo ocidental. A banda acabou melancolicamente, junto com uma década que começara cheia de promessas e que terminava em guerra e decepção.

Não foram os únicos roqueiros que se tornaram símbolos de uma era: Bob Dylan, Jimi Hendrix e Jim Morrison também viraram ícones dos anos 60, tanto quanto o símbolo da paz ou o rosto de Che Guevara. Sid Vicious é, até hoje, a imagem mais reconhecível da rebeldia punk. E basta um passeio por qualquer grande cidade para ver, a qualquer hora, jovens usando camisetas com o semblante triste de Kurt Cobain.

Esses rostos passaram a representar mais que a simples paixão por uma banda ou artista: tornaram-se símbolos de um estado de espírito e de um jeito de ser. A iconografia, claro, reduz tudo a seu nível mais rasteiro – e um artista como Kurt Cobain, autor de dezenas de músicas, acabou reduzido a garoto-propaganda do suicídio e da alienação adolescente. John Lennon foi assassinado e virou "marca", transformado, como Gandhi, em símbolo de paz e amor. Logo ele, que nunca escondeu ter sido um pai ausente e que tratou Paul McCartney como um cachorro sarnento depois do fim dos Beatles. O rock simplifica tudo.

Talvez seja essa a razão de seu sucesso. Como bem disse Gene Simmons, do Kiss: "Eu não sou Shakespeare. Mas ganhei muita grana e transei com mais de 4 mil mulheres. Tenho certeza de que Shakespeare trocaria de lugar comigo a qualquer hora". Quem duvida?

1. The King of Rock and Roll – The Complete 50s Masters - Elvis Presley, 1992

Elvis em sua melhor fase, antes de entrar para o Exército e voltar mansinho

2. Chuck Berry – Anthology - Chuck Berry, 2000

O verdadeiro criador do rock’n’roll e melhor compositor entre os pioneiros do gênero

3. The Essential Little Richard - Little Richard, 1985

O intérprete mais explosivo do início do rock revolucionou a música com seus gritos e sua vibração

4. The Classic Years - Motown, 2000

Uma das gravadoras mais influentes dos anos 60, meca da soul music norte-americana

5. Please Please Me - Beatles, 1963

Eles chegaram como um sopro renovador e fizeram a trilha sonora perfeita para o otimismo do início dos anos 60

6. The Freewheelin’ Bob Dylan - Bob Dylan, 1963

O rock amadurece: pela primeira vez, as letras valem tanto quanto a música

7. Live at the Apollo - James Brown, 1963

O grito primal do funk, por seu maior intérprete

8. The Who Sings My Generation - The Who, 1965

Até então, ninguém havia feito um rock tão radical e barulhento; para muitos, o nascimento do punk

9. Blonde on Blonde - Bob Dylan, 1966

O atestado de maioridade de Dylan; depois disso, o rock não tinha mais desculpa para a ingenuidade

10. Pet Sounds - Beach Boys, 1966

Um sonho adolescente, embalado pelo pop mais perfeito e cristalino. "O maior disco da história", segundo Paul McCartney

11. Sargent Pepper’s Lonely Hearts Club Band - Beatles, 1967

Auge do experimentalismo do rock. Definiu sua geração e criou novos horizontes para o pop

12. Between the Buttons - Rolling Stones, 1967

Os rebeldes mostram que também têm coração

13. Are You Experienced? - Jimi Hendrix, 1967

Hendrix desfila todo seu arsenal: microfonia, psicodelia, distorção e um pé fincado na tradição do blues

14. The Velvet Underground and Nico - Velvet Underground, 1967

Inaugurou a melancolia no pop. Fez contraponto ao otimismo hippie

15. The Doors - The Doors, 1967

Pessimista e dark, embalado pela angústia existencial de Jim Morrison, na contramão do sonho hippie

16. We’re Only In It For the Money - Frank Zappa and the Mothers of Invention, 1968

Satiriza o hippismo e antecipa o fim do sonho

17. The Village Green Preservation Society - The Kinks, 1969

Os Kinks enxergam além de guitarras barulhentas e fazem o seu Sargent Pepper’s

18. Kick out the Jams - MC5, 1969

Que paz e amor nada! Neste explosivo disco ao vivo, o MC5 pregava revolução, guitarras e amor livre

19. Live Dead - Grateful Dead, 1970

Longas explorações psicodélicas, no melhor momento de uma verdadeira instituição californiana

20. Black Sabbath - Black Sabbath, 1970

Para muitos, uma brincadeira de mau gosto. Para os fãs, um disco que sepultou a inocência dos anos 60 e inaugurou o heavy metal

21. Funhouse - Iggy Pop and the Stooges, 1970

Blues, John Coltrane e punk: a fórmula de Iggy Pop neste verdadeiro clássico do niilismo

22. Greatest Hits - Sly and the Family Stone, 1970

A música negra como arma de guerra: segundo Sly Stone, a revolução só se daria com o povo dançando nas ruas

23. Led ZepPelin IV - Led Zeppelin, 1971

Jimmy Page e sua gangue se escondem por trás do ocultismo e fazem um clássico do hard rock

24. Exile on Main Street - Rolling Stones, 1972

Os Stones esquecem a pose de maus e concentram-se no que sabem fazer melhor: música sublime

25. Ziggy Stardust - David Bowie, 1972

Uma ópera-rock sobre androginia e extraterrestres. Bowie cria um mundo de fantasia e sonho, que inspirou o punk e a new wave

26. Harvest - Neil Young, 1972

Obra-prima do country rock em uma época de cantores "sensíveis", como James Taylor e Carole King

27. Transformer - Lou Reed , 1972

O subterrâneo nova-iorquino, com prostitutas, traficantes e bêbados, pela imaginação mórbida de Lou Reed

28. New York Dolls - New York Dolls, 1973

Guitarras altas, batom e roupas de mulher: os New York Dolls confrontavam com bom humor a macheza do rock da época

29. The Dark Side of The Moon - Pink Floyd, 1973

Questionamentos sobre loucura e solidão, embalados pela música mais triste a chegar ao topo das paradas

30. Ramones - Ramones, 1976

Em contraponto ao rock "sério", quatro desajustados cometem este pecado sonoro, sem solos nem pretensão. Nascia o punk

31. Never Mind the Bollocks - Sex Pistols, 1977

O conflito de gerações em forma de disco: "Somos feios, sujos e não gostamos do que está acontecendo"

32. Talking Heads: 77 - Talking Heads, 1977

O punk cresce e amadurece; o funk de branco do Talking Heads prova que há cabeças pensantes na geração 77

33. Parallel Lines - Blondie, 1978

O dia em que o punk e a new wave fizeram as pazes com o pop. Som comercial sem abdicar de seus ideais

34. Unknown Pleasures - Joy Division, 1979

Velvet Underground para as novas gerações: sombrio e mórbido, vê um mundo mais sem futuro que o do Sex Pistols

35. The Specials - The Specials, 1979

O punk inglês se mistura ao ska jamaicano, que havia anos habitava os bairros mais pobres da Inglaterra

36. Double Fantasy - John Lennon e Yoko Ono, 1980

Depois de passar anos fazendo discos políticos, Lennon e Yoko assumem a maturidade e gravam pelo simples prazer de criar

37. London Calling - The Clash, 1980

Está tudo aqui: rockabilly, reggae, ska, jazz. O grande disco que define o fim da adolescência no punk

38. Heaven Up Here - Echo and the Bunnymen, 1981

Grandioso demais para se encaixar em algum movimento musical, marca o amadurecimento do pós-punk

39. Power, Corruption and Lies - New Order, 1983

O rock abraça a música eletrônica e prova que música "de computador" também pode ter coração

40. The Head on the Door - The Cure, 1985

O Cure embala a morbidez no pop mais acessível e leva a melancolia às massas

41. The Queen is Dead - The Smiths, 1986

O rock esquece os vencedores, celebrando os desajustados, tímidos e fracassados

42. Licensed to Ill - Beastie Boys, 1986

Três espertalhões juntam rap e heavy metal e criam música negra para jovens brancos

43. The Joshua Tree - U2, 1987

O U2 ressuscita o rock político – e os fãs, apolíticos, compram sem perceber a intenção

44. Daydream Nation - Sonic Youth, 1988

Os intelectuais da guitarra fazem uma perfeita radiografia de uma geração sonada pela MTV e pelo rock comercial

45. It Takes a Nation of Millions to Hold Us Back - Public Enemy, 1988

Um libelo contra a manipulação da mídia, o "embranquecimento" da América de Reagan e o racismo

46. Out of Time - R.E.M., 1991

Rock de gente grande, com ambição e propósito, apesar do lustro pop e do imenso sucesso comercial

47. Metallica - Metallica, 1991

Representou, para a geração MTV, o que Black Sabbath foi para os jovens em 1970: a celebração da negação

48. Nevermind - Nirvana, 1991

O dia em que o punk encontrou a MTV: um disco que destruiu barreiras e que tornou obsoleto todo o rock vagabundo do fim dos anos 80

49. BloodSugarSexMagik - Red Hot Chili Peppers, 1991

Fãs de Korn e Limp Bizkit vão chiar, mas a verdade é que todo o funk metal e o nu metal começaram aqui

50. OK Computer - Radiohead, 1997

Um disco gélido, cerebral e triste, sobre a dificuldade de comunicação no fim do século. Paradoxalmente, foi um sucesso

"Por que jovens gostam de rock? Ora, porque os pais não gostam, é claro!"

Chuck Berry

"Se você se lembra dos anos 60, é porque não estava lá."

Robin Willians

"Eu odeio o Pink Floyd."

Frase escrita na camisa de Johnny Rotten, dos Sex Pistols

"Eu sou uma garota material, vivendo num mundo material."

Madonna

"Meu sonho e viver num mundo onde Lenny Kavitz nõ seja chamado de 'rock'"

Mark Arm, Mudhoney

Northern Band Rock’n’Roll

Espécie de versão com guitarra e baixo do som das big bands de Kansas City. O maior nome do estilo era Bill Halley (Rock Around the Clock)

New Orleans Dance Blues

Gênero em que predominavam baladas, tendo o piano como instrumento principal. Little Richard e Fats Domino se destacavam

Memphis Country Rock

Também chamado de rockabilly, era basicamente música caipira branca, tocada com guitarra elétrica. A gravadora Sun, descobridora de Elvis, era a meca desse ritmo

Chicago Rhythm and Blues

Versão negra do rockabilly, que teve em Chuck Berry e Bo Diddley seus mestres

Grupos Vocais

Sem instrumentos, usavam somente o gogó, em arranjos lindos. Frankie Lymon and the Teenagers era o grande sucesso

Fonte: The Sound of the City, de Charlie Gillett (Souvenir Press, EUA, 1971)

Chuck Berry

O primeiro grande compositor do rock criou riffs copiados até hoje ("Roll Over Beethoven", "Maybellene"). Compôs rocks, blues e baladas e foi também o primeiro grande "fora-da-lei" do rock’n’roll, tendo sido preso várias vezes quando adolescente (e outras várias vezes depois)

Beatles

Lançaram, entre 1965 e 67, três álbuns – Rubber Soul, Revolver e Sargent Pepper’s Lonely Hearts Club Band – que elevaram o rock a um nível artístico nunca visto. Daí experimentaram de tudo: música indiana, fitas rodadas de trás para a frente, sons de pássaros, LSD... E o rock nunca mais foi o mesmo

Bob Dylan

O primeiro grande letrista do rock. Cantor folk, chocou a platéia ao subir no palco com uma banda de rock, em 1965. Muitos previram um fracasso quando lançou Like a Rolling Stone: a música tinha seis minutos de duração, o triplo da média das canções do rádio. Foi seu primeiro grande sucesso

Brian Wilson

Mesmo surdo de um ouvido e abalado para sempre por causa dos socos que levava do pai, o líder dos Beach Boys compôs alguns dos momentos mais sublimes da música pop. Queria superar os Beatles, que considerava os únicos capazes de rivalizar com seu talento

Rolling Stones

Eram o contraponto mal comportado à simpatia dos Beatles. Foram os primeiros a subir no palco com as roupas que usavam no dia-a-dia, sem os "uniformes" usados pelas bandas – um choque na época. Resgataram o blues de Muddy Waters e Willie Dixon e exploraram a psicodelia e a música soul

Phil Spector

O mais influente produtor musical dos EUA nos anos 60. Aos 18 anos já tinha uma música no Top 10. Revolucionou as gravações com sua técnica de gravar vários instrumentos na mesma faixa, para criar uma sonoridade densa e poderosa

Jimi Hendrix

Revolucionou a guitarra e tornou-se o músico mais influente e inovador de sua geração. Seu estilo único unia o blues a distorção e microfonia. Quão bom ele era? Eric Clapton responde: "Uma vez, Jimi subiu conosco no palco e tocou Killing Floor, de Howlin’ Wolf, que eu nunca consegui tocar direito. Todo mundo ficou de boca aberta"

David Bowie

O "camaleão" do rock fez de tudo: foi menestrel hippie (anos 60), inventou o glam rock, influenciou o punk e a new wave e embrenhou-se por sons eletrônicos (anos 70). Fez dance music e trilhas para o cinema (80). Sua capacidade de se reinventar não tem paralelo no pop

Sex Pistols

Em 1976, o rock vivia uma fase tediosa, com artistas milionários tocando em estádios. Em oposição a eles, grupos como Sex Pistols, Ramones e The Clash criaram o punk, uma música crua e direta. Estouraram na Inglaterra e provaram que não era preciso ser bonito e comportado para chegar ao topo das paradas

Kurt Cobain

Conseguiu, como ninguém, capturar em música o espírito da geração MTV, marcada pelo tédio e pela paralisia em face do domínio corporativo. O Nirvana foi um caso raro de banda alternativa que fez imenso sucesso comercial e abriu caminho para dezenas de outras

Benjamin Franklin "descobre" a eletricidade (junho de 1752)

O velho Ben soltou uma pipa no meio de uma tempestade e mudou o mundo

Elvis grava um disco para a mãe (4 de janeiro de 1954)

Um caminhoneiro pobre entra nos estúdios da gravadora Sun, em Memphis, e grava um acetato para dar de presente à mãe. Meses depois, quando precisou de um cantor para gravar um compacto, o dono da Sun, Sam Phillips, lembrou-se do rapaz, Elvis. Nascia o rock’n’roll

Morte de Buddy Holly (3 de fevereiro de 1959)

Buddy Holly, Ritchie Valens e Big Bopper morrem num desastre de avião, depois de um show. Foi a primeira grande tragédia do rock, um evento que ficou marcado como "o dia em que a música morreu"

Beatles aparecem no programa de Ed Sullivan (9 de fevereiro de 1964)

Mais de 50 mil fãs brigaram pelos 703 ingressos disponíveis no estúdio da CBS. Os Beatles cantaram cinco músicas e foram vistos por 73 milhões de americanos. Nascia a Beatlemania

Beatles encontram Bob Dylan (28 de agosto de 1964)

Num hotel de Nova York, o quarteto de Liverpool foi apresentado ao maior bardo do rock e, pela primeira vez, fumaram maconha. O encontro motivou o grupo a abandonar as canções adolescentes. Ali começou a fase psicodélica dos Beatles

Woodstock: lama e paz (15 a 17 de agosto de 1969)

O auge do sonho hippie: meio milhão de pessoas se reuniram para celebrar a paz e o amor, sem policiais ou chuveiros para atrapalhar. Foram três dias de lama, drogas e muito rock’n’roll, ao som de The Who, Jimi Hendrix, Santana, Joe Cocker, Creedence Clearwater Revival, Janis Joplin, Grateful Dead e muitos outros

Altamont: violência e morte (6 de dezembro de 1969)

O fim do sonho hippie: concebido pelos Rolling Stones, o festival de Altamont terminou em tragédia quando uma gangue de motoqueiros da facção Hell’s Angels, contratada para fazer a segurança do evento, matou a pauladas um jovem negro. Outras três pessoas morreram na noite: duas atropeladas enquanto dormiam e uma terceira afogada

Sex Pistols xingam a Rainha DA INGLATERRA (maio de 1977)

Em uma esperta jogada de marketing, os Pistols lançaram o compacto "God Save the Queen" a tempo de esculhambar as comemorações do Jubileu da Rainha. O disco foi banido das rádios do país, mas tornou-se o segundo mais vendido

Estréia da MTV (1 de agosto de 1981)

Antes da MTV, o principal meio de divulgação para artistas era o rádio. Logo as gravadoras perceberam o potencial do novo canal e passaram a investir mais em clipes. A imagem de uma banda passou a ser tão importante quanto sua música. Surge a "geração MTV" com estrelas como Madonna, Duran Duran, Prince e Michael Jackson

Michael Jackson compra o catálogo dos Beatles e Elvis Presley (setembro de 1985)

Hoje, ninguém pode usar uma música dos Beatles ou de Elvis sem pedir licença a um homem que pendura o próprio filho de uma janela e que admite ter feito vodu contra Steven Spielberg

Na livraria:

The Sound of the City - The Rise of Rock and Roll - Charlie Gillett, Da Capo Press, EUA, 1970

The People’s Music - Ian MacDonald, Pimlico Books, Reino Unido, 2003

2009-06-13T17:09:00.000-03:00

Punk na veia
Reunindo diálogos e bate-bocas de seus principais protagonistas, gente como Iggy Pop e Dee Dee Ramone, o livro Mate-me Por Favor põe o punk em seu devido lugar: as sarjetas imundas de Nova York
por Eduardo Bueno

Tudo começou em 1975, quando Eddie McNeil, então com 18 anos, e dois amigos de escola, John Holmstron (atual editor da revista High Times, especializada em drogas em geral e em maconha em particular) e Ged Dunn, resolveram fazer uma revista, baseados (e bota baseados nisso...) no sólido e irrefutável argumento de Holmstron conforme o qual, se tivessem uma revista, ganhariam “bebida de graça”. Nas palavras de McNeil, a coisa foi mais ou menos assim: “Holmstron queria que a revista fosse uma combinação de tudo em que a gente se ligava – reprises de televisão, cerveja, sexo, cheeseburgers, quadrinhos, filmes B e aquele rock’n’roll esquisito que ninguém além de nós parecia gostar: Velvets, Stooges, New York Dolls e Dictators”.

Posto isso, eles precisavam de um nome para a publicação. “Por que a gente não chama de Punk?”, disse McNeil. Segundo ele, “a palavra punk pareceu ser o fio que conectava tudo o que a gente gostava – bebedeira, antipatia, esperteza sem pretensão, absurdo, diversão, ironia e coisas com um apelo sombrio”. O dicionário diz que a palavra “punk” surgiu em 1596, “de origem obscura, provavelmente relacionado a spunk, ou ‘madeira podre’”. Mais tarde, tornou-se um substituto para “prostituta”, antes de significar “bobagem, coisa ordinária ou sem sentido”. Ou seja, a palavra perfeita para os fins perseguidos pelo trio.

No final do encontro, Holmstron se escalou para ser o editor-chefe da revista. A seguir, Dunn proclamou-se o executivo da “firma”. Como McNeil, além de meio lento, não disse nada, o sagaz homem-fumaça Holmstron matou a charada: “Você pode ser o punk de plantão!” E foi então que Eddie McNeil virou Legs, uma espécie de personagem de cartum em carne e osso, um dublê para as reportagens da revista. Ou seja, seu trabalho era o de exercer seu talento natural para tomar porres e se meter em encrencas.

A revista Punk, acredite, tornou-se um sucesso no circuito alternativo, vendendo 30 mil exemplares. Foram publicados 18 números antes de Legs sair da revista, em 1977, para fazer, aos 20 anos, seu primeiro programa de desintoxicação. Logo depois, ela acabou. Hoje, exemplares antigos são vendidos por pequenas fortunas na internet.

Os caras foram tocando a vida e os anos foram passando, quando Legs achou que os ingleses haviam se apropriado indevidamente do termo a partir da explosão dos Sex Pistols, em fins de 1977. Ele sabia que o punk era uma subcultura americana que já existia por quase 15 anos com Velvet, Stooges e MC5, entre outros. Mas Legs conta que, quando dizia que o movimento punk “já tinha donos”, e que eles não eram britânicos, ouvia o seguinte: “Você não entende. O punk começou na Inglaterra. Sabe, lá todo mundo está no seguro-desemprego, eles têm realmente do que reclamar. Punk é sobre luta de classes, economia decadente e blá, blá, blá.”

Embora argumentasse, lembrando a passagem de Malcolm McLaren (produtor dos Pistols) pelos Estados Unidos e as relações dele com os punks americanos, McNeil pensou em desistir: “Não dava para competir com aquelas imagens de alfinetes e cabelo espetado”. Os Pistols e o terremoto punk na Inglaterra pareciam ser o atestado final da vitória da imagem sobre a palavra. Aí é que entra Mate-me Por Favor – A História Sem Censura do Punk. O livro é a tentativa de Legs McNeil de recolocar as coisas em seu lugar – ou seja, nas sarjetas de Nova York.

E é daí que nascem as melhores histórias de Legs e do livro (que ele assina em parceria com Gillian McCain). Para falar a verdade, não são histórias. São conversas com os principais sujeitos envolvidos com os melhores e piores momentos do punk. Ficamos sabendo, por exemplo, que Lou Reed, o vovô do punk, que criou o Velvet Underground, nos anos 60, vivia num buraco de 30 dólares por mês, em Nova York, e que para pagar o aluguel vendia sangue e posava para jornais sensacionalistas: “Minha foto saiu dizendo que eu era um maníaco sexual que tinha matado 14 crianças e filmado tudo”, diz Reed.

Essa época, a pré-história do punk, revela a relação dos punks com Andy Warhol e a turma da Factory. No auge da onda flower power, ambos odiavam os hippies. “Paz e amor não tinha nada a ver com nada. E a gente não queria se sentir bem”, diz Scott Asheton, guitarrista dos Stooges, uma das bandas que despontavam.

“Em abril ou maio de 1970, a gente chegou para um show em Detroit e as coisas estavam mudando. O desemprego estava empurrando todo mundo para fora da cidade e ninguém estava querendo ouvir falar de ficar numa boa. Começamos a nos envolver com drogas pesadas”, afirma Iggy Pop, vocalista dos Stooges. O fabuloso, o excessivo, o lendário Iggy Pop é o personagem central de alguns dos melhores trechos do livro. É ele quem dá o tom dessa fase da música e do modo de vida dos caras.

Em 1971, na Califórnia, depois de passar horas tentando achar uma veia para tomar uma dose de heroína, Iggy estava atrasado para um show. Quem conta essa história é Dee Dee Ramone, dos Ramones, outra lenda do punk. “Ele estava puto e o show atrasado pra caramba. Mas não adiantava reclamar, o cara não saía do banheiro”, diz. Iggy se lembra assim da cena: “Eu ficava gritando ‘Cai fora!’ pra todo mundo e eles ficaram pensando, ‘Meu Deus, o cara vai morrer e blá, blá, blá’. Finalmente, lá estou eu no palco e mal entrei no lugar senti que precisava vomitar”. Dee Dee, novamente: “A banda finalmente entrou e Iggy parecia muito injuriado. Ele estava todo pintado com tinta prateada e só usava cueca. Ele estava lambuzado de tinta prata, mas o cabelo e as unhas estavam dourados. E alguém também tinha salpicado purpurina no cara. Eles entraram e ficaram tocando a mesma canção, sem parar, só com três acordes. E as únicas palavras eram: ‘I want your name. I want your number’ (‘quero seu nome, quero seu telefone’). Aí, Iggy olhou pra todo mundo e disse: ‘Vocês me dão enjôo’. E vomitou.”

Como se vê, nessa época o punk já tinha suas conexões com as artes plásticas e a poesia. E Patti Smith era uma dessas pontes: escritora, poetisa e linda de morrer. Outra influência era o teatro gay de John Vaccaro e as drag queens que inspiraram o visual andrógino de David Bowie. Em seguida, New York Dolls se tornou uma sensação fazendo um rock básico de rua e se apresentando com roupas de mulher. Bowie e os Dolls criaram o glitter rock, um primo chique e afetado do sujo e despojado punk.

Em 1975, aconteceu a história que deu nome ao livro (Please Kill Me, no título original em inglês). Segundo o autor, a frase foi tirada dos dizeres escritos a mão em uma camiseta de Richard Hell (do NY Dolls) feita por ele mesmo, e adornada com o desenho de um alvo de tiro. O fotógrafo Bob Gruen lembra que Hell vestia a camisa no clube CBGB’s na primeira vez em que se viram. “Aquilo era uma das coisas mais chocantes que eu tinha visto. As pessoas tinham idéias extravagantes naquele tempo, mas andar pelas ruas de Nova York com um alvo no peito, com um convite pra ser morto – aquilo foi um verdadeiro marco.”

Richard Hell não se lembra de ter usado a tal camiseta – “Eu era um tremendo covarde” –, mas recorda-se de ter forçado Richard Lloyd, guitarrista do Television, a usá-la. Lloyd, por sua vez, conta que decidiu usar a camiseta porque Hell, embora a tivesse feito, nunca a usava. Mas não parece ter sido uma boa idéia. “Usei quando tocamos no andar de cima do Max’s Kansas City, e mais tarde uns garotos chegaram em mim. Aqueles fãs me lançaram um olhar psicótico e perguntaram: ‘É sério?’ Daí disseram: ‘Se é isso que você quer, a gente ficará contente em obedecer, porque somos seus maiores fãs!’ Ficaram me olhando com aquele ar alucinado, e pensei: ‘Não vou usar esta camiseta de novo’.”

Mas aí vieram os Ramones, punks até os ossos, e o limites se foram. “Quando eu tinha 15 anos comecei a comprar droga no Central Park e levar ao Queens para revender. Dava para pagar o meu e ainda sobravam 5 dólares. Um dia voltei para o apartamento da minha mãe e ela ficou tão puta que jogou uma panela em mim, depois quebrou meus discos e atirou minha guitarra pela janela”, diz Dee Dee Ramone. “Decidi ir pra Califórnia de carona com uns caras num carro caindo aos pedaços. Eles andavam devagar montanha acima e depois vinham abaixo como uns doidos. Os caras pareciam doidos de verdade, falando coisas doentias. Falavam sobre como estavam a fim de arrancar a cabeça de alguém. Tinham um fio de arame e queriam enforcar alguém. Finalmente pararam num posto de gasolina em Indiana e assaltaram o lugar. Nós todos fomos presos por assalto a mão armada.”

É só então que Malcolm McLaren, o picareta brilhante que, antes de inventar os Sex Pistols, na Inglaterra, empresariou o NY Dolls, nos Estados Unidos, deu as caras. No desempenho da função, ele conheceu Richard Hell, cujo visual serviria de inspiração para a estética punk e que MacLaren tratou de levar para Londres. Para Legs McNeil e Gillian McCain, os Pistols roubaram descaradamente a estética e, de certo modo, o som de Hell e do Dolls.

“A estratégia de Malcolm para os Pistols era a teoria do caos. Estava fora do controle e não tinha nada a ver com música. Tinha a ver com o fenômeno aterrorizante que estava chegando da Inglaterra”, diz Danny Fields, que foi empresário de Iggy Pop e dos Ramones. Bob Gruen lembra-se da excursão do Sex Pistols nos Estados Unidos: “Os shows da banda eram o caos, mas a vida na turnê até que era bem comum. Basicamente a gente bebia cerveja, passava uns baseados e ouvia reggae. Mas daí o ônibus encostava, as portas se abriam, pintavam as câmeras de TV e os fãs e a loucura começava”. Segundo ele, a presença de público causava comportamentos esquisitos no grupo. “Uma noite chegamos numa parada de caminhoneiros e eu e Sid Vicious descemos para comer. Eu pedi um sanduíche e Sid pediu uns ovos. Estava tudo normal até aparecer um cowboy com a família. O cara reconheceu Sid e nos convidou para sentarmos com eles. O cowboy disse: ‘Você é o Vicious, você consegue fazer isso?’ – e apagou o cigarro na palma da mão. Então Sid pegou uma faca e furou a própria mão, o sangue começou a escorrer até chegar ao prato de ovos. Mas Sid não se importou e continuou a engolir o rango.”

Durante a estada na América, Nancy Spungen, namorada de Sid Vicious, foi morta a facadas no quarto do casal. Ele, o único suspeito, foi preso, pagou 50 mil dólares de fiança, mas não chegou a ser julgado. No dia em que saiu, tomou uma overdose de heroína e morreu.

Chegamos à década de 80 e o fim é melancólico: as bandas terminam e muita gente morre. Especialmente tristes são as mortes de Johnny Thunders e Jerry Nolan, ex-Dolls e ex-Heartbreakers, ambos vitimados pelas drogas.

2009-06-06T12:12:00.000-03:00

Your Arsenal

Ou como Morrissey mergulhou de cabeça no universo billy e transformou-se em ídolo no mundo inteiro.

Coleção

Morrissey
Your Arsenal (1992)

Provoçações nas letras e fotos deram o tom nervoso a Your Arsenal.

Desde o conturbado – e inesperado – fim dos Smiths, em agosto de 1987, Morrissey procurava reviver os melhores dias da carreira. Enquanto os fãs choravam debruçados sobre Strangeways, Here We Come (quarto e último álbum de estúdio, lançado quase dois meses após o vocalista confirmar em declaração ao New Musical Express o fim da banda), ele recrutava três de seus quatro ex-companheiros (o baixista Andy Rourke, o baterista Mike Joyce, o guitarrosta Craig Gannon) para sessões de gravação e os primeiros shows de sua carreira solo.

O futuro parecia promissor. Stephen Street, produtor de certeira mão pop, foi chamado para pilotar o primeiro álbum pós-Smiths. Em março de 1988, Viva Hate saiu. Nos créditos, uma mão do amigo e conterrâneo Vini Reilly (que nos anos 80 deliciava os ouvidos dos mais antenados com as texturas e colagens de seu projeto Durutti Column). Na manga, os desabafos de “Everyday Is Like Sunday” e “Suedehead”, ambos singles de extremo sucesso e até hoje cantados em uníssono em qualquer pista. Na seqüência, mais alguns compactos poderosos, como “November Spawned a Monster”, “Interesting Drug”, “Hairdresser On Fire” e “The Last Of The Famous International Playboys”, reunidos em 1990 na coletânea de lados A e B Bona Drag. Moz começava a carreira solo com pé direito. Parecia que o impossível estava concretizado: a horda de fãs arrebatados nos tempos dos Smiths nunca sentiria falta da parceria com Johnny Marr.

Cinco meses de Bona Drag, já em 1991, veio o segundo álbum de inéditas, Kill Uncle. Moz se enturmava com um novo parceiro, o guitarrista Mark E Nevin (da banda de folk pop Fairground Attraction, que anos obteve relativa projeção na Grã-Bretanha), e tentava explorar outras sonoridades que iam da influência glam do Roxy Music a orientalismos e baladas funéreas. O tiro saiu pela culatra. Apesar de bem recebido pelos exigentes críticos de sua terra no mês do lançamento, o álbum desapontou os fãs. Não teve boas vendagens, nem uma faixa sequer que despontasse como os singles anteriores.

Kill Uncle frustrou tanto as expectativas, que entraria para a história como o pior trabalho da vida de Morrissey. Mais: o fraco desempenho do disco acabou colocando em xeque a carreira. Para muitos, o vocalista estava acabado profissionalmente, incapaz de ressuscitar a antiga chama criativa. Para piorar, a letra da faixa “Asian Rut” – que tratava sobre discriminação racial – transformou-o em antagonista da imprensa. A má interpretação dos versos fez com que Moz virasse o alvo de constantes ataques dos jornalistas, que acusavam-no justamente de racista. Muito ferido e sem forças, o ídolo parecia estar definitivamente abatido. Tanto que abandonou a Inglaterra, para fixar residência de vez na cidade de Los Angeles.

Entretanto, logo entraria em ação a mão do destino para mudar tudo da água para o vinho. Durante parte da turnê americana de Kill Uncle Morrissey dividiu o palco com David Bowie, que apresentou-o ao guitarrista Mick Ronson. Mick havia tocado com Bowie na primeira metade dos anos 70. Era também guitarrista do Mott The Hopple, que estou naquela mesma época com o hit “All The Young Dudes”, balada composta por Bowie. Na adolescência, Moz idolatrava o glam rock. Estava fechado o circuito. Mesmo debilitado pelo câncer que o mataria em 1993, Ronson topou produzir o próximo disco do ex-líder dos Smiths.

Em julho de 1992 chegava às lojas o terceiro álbum solo de Morrisey, aquele que viria a ser o divisor de águas, capaz de deflagrar um novo culto à figura do cantor. Só que a adoração vista na Inglaterra no tempo dos Smiths passaria a se tornar mundial, inclusive no até então impenetrável mercado americano. A culpa não foi apenas da então ascensão do rock alternativo, que varria as paradas e os escritórios das grandes gravadoras. Morrissey descobriu na chicana Los Angeles um nicho que veio a complementar seu gosto e formação musical.

Moz descobriu o mundo billy. Seu gosto pela estética que marcou os anos 50 (topete, camiseta branca, o mito James Dean) encontrara – enfim – eco na música. Ao formar sua nova banda de apoio, recrutou o guitarrista Boz Boorer, o baixista Gary Day e o baterista Spencer Cobrin, todos músicos calejados em bandas já conhecidas no pequeno circuito [no Brasil, o gênero foi bastante cultuado em Curitiba e São Paulo]. Com a impossibilidade de contar com Nevin para compor mais de duas músicas, encontrou no segundo guitarrista, Alain Whyte, seu mais novo parceiro para composições – o suficiente para deixar ao longo dos anos mais um punhado de sucessos.

Your Arsenal representava, de cara, duas grandes mudanças para Morrissey. Era notória a força criativa do conjunto – pela primeira vez, desde o histórico The Queen Is Dead, Moz voltava a se sentir parte de uma banda unida e coesa. Isso acabou sendo traduzido em pegada selvagem e riffs capazes de conquistar já primeira audição. As letras também refletiam o estado de espírito do vocalista. Magoado com a hostilização britânica e impulsionado pela energia dos novos companheiros, ele construiu versos polêmicos, chegando a escancarar em três faixas sua revolta com o lado mais agressivo e autoritário (e menos conhecido) de seu país de origem. A provocação ainda se estendia às fotos de capa e contracapa (camisa aberta, peito nu, lingüinha de fora, microfone que sugere poder fálico) e ao título (duplo sentido que cita o nome do time de futebol mais popular do Campeonato Inglês e ainda deixa nas entrelinhas o palavrão “arse” – que em português possui apenas duas letras). Isso explica ser Your Arsenal o único álbum da carreira onde o encarte não traz a reprodução das letras – só não se sabe ainda se a decisão partiu do próprio artista ou de sua gravadora.

“You’re Gonna Need Someone On Your Side” abre o album. Faixa composta ainda no tempo de colaborações entre Moz e Nevin, ela foi totalmente revigorada pela nova banda. As guitarras de Whyte e Boorer transformaram a música em um pesado rockabilly (cujo riff faz referência ao famoso tema de Batman e a “Something Else”, de Eddie Cochran). A faixa está na abertura por questões estratégicas. Faz todo mundo esquecer o som insípido de Kill Uncle e ainda é um recado direto para seus detratores irem para “bem longe”. Durante quase toda a letra, Moz nos faz acreditar que o “someone else” de quem ele fala é uma terceira. Mas ele surpreende e emenda no final: “And here I am” (“E aqui estou eu”).

Logo em seguida, Moz apronta outra das suas. Engata uma levada glam-blues em “Glamorous Glue”, homenagem explícita a Mick Ronson, para iniciar sua relação de amor e ódio com a Inglaterra. “Tomamos conta de Los Angeles/ Por causa da linguagem que usamos/ Londres está morta”, declara, impiedosamente, citando a si mesmo. Há ainda outros versos provocativos, como “Tudo o que vale a pena no mundo está aqui”, “Não votaremos no Partido Conservador/ Porque nós nunca tivemos de fazer isso” e “Todo mundo mente, ninguém se importa”. Moz depois explicaria que compôs a letra pensando no fato de que tanto o rádio quanto a TV na Grã-Bretanha se importam muito com o que é feito no outro lado do Atlântico. “Tudo o que ocorre nos Estados Unidos é constantemente mostrado nos jornais ingleses, enquanto os americanos nunca se referem à Inglaterra e a política britânica é completamente nula para eles. Para mim, o país poderia explodir e desaparecer por completo que os jornalistas americanos não iriam sequer mencionar o fato”, explicaria Morrissey posteriormente.

A balada predominantemente acústica “We’ll Let You Know” (de singela guitarrinha jingle-jangle ao fundo) continua na mesma linha da faixa anterior. Desta vez o tema é o fanatismo violento dos torcedores de futebol e Moz adota como personagem um destes hooligans que destróem tudo e todos pela frente nos dias de jogos. Aqui o ponto de discórdia caiu sobre a frase “we are the last truly British people you’ll never know” (nós somos os últimos britânicos sinceros que vocês nunca conhecerão). Em entrevista para a revista Q, Moz explicaria a música dizendo que compreende os níveis de patriotismo, frustração e regozijo dos hooligans e que toda esta agressividade acaba tendo de ser extravazada de alguma maneira. “Desde que ninguém morra por causa disso, isso até que me diverte”, disparou. Para completar a confusão toda, a música acaba com sons de briga.

Em matéria de polêmica, porém, “The National Front Disco” superou as expectativas. Moz citava diretamente a mais racista das organizações de seu país (a National Front é o equivalente à americana Ku Klux Klan). Cantava o verso “England for the English” e, nos shows, ainda se enrolava na Union Jack (a bandeira britânica) durante a música. Todo este nacionalismo exacerbado, porém, nada mais era do que uma crítica ferina. Nessess versos, Moz fala sobre o garoto Davey e o desespero de uma mãe que “perde” seu filho para os ideais errôneos da NF. A ironia, contudo, não foi percebida e Morrissey voltou a ser alvo de furiosos ataques de leitores e articulistas nas páginas de diversos periódicos.

Não por coincidência, “Certain People I Know” sucede “The National Front Disco”. Aqui, durante a levadinha hillbilly, Morrissey parece estar cantando sobre a vida monótona de personagens classe-média. Mas também dá a entender que segue a linha “eu-amo-o-crime” que norteou algumas de suas obras (como a referência à prisão de Strangeways no título do último álbum dos Smiths ou em clássicos do grupo, como “Shoplifters Of The World Unite”). A faixa foi o terceiro single extraído de Your Arsenal e ainda homenageia outro dos ídolos glam de sua adolescência – o riff remete a “Ride Like A Swan”, hit de Marc Bolan e seu T-Rex.

“We Hate It When Our Friends Become Successful” foi o single que Morrissey precisava para levanter a carreira. Lançada três meses antes do álbum (estratégia comum no mercado britânico, para gerar expectativa nos fãs), a música levou-o de volta ao Top 20. Moz resgata sua veia cínica de outrora, brincando com a inveja alheia despertada por quem é bem-sucedido. O início é fenomenal (o nome da canção foi tirado do primeiro verso), o riff chama a atenção logo de cara e ele ainda solta uma inimaginável gargalhada “cantada” no meio da canção.

A peteca não cai com “You’re The One For Me, Fatty”. O sarcasmo continua afiado, ao fazer uma canção simplezinha (refrão-estrofe-refrão) girando em torno de um tema não muito comum nestes tempos de culto exagerado à silhueta corpórea. Pela primeira vez, os gorduchos recebiam uma declaração escancarada de amor – fato que levou Moz de volta ao Top 20 com o segundo single do álbum.

E Moz volta suas baterias novamente às suas neuroses em “Seasick, Yet Still Docked”. Com arranjo quase todo unplugged (baixo de pau, violão, dedilhado em guitarra semi-acústica, bateria reduzida ao rufar de pratos), a valsinha passeia entre a desesperança de achar o amor (“Wish I knew the way to reach the one I love/ There is no way”), intensa autodesaprovação (“But you see/ I’ve Got No Charm”) e autocompaixão (“All my life no one gave me everything/ No one has ever given me anything”). No final, porém, muda o discurso com um narcisismo bastante exagerado (“My love is as sharp as a needle in your eye/ You’d be such a fool/ To pass me by”). Obsessões românticas como estas angariaram uma extensa legião de fãs nos tempos de Smiths.

Mas Moz não é feito só de rock’n’roll. No seu background há espaço ainda para baladeiros fifities, aqueles que derretiam os corações femininos parados à frente do microfone, com voz empostada e pose de galã. Efeitos de troca de estações no dial do radio e samples de filmes em alemão dão a deixa para Morrissey viver momentos a la Johnnie Ray em “I Know It’s Gonna Happen Someday” (“My love/ Wherever you are/ Whatever you are/ Don’t lose faith/ I know it’s gonna happen someday/ To you/ (…) You say that the day just never arrives/ And it’s never seemed so far away/ Still I know it’s gonna happen someday/ To you/ Please wait”, adverte ele, reproduzindo os tons trágicos de muitas das canções daquela época. A faixa – que vem depois de “Seasick...” por ser em 6/4 – ainda seria regravada logo depois por Bowie.

Com um título emprestado de outras das paixões de Morrissey (no caso um hit gravado por Sandie Shaw em 1966), “Tomorrow” encerra o álbum com um questionamento (“does it have to come?”) e um pedido (“Tell me, tell me that you love me”). Sexualidade furtiva, frustrações, rejeição, doenças psicossomáticas... O bom e velho Morrissey está definitivamente de volta, desta vez sob nova embalagem – no caso, o invólucro billy de Whyte, Boorer, Day e Cobrin que surge depois da breve e dramática introdução em compasso ternário.

Your Arsenal ressuscitou a carreira de Morrissey. O sucesso foi tanto que a turnê do disco acabou gerando um álbum ao vivo (até agora o único na discografia solo), Beethoven Was Deaf, gravado em Paris três dias antes do Natal de 1992. Desde então, Morrissey nunca mais deixou de ser idolatrado em todo o mundo. Pelo contrário. Os fãs cotinuam seguindo de perto todos os passos do vocalista, mesmo durante o longo intervalo de sete anos sem lançar discos (You Are The Quary vem aí em maio, para encerrar com o jejum que existe desde Maladjusted, de 1997). O encontro do topetudo com os billies passou a escrever um novo capítulo de amor na história da música pop.

Ficha Técnica

Título: Your Arsenal
Artista: Morrissey
Data de lançamento: 28 de julho de 1992
Gravadora: Sire/Reprise (EUA); EMI (Brasil)
Produção: Mick Ronson

Faixas: “You’re Gonna Need Someone On Your Side”, “Glamorou Glue”, “We’ll Let You Know”, “The National Front Disco”, “Certain People I Know”, “We Hate It When Our Friends Become Successful”, “You’re The One For Me, Fatty”, “Seasick, Yet Still Docked”, “I Know It’s Gonna Happen Someday”, “Tomorrow”
Curiosidades: Este é o único álbum de Morrissey que não traz as letras reproduzidas no encarte. O motivo seriam os polêmicos versos de algumas canções. O contrataque de Morrissey à crítica e ao seus detratores na Inglaterra acabou gerando mais algumas acusações infuindadas de questionamentos raciais (por causa de letras como “The National Front Disco” e “Certain People I Know”. Este álbum marca ainda um período de mudanças na vida do artista. Ele fixa residência na chicana cidade Los Angeles, aproxima-se do mundo do rockabilly/psychobilly, inicia parceria com o guitarrista Alain Whyte e monta uma nova banda de apoio, com a qual se apresenta até hoje.

2009-05-21T19:55:00.000-03:00

Never Lose That Feeling

No finalzinho da década de 80 e início da de 90 surgiu um punhado de bandas que adoravam tecer camadas de guitarras que se sobrepunham aos vocais, geralmente pálidos, tímidos. Enquanto tocavam mantinham-se quietos, imóveis, imersos em seus instrumentos, daí denominaram de “shoegazer” o som que eles faziam. Por frequentarem uns os shows dos outros, alguém resolveu enquadrá-los numa cena: “the scene that celebrates itself”. Ride, Pale Saints, Slowdive, Chapterhouse, Lush, My Bloody Valentine, Swervedriver, Boo Radleys e Jesus and Mary Chain (considerado um dos precussores) são as mais citadas quando se fala de shoegazer, termo que a maioria das bandas rejeita.

De lá pra cá surgiu uma porção de bandas “reinventando” a sonoridade shoegazer, agora denominadas de dream-pop ou nu-gazer. O início dessa década marca o surgimento de um número cada vez maior de bandas com essa sonoridade nos mais diversos cantos do planeta, seja na Alemanha, Indonésia, Japão, Brasil, EUA, SUécia e também no reino Unido, onde tudo começou.

Como forma de homenagear os ícones shoegazer, o selo inglês AC30 desde 2005 vem editando a coletânea “Never Lose That Feeling”, título de uma canção do Swervedriver. A coletânea é também uma forma de apresentar os novos nomes da cena dream-pop mundial, muitas dessas bandas sediadas no próprio selo.

A coletânea deu tão certo que já vai no terceiro volume. A idéia é que as bandas façam versões de canções daquela primeira geração. O resultado é bastante curioso e atraente, os fãs do estilo com certeza têm um prato cheio para se deleitar, principalmente aqueles que como eu gostam de ouvir uma canção por uma ótica “diferente”.

Nesse terceiro volume encontramos versões bem próximas da original como “She Calls” (The Daysleepers), “Strawberry Wine” (Pia Fraus), “Dagger” (Highspire), “To Here Knows When” (Cosmicdust) ou tentativas de reinvenção: “Darklands” (The Flowers Of Hell), “In a Diferent Place” (Mole Harness, Chipper and S J Esau), “Love Forever” (Ulrich Schnauss). São dezesseis bandas, dezesseis faixas e o resultado oscila entre o interessante, o inusitado e o previsível, mas que deve ser conferido.

2009-05-10T09:52:00.001-03:00

The Sunday Reeds - Drowning in History

Melbourne, Australia é o lar doce lar do mais novo assiduo frequentador dos meu som atualmente, algo mais ou menos assim se Debbie Harry fosse a vocalista do J&MC a banda seria o The Sunday Reeds, tomei conhecimento meio que sem querer e foi ouvir e ouvi mais e mais e viciou de tal forma a ser o album mais rodado por aqui neste final de semana, o debut recem lançado, Drowning in History é o album da vez por aqui, curto e certeiro, com aquele tipico sentimento que quando você precisa de mais ele acaba, um bubblegum de feedback que gruda desde a sequência de abertura que parecem sequências de Taste Of Cindy com 2000 & Something, Dead Inside e Wrong até o ultimo acorde de Radio Blues, as influências deste duo caminha de Velvet a Ramones, passando por Beach Boys e Ronnetes, sempre encharcado de distorção white noise e feedback com as linhas de baixo quadradissimas marcando conjuntamente com o kit tribalistico de bateria a´la Bobby Gillespie fase Psychocandy.

Tipo tem que ter o disquinho na coleção que é coisa finissima, chego a dizer que não há momentos mais ou menos no album....é fodaço linearmente falando, altamente cool, um deleite para amantes de wall of sound, ou como a banda coloca no site deles, se Bonnie & Clyde montassem uma banda ela seria o Sunday Reeds.

2009-05-01T18:58:00.001-03:00

RIOT ON SUNSET STRIP ORIGINAL SOUNDTRACK (1967)

Assim como as bandas de garagem, os filmes psicodélicos dos sixties representam um importante extrato da cultura pop daquele período, ainda que extremamente subestimados. Em alguns casos os realizadores foram capazes de lançar mão de sua criatividade e ousadia, produzindo com baixíssimo custo, obras que refletiam bem o espírito da época. Um dos filmes mais bacaninhas desse segmento é o Riot On Sunset Strip, aqui conhecido como "Os Transviados de Sunset Strip".

Um bom tempo atrás a extinta Rede Manchete chegou a exibir vários desses filmes psicodélicos. Hoje eu procuro e não acho nada em lugar algum! Este Riot On Sunset Strip, filme do cineasta Arthur Dreifuss, retrata o confronto entre hippies e policiais na cidade Los Angeles, enquanto bandas como The Standells e Chocolate Watch Band botam pra quebrar em performances memoráveis.

O mais interessante no filme é justamente a presença desses grupos em algumas seqüências tocando em bares. A trilha, composta por músicas dos grupos citados (entre outros...), é Classe A e de certa forma deu as bandas uma efêmera notoriedade. Depois, veio a época da faculdade e muitas acabaram - algumas até voltaram anos depois já acolhidas como cult bands. Mas isso é uma outra história...

2009-04-11T00:11:00.001-03:00

Hate & War: Londres em 1977

Nós odiamos os humanos era o que a desesperançada classe operária britânica do final dos anos 1970 gritava nos jogos de futebol. Um misto de revolta com a classe burguesa e frustração com a vida decadente do bairro operário levou a juventude inglesa do período a níveis de loucura inimagináveis. A agitação do período traduziu-se musicalmente nas aclamadas bandas punks como os Sex Pistols, Clash, Damned, Buzzcocks. O estilo punk fazia a cabeça da maioria dos jovens pobres. Já os jovens com maior poder aquisitivo, faziam parte de um movimento conhecido como Mod Revival. A sonoridade era parecida, mas além da frustração, o estilo de vida Mod da década anterior serviu como influência para a geração revival.

Joe Strummer, além de um estudante universitário de arte revoltado com a vida foi também o frontman de uma das maiores bandas punks de todos os tempos: The Clash. O primeiro disco, o mais cru da discografia é um punk sujo impregnado de ódio. Os jovens suburbanos tremiam ao ouvir os poucos acordes tocados por Mick Jones. O maior problema de Joe e sua trupe eram os raivosos do The Jam. O experiente guitarrista Paul Weller não ia com a cara de seus conterrâneos. Eles pertenciam a movimentos “rivais”. Os The Jam pertenciam ao movimento Mod Revival, enquanto que o Clash despontava no recém reconhecido movimento punk.

A maior parte dos jovens londrinos do período, porém, freqüentavam tanto os shows do The Clash quanto do The Jam. Isso só alimentava ainda mais a briga de egos entre os dois grupos, ambos querendo ser os “maiores” da cidade enfumaçada. O bom de tanto acirramento é desfrutado por nós. Delinqüentes aficcionados por música. A disputa (ou o dinheiro) levou a um esforço sobre-humano dos músicos, o que consequentemente trouxe uma série de músicas de excelente qualidade. Prova disso é a extensão da discografia das duas bandas.

O primeiro disco do Clash foi lançado originalmente em 1977 e é o preferido entre os street punks, quem é vidrado nos Pistols também vai gostar mais do primeiro. O disco é punk até não poder mais, traduzia os principais conflitos existente entre os livre-pensadores e o Estado. Ele foi lançado em anos e em versões diferentes nos EUA (1979) e na Inglaterra. Uma peça pregada pelo próprio sistema. O mercado estadunidense gostava de discos mais produzidos e o dinheiro falou mais alto (pra sorte dos fãs que agora podem ouvir as duas versões). Os álbuns são bem diferentes, apresentam cinco faixas diferentes, e algumas músicas tem mixagens alternativas. A versão estadunidense conta ainda com uma faixa a mais: (white man) In hammersmith palais, a música com maior influência do reggae presente no disco.

Ainda em 1977 foram lançados os dois primeiros álbuns do The Jam: In the city e This Is a Modern World. O movimento mod emergiu em meados de 1950, tendo atingido seu auge em 1964. O termo “mod” é a abreviação de “modern” e os modernos de 1964 eram facilmente reconhecidos, estavam sempre bem alinhados, pilotavam lambretas e trabalhavam feito loucos para bancar o estilo de vida desregrado. Para agüentar o tranco, as drogas preferidas eram as anfetaminas.

O que é bom mesmo são os discos de estúdio do Jam, em especial o primeiro e o terceiro. O primeiro disco fez a banda deslanchar com o hit “in the city”. Já o segundo disco não foi tão bem recebido pela crítica e somente em seu terceiro album, All Mod Cons (1978), o Jam recupera espaço. Principalmente, devido as faixas “billy hunt”, “in the crownd” e a versão do Jam para “david watts” dos Kinks.

No mesmo ano de lançamento do All Mod Cons o Clash aparecia com seu segundo disco, o Give ‘Em Enough Hope. Um álbum com apenas dez faixas, bem produzido e por sorte dos empresários, bem mais vendável. O álbum ficou mais bem colocado nos Charts, tanto no britânico quanto no estadunidense. Com esse disco é possível percebermos a mudança de rumo que iria se definir melhor no famigerado London Calling. O som sujo, mal tocado dava lugar à produção de estúdio e os Clash buscavam um esmero artístico maior.

No final de 1979 o Jam lançou seu segundo álbum de maior sucesso o Setting Sons, e, cerca de um mês depois, o Clash aparece com sua obra-prima o London Calling. Foi só aí que as bandas alcançaram o grande público, tendo o Clash inclusive estourado nos Estados Unidos, onde o Jam era pouco conhecido.

Enquanto o Jam continuava na mesma linha, com músicas parecidas as dos seus primeiros discos, o Clash aproveitava para inovar. Misturando bastante de ska e reggae com a ironia sagaz, típica de Strummer. O álbum foi o mais vendido do grupo, mesmo tendo sido lançado originalmente como um LP duplo. E até hoje o London Calling desponta como um dos melhores discos de todos os tempos.

Em 1980 o Jam alcançou o seu auge com o álbum Sound Affects. O Sound Affects é um disco visivelmente influenciado pelos grandes discos da psicodélia inglesa, como o Revolver, Sell Out e Village Green Preservation Society. Apresentando inclusive a música Start! que usa a mesma base de baixo que Taxman dos Beatles. É sem duvida o álbum mais aclamado da banda, tanto pelos fãs como pela crítica especializada. Dois anos mais tarde o Jam lança seu último álbum o The Gift, disco que fez bastante sucesso na época, tendo sido o que obteve maior sucesso comercial. Mas mesmo com o sucesso Paul Weller decidiu acabar com a banda após a turnê realizada na Inglaterra.

Enquanto isso, desfrutando do dinheiro e do sucesso que vieram com o London Calling o Clash lançou outro disco, dessa vez triplo: o Sandinista! de 1980, um disco que mistura mais gêneros musicais do que eu tenho a capacidade de diferenciar. É possível encontrar faixas próximas ao rap, como também com influência da música gospel. Os fãs não gostaram nada da misturança de gêneros. Já a crítica achou inovador e levou o álbum a sério até demais. O disco está na lista dos quinhentos álbuns de todos os tempos lançada pela Rolling Stone Magazine. Dois anos depois o Clash aparece com o Combat Rock, um disco menos ambicioso e com faixas mais consistentes. É nele que encontramos os sucessos “should i stay or should i go” e “rock the casbah”. Com ele a banda tenta voltar a suas origens apresentando um trabalho essencialmente punk. Os fãs são reconquistados, mas a ilusão dura pouco. Em 1983 Mike Jones cai fora e o Clash não é mais o mesmo. Se o fim parecia próximo, com o lançamento do último disco, Cut The Crap, ele foi confirmado. O disco não obteve nenhum sucesso e foi malhado pela crítica, também pudera.. o disco é uma merda.

Música é uma coisa que não adianta escrever sobre, é preciso ouvir.

2009-04-05T16:16:00.000-03:00

NEVERMIND THE BOLLOCKS HERE'S THE GALLON DRUNK! TONITE THE SINGLES BAR AND MORE...

O início dos anos 90. Vendo a coisa toda agora por uma outra perspectiva, sou até capaz de afirmar que aquele foi um período maravilhoso! Até os hypes daquela época tinham sua dignidade. Hoje, quinze minutos de fama é muito. Lembro que antigamente bastava pegar um periódico qualquer, ou mesmo a velha Bizz e, se você fosse um cara esperto e atento, poderia encontrar nas notas de pé de página coisas realmente surpreendentes. Foi nessas que conheci e tentei acompanhar bandas que nunca deram em nada aqui no Brasil, como os Thee Hypnotics e o Gallon Drunk.

Quando surgiu lá pelo final dos anos 80, início dos 90, o Gallon Drunk logo virou sensação no circuito alternativo britânico. John Peel os adorava. Alguns singles lançados e a reputação de ótima banda ao vivo, bastaram para garantir a atenção da imprensa britânica, sempre ávida por novidades toda semana. Disseram até que eles eram a banda mais quente do momento. Também era comum os jornalistas associarem o grupo ao velho Birthday Party, o que, covenhamos, tem lá seu fundamento. Pois bem, o Gallon Drunk, ao contrário do que possa sugerir o que foi descrito até aqui, não era um mero hype. O grupo tinha (e ainda tem) consistência, personalidade e uma integridade à toda prova.Musicalmente falando, o Gallon Drunk é uma perfeita simbiose de todos os elementos que garantem 100% de acerto na hora de se criar algo com estilo: rockabilly, blues, dejetos de jazz, gospel, música de cabaré, e um climinha de filme B para acentuar o aspecto kitsch da coisa toda.A banda responde principalmente pela persona de James Johnston (vocal, guitarra, gaita, piano, órgão, etc...) Sim, tudo ao mesmo tempo! Johnston, além de comandar até hoje seu já veterano combo etílico, também costura para fora como guitarrista nos Bad Seeds do menino Nick Cave – que, inclusive, lançou ano passado um disco simplesmente matador! Mas voltando ao James Johnston e seu Gallon Drunk, este post aqui é basicamente mais um daqueles ímpetos altruístas que eu tenho de vez enquando.

2009-03-22T10:48:00.000-03:00

NO WAVE, INCONFORMISMO À FLOR DA PELE

Em meio à afirmação da new wave americana, por volta de 78, começaram a pintar sonoridades despidas dos laços popsters e até então incatalogáveis. Com a compilação No New York (Antilles, 78) com o Mars, DNA, Contortions e Teenage Jesus & The Jerks, a imprensa americana resolveu batizar a natureza anti-conformista dessas novas bandas com o rótulo No Wave que até 82 viveu momentos de glória.

A diferenciação e a não-rotulação era o objetivo máximo dessa turma, mas haviam muitos pontos em comum. A profanação dos formatos convencionais, a intenção de provocar um sensacionismo heterogêneo, o gosto pelo erudito/eletrônico (Pierre Boulez, Stockhausen, Terry Riley entre os favoritos), o uso de ressonâncias e distorções, as melodias dissonantes e atonais, a (re)descoberta do jazz (Miles Davis e John Coltrane, os evidentes) e o (ab)uso do noise eram freqüentes fantasmas que povoavam seus discos despidos de caráter comercial.

A onda de recusa que, ao contrário de suas aspirações, inevitavelmente se tornou uma mini-moda também apareceu ligada ao consumo de drogas. Por isso não é de se espantar que o saxofonista James White dos Contortions se picasse ao vivo ou Lydia Lunch do Teenage Jesus falasse abertamente de seu amor pela heroína. Como em todas as tendências, grupos de padrões não identificáveis foram inclusos na No Wave.

Assim sendo, estão presentes o claustrofóbico pós-Beefheart art-rock do Pere Ubu; os orgânicos fragmentos de formas tradicionais espalhados em atmosferas surreais do Stew Lane & The Untouchables; o inovativo uso de percussões eletrônicas e as (re)leituras de música de câmara do Tuxedomoon; o darkismo de vozes dilaceradas e barulhos traumatizantes do Chrome; o extremismo confrontante na catarse experimentalista do Suicide e a genialidade bizarra dos Residents, um grupo que até hoje em mais de vinte álbuns percorreu praticamente todas as mansões e porões da música, indo desde trabalhos conceituais a ensaios sobre vinhetas de música popular.

Quanto aos primeiros expoentes da no wave, não podemos omitir a trajetória de James White que, por vezes, resolveu se chamar Black e Chance. O saxofonista tocava free jazz de uma maneira punk mesclado ao chamado white funk e desordenadas acepções de dance music.

A poetisa Lydia Lunch, antes de suas trips dark-noise-pós-industriais ao lado do Teenage Jesus, rolava no chão berrando o que ela mesma apelidou de aura de terror. Sua antimúsica ladeada por uma muralha de estridências sonoras foi aclamada nos círculos vanguardistas que enalteciam também os expressionistas jogos de timbres e experimentalismo do DNA, o trio noise que incluía o brasileiro Arto Lindsay.

2009-03-13T15:20:00.003-02:00

Maria Angelica Não MOra Mais Aqui

O Maria Angelica foi uma das bandas mais importantes para mim, não, não estou exagerando, em termos de postura comportamental, em termos de conhecimento, atitude mesmo, confesso que fui totalmente influenciado pelo Naporano, se sou do jeito que sou, muito se deve a figura controversa desse cara, critico ferrenho e apaixonado por música, mas música mesmo, vou dizer que eu lia as resenhas dele na extinta Revista Bizz e corria atrás para ouvir o que o cara recomendava, coisa de fã mesmo, não a toa que hoje posso dizer que sou um jornalista musical frustado. Meio que esse revival de shoegazer com várias bandas e tal, aquele resgate das class of 86 também esta bem latente, mas voltando ao assunto, o Naporano criou além de tudo isso que coloquei, o cara foi o responsavel por esta magnifica banda, injustiçadissima diga-se de passagem, chamada Maria Angelica Doesn´t live Here Anymore, um combo ao melhor estilo Do it Yourself com uma duração curtissima, que lançou na minha concepção uma obra prima chamada Outsider, um album tão simples, mas tão simples, que se torna a cada audição rico e grandioso, o motivo, purity!!!!é isso gravado basicamente ao vivo, este album dividiu em determinado momento em meu velho aparelho de som junto com o 1º HOL e o Ins´t Anything, exagero?!?!?!?!exagero o caralho, quem não conhece, Purple Thing, Shyness, Hotel Hearts não sabe o que representa este album a frente do seu tempo, sim, no Brasil, tinhamos boa bandas da grandeza de Fellini dentre outros, mas o Maria Angelica era a parte de tudo, eles soavam como as bandas da class of 86, um mix de Razorcuts e Wedding Present talvez, eu até digo que existem dois hinos da epoca, Big Pink Cake e Shyness, mas o fato é que o Maria Angelica mesmo sendo rotulado de anorak, regressivo e derivados, o som em si é unico, punk, bubblegum, indie, pouco importa o Outsider é unico e eterno.....pera ai, pera ai, pera ai...não acaba aqui a obra dos caras, ainda rolaram dois fenomenais registros sequencias, o EP Full Moon Depression e Stroboscopic Cherries, ambos mais luxuosos em termos de produção e mais asperos e acidos no que diz respeito a verve de Naporano, me excita ouvir Full Moon Depression ...Oh baby it´s allriiiight!!! brada Naporano lá pelas tantas da canção, totalmente influenciada por Tom Verlaine e seu Television, as guitarras gritam, choram, esperneiam literalmente na canção que é um epico delirante (...i love you in a dreamtime baby, you betrayed me in summertime, i don´t speak any word, because it seems so all right....) eu berro isso toda vez que escuto....tento chegar no timbre de Naporano....e as canções vão passando como num desfile sem fim....Veridiana, An affair to forget, a flush to the flash.....enfim tudo é marcante, as capas os encartes, cuidadosamente produzidos totalmente acima do que vinha sendo feito.....hoje o Naporano esta vivendo em Curitiba e talvez quem sabe, pela graça divina a discografia do Maria Angelica possa finalmente chegar a era digital, o que seria realmente um acontecimento, talvez um Box com livro e tudo mais, só digo que li em algum lugar que até possibilidade de shows acusticos poderão acontecer, mas realmente eu não acredito simplesmente, porque para mim a obra do Maria Angelica Doesn´t Live Here Anymore já esta marcada para sempre o que estes caras produziram em termos musicais, conceituais e todo o bla bla bla que alguém possa vir a escrever é muito pouco, perto do sentimento de ouvir o final apoteótico de full moon depression:

...I lived a full moon depression

so carefully i´m learning to be a rock

despite everything

my veins are searching for a voice...

2009-03-01T19:19:00.001-02:00

New Order - Movement

Esse é um disco que eu gosto de brincar que é na verdade do Joy Order…ou então do New Division, porque foi feito logo depois do fim do joy division e começo do new order. Com isso, a influencia é muito clara. sem falar que usa material da epoca do JD. A própria voz do Barney tava bem estranha. Não parecia com a do Ian, mas tava diferente (eu gostei mais hehe). Vale lembrar que esse disco é diferente de todos os outros do NO justamente porque ainda é com o Martin Hannet, que produzia os do JD.

um pequeno faixa a faixa:

Dreams never end - Uma das faixas mais legais do disco. É um certo choque em relação ao JD, mas também é bem diferente do resto do NO. Gosto muito dela. E ao contrário do que dizem, essa versão é melhor do que a das Peel Sessions de 81.

Truth - verdadeiramente uma faixa típica de Martin Hannet. Muita percussão exótica e sintetizadores. Baixo como peça principal. Pode soar meio datada, mas é bem legal.

Senses - uma das mais legais, embora soe um pouco como musica de videogame. Os loops e sequencias de percussão são simples e precisos. Ok…um update: essa musica até que ficou melhor nas Peel Sessions

Chosen Time - faixa que ja começa a mostrar alguma coisa de dance, embora seja um dance meio boboca. é mais util como instrumento evolutivo. Talvez o começo do que poderia se tornar o mais chato do NO hehe

ICB - dizem que essa musica é sobre o Ian..não olhei a letra. mas ela não é tão funebre assim. E o solo final é muito bom!

The Him - essa eu posso acreditar que seja sobre o Ian. Não apenas sorturna, essa faixa tem um baixo bem diferente do resto do disco. E mais uma vez,um solinho final muito legal.

Doubts even here - Faixa onde Hooky e Gillian fazem o vocal (tenho curiosidade de ouvir a voz do Stephen…mas acho que ele canta em algumas faixas do The Ideal ,do Warsaw) . Mais uma vez, uma faixa digna do JD.

Denial - Letra interessante. E riffs que lembram alguma coisa de U2, a estrutura é até um tanto diferente do resto do disco, apesar de ser bem cheia de batidas legais. Coitado do Stephen hehhe

Ao contrário do que dizem , as versões são bem próximas do que veio nas Peel Sessions de 81, e no que difere, eu prefiro a versão do album. E apesar de simples, gosto muito da arte da capa também. Com isso, junto de Power Consumption and Lies, esse é um dos meus discos favoritos deles. E embora não seja tão bem produzido como Closer (JD), ainda parece um sucessor natural.

2009-02-22T17:15:00.001-02:00

Moment for Classics

Tirei a tarde deste domingo de Carnaval ouvir uns clássicos eternos, meio sem conexões aparentes mais que tem um lugar reservado e bem reservado diga-se de passagem todos os albuns que estou ouvindo marcaram epoca tanto na música em si como para mim...

Comecei por um eterno clássico em todos os sentidos uma verdade obra prima de melancolia muitas vezes, mas ao mesmo tempo um album que te faz sentir calmo, sereno....o LC do Durutti Column é assim....alias Vinni Reilly é assim...o Durutti Collumn é a banda mais excentrica da musica eu acho, totalmente fora dos padrões e estilos, nasceu entre o fim do punk e o inicio do pos punk em plena Manchester o Vinni era chegado total do pessoal da Factory principalmente do Martin Hannet e logico Ian Curtis tanto que temos uma música homenagem aqui Missing Boy, mas para mim tem uma em especial que me pega em cheio Never Known, como pode ser tão tranquila e melancolica e tão tão up!!!esse album marcou uma epoca minha que era pura descoberta da música em si....comprei o vinil que por algum absurdo saiu por aqui via Stileto e ouvi até dizer chega.....o LC é e sempre sera eterno....

Dai, passando o momento LC, peguei o debut do Low Dream, Between my dreams and the real things em mp3 para ter facil aqui no note, mesmo porque o cd ah, o cd grande historia comprei diretamente das mãos do Guiliano no Cais depois de um show espetacular onde rolou também as Cold Turkeys, banda a´la Babes in Toyland, alias epoca boa para bandas brasileiras...mas o Low Dream era especial, como dizem era a banda mais inglesa de todas, e logico viajando, era como se uma parte da Scene That Celebrates Itself estivesse aqui bem do nosso lado, e a demo Dreamland, puta que pariu, ouvi para caralho...mas o lance era o album, era repeat direto....e ia rolando Precious Love, I never had sugar dreams, Watching Caroline´s Dream e lógico Treasure....me lembro da estreia de Treasure no Lado B da MTV, o Massari empolgadaço....grandes e loucos tempos....jamais vou me esquecer....alias nunca!!!

Por fim, e neste exato momento para fechar brincando de deus - better when you love me, outro absurdo album que foi predileto e grande frequentador das minhas listas de albuns mais ouvidos...e facilmente entra no top 3 dos melhores albuns nacionais de todos os tempos, e foi amor a primeira vista, lembro que um belo dia fui até a galeria e como sempre minha loja de cabeceira na epoca era a Bizarre do grande Farinha, semanalmente eu queimada uma grana fodida em cds, singles, e tudo que viesse pela frente, não poderia ser diferente era a epoca das descobertas, de poder ter aquele acervo fenomenal não por menos posso me gabar de ter uma vasta coleção de shoegazer e afins e boa parte veio da Bizarre, bom voltando, o better when you love me eu peguei lá, por recomendação da rapaziada e assim que sai da loja coloquei no carro, e dai Spleen tomou conta da minha mente e ai meu chapa não teve jeito Messias e sua trupe tinham se tornado para mim a melhor banda nacional sempre, mas o album em si é fenomenal, não há como não se render a uma sequência absurda de músicas sensacionais e inspiradissimas, porra depois de Spleen, Christmas Falls on a Sunday e vem perfeição atrás de perfeição, caralho An Evening Out é um hino, So Strange, Tweedledum e para fechar Why don´t you kill yourself on you birthday, é cruelmente belo....e o Messias é um cara iluminado...e a banda é a tipica banda possuida e marcada para ser uma Cult Band para sempre, o incêndio na casa do Messias, a perda de todos os instrumentos, o lugar de onde vieram mesmo, a Bahia de todos os santos como dizem, amaldiçou esses caras...mas posso dizer que para mim eles são como um Velvet Underground, malditos e eternos!!!

2009-02-21T00:49:00.000-02:00

Roxy Music(1972)

O Roxy Music teve início quando Bryan Ferry(Vocalista) e Graham Simpson(baixista) juntaram-se a Phil Manzaneta (guitarrista), Andy Mackay (Saxofonista), Paul Thompson (Baterista) e Brian Eno(sintetizadores).Em seu primeiro disco a banda mostrou a que veio, uma bela coleção de rocks, encorpadas com saxofones e belos efeitos sonoros. A banda saiu do anonimato rapidamente graças a música "Virgínia Plain", desde já uma das melhores composições do grupo, canção essa aliás que nem estava presente na versão Britânica do LP. A música só foi lançada na versão Americana do Álbum . Uma estréia brilhante, o início de uma das discografias mais consistentes da década de 70.

2009-02-07T00:05:00.001-02:00

Vibrators - V2

O verão inglês de 1977, sempre será lembrado com a explosão do punk rock. Uma tempestade que colocou todo país de ponta cabeça. God Save The Queen foi a música número um (justamente na semana do Jubileu de Prata da Rainha e foi banida de todas lojas de discos e de todas estações de rádio), causando um furor que você não pode imaginar.
Os Sex Pistols estavam no centro de tudo isso, mas em volta deles, um rede moinho de centenas de bandas girava. Bandas inspiradas por novos ventos que faziam a música ser interessante e divertida novamente.
O VIBRATORS foi uma dessas bandas, e uma das melhores também. Nunca tiveram o reconhecimento por seus grandes feitos; suspeito que isso se deve ao traçado de sua origem.

A maioria das bandas que começaram com o punk rock, eram formadas por moleques sem nenhuma experiência anterior, teenagers entre 16 e 20 anos que superavam toda inexperiência e pouco talento, com muita sinceridade e paixão.

Assim como Joe Strummer (The Clash) e Charlie Harper (U.K. Subs), os VIBRATORS , principalmente por serem mais velhos, vieram de outra "escola". A sinceridade e paixão era a mesma, mas a experiência e o background veio do Rhythm and Blues.

Quando o VIBRATORS surgiu, no começo de 76, o vocalista e guitarrista Knox, tinha 30 anos e já tinha tocado em muitas bandas de R&B. Uma dessas bandas se chamava Despair, e o repertório trazia músicas como Whips and Furs e She's Bringing You Down, futuras músicas do primeiro disco do VIBRATORS.

Por outro lado, John Ellis e Pat Coolier (guitarrista e baixista do VIBRATORS) já tocavam juntos desde 1971 e fizeram parte de uma banda chamada Bazooka Joe, que também teve Adam Ant como um dos seus integrantes. O primeiro show dos Sex Pistols foi abrindo para o Bazooka Joe, e no futuro, o Bazooka ficou mais famoso por isso do que por suas contribuições ao rock.

No Natal de 75, Knox estava desiludido com a música, mas conversando com o amigo e baterista Eddie, encontraram John Ellis e Pat Coolier, que empolgados, os convidaram para formar uma banda. Assim nasceu o VIBRATORS no dia 08 de Fevereiro de 76, o primeiro show foi um mês após, abrindo para os Stranglers. E seguiram tocando na cena pub londrina, com cabelos compridos e roupas hippies.

Pouco tempo depois, a banda começou a enxergar uma luz no fim do túnel. O punk rock estava crescendo e mudanças pairavam no ar. Os Ramones já tinham lançado seu primeiro disco e a turnê dos nova iorquinos pelo Reino Unido apenas acendeu o fósforo e colocou Londres em chamas.

O fato que catalizou o envolvimento maior dos VIBRATORS com a cena punk, foi uma apresentação que fizeram como banda de apoio de Chris Spedding no histórico 100 Club Punk Festival, em Setembro de 76. Apareceram de cabelos curtos, jaquetas de couro e óculos de plástico coloridos, como todos os punk da época. Tocaram no segundo dia, juntamente com The Damned. Os dois dias do festival do 100 Club foram marcantes, lá também se apresentaram os Sex Pistols, The Clash, Buzzcocks, Subway Sect, Stinky Toys e Siouxie and the Banshees. Muitos falam que o VIBRATORS pegou o bonde andando, mas esquecem de falar que um monte de músicas do primeiro disco, já tinham sido escritas 2 ou 3 anos antes de existir a banda.

Em Novembro de 76, os VIBRATORS lançam seu primeiro single, "We Vibrate/Whips and Furs". Em março de 77 sai outro, "Bad Time/No Heart". Nesta época o punk estava fervilhando e as gravadoras se acotovelando para assinar contratos com as bandas punks; e foi assim que assinaram com a CBS Epic e em Maio, lançaram o single "Baby Baby/Into The Future" que alavancou o lançamento do tão esperado primeiro disco, "PURE MANIA".

Os VIBRATORS estavam na linha de frente, somente o Damned e o Wire já tinham lançado um Lp antes deles. Além disso, "PURE MANIA" era uma disco brilhante. Ex-hippies de 30 anos fizeram um dos melhores álbuns da revolução punk britânica. O disco trazia canções dos singles e faixas novas. A influência visual e musical dos Ramones era nítida, 1/3 do álbum apresentava músicas de menos de 2 minutos, as demais, também eram rápidas, curtas e grudentas.

A maioria das letras falava de garotas e problemas com garotas. Garotas loucas, excêntricas, psicopatas e sádicas. Outras letras, enfocavam temáticas anti-drogas (Keep It Clean) ou sado masoquistas (Whips and Furs, I Need A Slave).

As melodias também eram interessantes, assim como a bateria em Petrol e a guitarrinha de Sweet Sweet Heart.

Um disco perfeito, que fez com que fossem a primeira banda punk a tocar em certas cidades e países. Foi assim na Irlanda ou Escócia, por exemplo. A banda irlandesa Stiff Little Fingers tirou o seu nome de uma música do "PURE MANIA" e os escoceses do Exploited regravaram "Troops Of Tomorrow", faixa do segundo álbum dos VIBRATORS, V2.

V2 saiu em 78. Mesma música e mesma temática nas letras. As garotas ainda estavam lá, e ainda mais bizarras. Pontos altos: Automatic Lover, Pure Mania, Troops Of Tomorrow, Wake Up e Flying Duck Theory, esta última falando de como as pessoas engolem todas as besteiras musicais que ouvem nas rádios.

A banda sofre várias mudanças, lançam singles como Judy Says (She's Gonna Knock You In The Head) e Disco in Moscow, e acaba em 80.

Em 82, a formação original volta para gravar o terceiro e bom álbum "Guilty", assim como Alaska 127 (84). Novas mudanças e vários discos pouco inspirados e irregulares se seguiram: Fifth Amendment (85), Live (86), Recharged (88), Meltdown (88), Vicious Circle (89) e Volume 10 (90). Estes últimos apareciam apenas com Eddie e Knox da formação original. John Ellis estava tocando com os Stranglers ou com Peter Gabriel. Peter Coolier se dedicava como requisitado produtor em seu estúdio Alaska 127. Knox teve uma banda chamada Urban Dogs, juntamente com Charlie Harper e Alvin Gibbs do U.K. Subs. E o VIBRATORS parecia que nunca seria interessante novamente.

Ledo engano. Voltam a lançar ótimos discos a partir de 93 com "Hunting For You" e o acústico "Unpunked" de 96.

French Lessons With Correction (97) e Buzzin'(99) apresentavam o VIBRATORS como um trio e também mostrou um resgate de boas músicas... rápidas e curtas ou lentas baladas.

2009-01-25T22:15:00.000-02:00

Low - David Bowie(1977)

Escolher apenas um disco da trajetória de David Bowie para destacar aqui chega a ser um pecado. O musico tem uma das discografias mais bem sucedidas da historia do pop e sempre teve a fama de mutar musicalmente a cada novo trabalho que lançava. Low é tido como um dos pontos altos de sua carreira. Pelo menos é o meu preferido. É o tipo de disco que faz qualquer elogio parecer pequeno. Obra de um gênio.

Low é a primeira parte da lendária "Trilogia de Berlim", que marcou uma modificação radical em sua carreira . De inicio foi um grande choque para seus fãs, principalmente em seu segundo ato, composto por canções ambientes compostas em conjunto com Brian Eno. O Disco começa agitado nas canções Speed of Life, Breaking Glass e What In The Word. Logo em seguida temos a magnifica Sound and Vision, a arrebatadora Always Crashing in The Same Car. Be My Wife e A New Career In A New Town fecham de forma impecável o lado A do álbum. A segunda metade foi composta em conjunto com Brian Eno e sofreu forte influência de Another Grew World(o melhor disco solo de Eno). É hora de fechar os olhos e escutar atentamente as melodias indescritíveis de Warszawa. Nessa parte do álbum ambos se superam compondo quatro músicas ambientes com melodias simplesmente perfeitas. O disco termina de forma melancólica com Subterraneans.

Ainda em 77, Bowie lançou Heroes, segunda parte da trilogia, que ao mesmo tempo que segue a mesma lógica de seu antecessor, é um álbum bem diferente(e não menos brilhante). Dele saiu uma de suas canções mais significativas: Heroes. A trilogia termina com Lodge, que possue alguns de seus maiores sucessos: DJ, Look Back In Anger e Boys Keep Swinging. Lembrando que esse é apenas um ponto da fenomenal discografia de Bowie. Vale muito a pena procurar todos os seus discos, principalmente os lançados na década de 70.

2009-01-01T15:29:00.000-02:00

R.E.M - Document (1987)

A imagem do clipe em que um garoto brinca com seu cachorro nas ruínas de sua casa irrompeu nas televisões de um mundo muito esquisito: o planeta Terra de 1987. Nada pode ser mais diferente da nossa realidade que um ambiente em que não havia celular, fax, computadores em casa, internet. Nessa estranha sociedade, o maior avanço era o CD, iniciando sua popularização neste mesmo ano, com o lançamento da nova coleção de players de mesa da Phillips. Enfim, creiam, era tudo muito diferente.

Veja o póprio REM, por exemplo: a banda já tinha seis anos de carreira, ainda lançava seus discos através do selo independente IRS e enfrentava o final de uma década que primara pelo aparecimento de megapopstars, como George Michael, Madonna, Michael Jackson, Phil Collins. O recente estouro do U2 nas paradas dos dois lados do Atlântico com seu disco Joshua Tree, no entanto, dava a idéia de que uma banda de rock poderia pleitear seu espaço nesse Olimpo da fama e da superexposição na mídia.

O REM não parecia querer nada disso. Sempre foi uma banda de rock, com raízes no sul dos USA, mas que nunca pôde ser catalogada como uma formação de "southern rock", como o Allman Brothers, por exemplo. A influência do punk rock e do Velvet Underground, filtrados pelo olhar de jeca esclarecido que a banda possuía dava o diferencial que o REM precisava para merecer créditos. Vindo de Life's Rich Pageant, um quarto disco em que exorcizava uma certa seriedade e enfatizava sua pegada rock, o REM já tinha um lugar só seu no coração dos ouvintes das rádios universitárias da América. Ali, ao lado deles, batalhavam Sonic Youth, Hüsker Dü, Replacements, Pixies, ou seja, a geração que influenciaria toda a cena rock dos anos 90, todos a ponto de conquistar seu lugarzinho ao sol.

O REM mostrava mais condições para o chamado "breakthrough" e isso veio com o estouro de "The One I Love" nas paradas de sucesso. Varou o âmbito universitário e foi parar no Top Ten da Bilboard em pouco tempo. Mas Document, o tal quinto disco, primeiro a contar com a co-produção de Scott Litt (que seria o produtor do grupo dali para frente) trazia seu maior momento no que se constumava chamar de "última do Lado A". Uma virada de bateria seca introduz o ouvinte num turbilhão punk que poucos ousariam fazer naquele tempo. Michael Stipe entra com o pé na porta e solta em velocidade warp uma série de pequenas análises do que 1987 parecia aos olhos do americano esclarecido - uma espécie não tão rara quanto pensamos - e apontava uma metralhadora vocal giratória em todas as direções possíveis. “It's The End Of The World As We Know It (And I Feel Fine)”, ou seja, "é o fim do mundo como o conhecemos e eu me sinto bem", cunhou expressão idiomática e passou a ser uma espécie de "prima indie" do nascente sucesso da banda.

Mesmo que seu clipe passasse sempre na MTV e nos programas de clipes primitivos daqui (Clip Clip, da Globo; FMTV, da Manchete; BB Videoroll; da CNT) a música guardava uma aura de contestação - real - que se tornaria uma marca registrada do REM, algo que eles estavam a ponto de perder um ano antes e que jamais deixariam de lado até hoje.

O fim do mundo como o conhecemos foi erguido sobre riffs muito velhos, mais precisamente, de 1964/65, de uma canção de Bob Dylan, chamada "Subterranean Homesick Blues". É uma metáfora poderosa para a vindoura overdose de informações que caracterizaria nossas vidas a partir da década seguinte, que enfileira pessoas e momentos do século XX, numa espécie de aula de História de quatro minutos e pouco de duração. O instrumental é puro country-punk, uma cruza maluca entre Byrds e Hüsker Dü ou Dylan e Replacements e sua letra quilométrica nunca foi problema para as multidões que se formaram a partir dali nos shows do REM.

“It's The End...” não chegou às paradas e nasceu torta, filha de uma outra canção, chamada "Bad Day". A banda não conseguia fechar esta música e ela ficou arquivada por um ano, sendo totalmente trabalhada e reescrita por Peter Buck, que manteve os acordes principais e a mesma nota. Somente em 2003 o REM lançaria a versão final – e muito parecida com “It's The End” - para “Bad Day”, em sua coletânea The Best Of REM.

Document foi o último disco da banda pela pequeno selo IRS e seu sucessor, Green, de 1989, já seria lançado pela Warner, que comprara o passe do REM na negociação mais cara da época, por cinco discos a serem lançados.

2008-12-24T17:17:00.001-02:00

The Fall - Grotesque (After the Gramme) (Inglaterra - 1980)

Faixas:

01) Pay Your Rates – 2:58

02) English Scheme – 2:06

03) New Face in Hell – 5:40

04) C 'n' C-S Mithering – 7:36

05) The Container Drivers – 3:08

06) Impression of J. Temperance – 4:20

07) In the Park – 1:43

08) WMC-Blob 59 – 1:19

09) Gramme Friday – 3:19

10) The N.W.R.A – 9:14

Músicos:

Mark E. Smith / vocais, tapes , kazoo

Marc Riley / guitarra elétrica, teclados

Craig Scanlon / guitarra elétrica

Steve Hanley / baixo elétrico

Paul Hanley / bateria

Das bandas que compõem meu paideuma de excelência sônica, o Fall quiçá seja a de mais árdua decodificação; na ativa desde 1977, e com um catálogo de lançamentos de fazer inveja a Frank Zappa, o grupo de Mr. Smith (único integrante presente em todas as 'trocentas' mil formações da banda) já atravessou toda sorte de metamorfoses estilísticas, do punk abrasivo, caótico e tingido de paranóia industrialista característico de sua primeira e melhor fase entre 1977-1981; passando pelo post punk 'clássico' e incisivo do período intermediário com Brix Smith (1983-1988); acenos de garage rock sessentista em roupagem pós-moderna no primeiro lustro dos anos 90; até uma diluição de certo modo conscientemente paródica de suas matrizes estéticas a partir da metade da década de 90; é deveras complicado, portanto, traçar um perfil preciso da banda, que na verdade é o reflexo / transfiguração artística da personalidade e dos interesses em perpétua metamorfose de seu genial mentor.

Certamente boa parte do fascínio que o Fall exerce, é mister salientar, deve-se ao verdadeiro mito, à figura impagável que é Mark E. Smith. Dono de uma voz de alcance muito restrito, roufenha e um tanto quanto fanhosa, ‘agravada’ por um impenetrável sotaque northern english , Smith consegue de forma absolutamente brilhante reverter a seu favor suas diversas limitações; seu 'canto falado' é extremamente mordaz e desleixado, com uma cadência entediada e cínica, ideal para o assombroso festival de circunvoluções semióticas, labirínticos jogos de palavras, trocadilhos, portmanteau words, alusões políticas, assonâncias e aliterações que permeia suas letras.

O disco (o terceiro dos caras), onde o punk rock dadaísta de seus primeiros registros enfim terça vozes de forma definitiva com um hipnótico minimalismo de matriz teutônica, constitui, a meu ver, o ápice de sua trajetória, sintetizando à perfeição o que a banda sabe fazer de melhor. Assim sendo, temos peças memoráveis como Pay Your Rates, a clássica combustão punk de abertura, em compasso de crítica social na melhor tradição anarquista (Debtors' escape estate / Debtors' retreat estate / A no-motivation estate / Debtors' escape estate); New Face in Hell, onde o progressivo estranhamento melódico da canção conjuga-se com soberba precisão ao mergulho no inferno descrito na letra; C 'n' C-S Mithering, um dos mais vitriólicos ataques de Smith contra a indústria da música, emoldurada por tramas circulares de guitarras acústicas e uma atmosfera geral de delírio surreal; Impression of J. Temperance, austera colisão avant punk entre guitarras agônicas e ritmos assimétricos; Gramme Friday, claustrofóbica meditação sobre o cotidiano exasperante (The people I like live in kitchens and halls), onde temos um fascinante exercício de constraste formal entre uma solar batida rockabilly e brumas glaciais de guitarras superpostas, até a inquietante coda de nítido sabor psicodélico; e, por fim, encerrando em grande estilo este discaço, temos a antológica The N.W.R.A, imperturbavelmente desdobrando-se como ominosa hipnose motorik em mutação genética velvetiana, corrosiva epopéia político-existencial a refletir uma das maiores obsessões de Smith: a decadência socioeconômica do Norte da Inglaterra a partir da segunda metade do século XX, agravada sobremaneira pelo thatcherismo, e cujas possibilidades de regeneração nosso herói encara com amargo ceticismo (I'm Joe Totale / The yet unborn son / The North will rise again / Not in 10,000 years / Too many people cower to criminals / And government crap).

Enfim, meus filhos: divirtam-se com o peculiaríssimo universo do Fall; e como diria mestre Smith, You don't have to be strange to be strange / You don't have to be weird to be weird.

2008-12-21T13:23:00.001-02:00

Kraftwerk-Trans-Europa Express(1977)

O Kraftwerk teve uma importância fundamental para o desenvolvimento da musica electrónica e para a sua disseminação pelo mundo. Surgida na Alemanha no inicio dos anos 70, a banda desenvolveu todo um legado para futuras gerações de músicos. A ponto de se poder afirmar sem duvida alguma que essa é uma das bandas mais importantes do século XX.
A banda obteve êxito mundial em 1974 com o estupendo álbum "Autobahn". Porém vale dizer que o ponto de partida ideal para se conhece-la é o disco Trans-Europa Express. Considerado por muitos como a obra- prima maior da Banda, esse fascinante disco utilizou uma técnica até então primitiva de sequenciador e ajudou a conquistar toda uma gama de adoradores para musica electrónica. Algumas musicas, como a que da titulo ao disco, serviram de influencia fundamental para o hip-hop. Foi um disco sem duvida alguma além de seu tempo e que até hoje, e lá se vão aproximadamente 30 anos, continua fascinante. Um disco imprescindível para todo amante de musica que se preze .

2008-12-14T13:36:00.000-02:00

Oasis - Dig Out Your Soul

Dig Out Your Soul é um disco que traz o que os fãs do Oasis adoram: muito barulho (nas guitarras “sujas”) e boas e melodias pop (costumo dizer que o Oasis gosta de um “barulho organizado”). Este é um trabalho interessante, distante do nível alcançado no 2 primeiros discos da banda dos irmãos Gallagher, em especial o segundo trabalho do grupo: What’s The Story (Morning Glory).

Noel, cada vez mais, vai ganhando espaço como vocalista mais confiante e presente, o que rende boas interpretações do compositor do grupo. Waiting for Rapture é uma faixa de ótimo desemprenho vocal do músico, com um riff de guitarra daqueles “grudentos”, se assim podemos dizer. Já o “brother” Lian continua o mesmo de sempre, com um vocal afetado e original. Na sua voz as melodias ganham em variação e abrem espaço pros solos de Noel. E se Noel amadurece como vocal, o mesmo pode ser dito de Lian como compositor, que assina 3 faixas do álbum. A canção I’m Outta Time, de sua autoria e interpretação, é lindíssima, seguindo a cartilha do grupo de influências “beatlemaníacas”. Uma canção que não dá vontade de parar de ouví-la, daquelas que deixam a sensação de que não deveriam ter fim.

O restande do grupo (como bons coadjuvantes) segue na batida dos irmãos, acompanhando o ritmo “ditado” pela dupla, contribuindo para um disco bastante conciso. Está longe de ser uma obra-prima, mas, com certeza, é um dos melhores trabalhos do grupo nos últimos anos, valendo a pena a audição. Não esqueçam de ouvir Falling Down, música que batemos o ouvido e rapidamente reconhecemos um futuro hit!

2008-12-06T20:43:00.002-02:00

Ramones: Rocket to Russia

É duro ser um garoto de doze anos afundado até o queixo no lodoso tédio urbano. Todo mundo dá palpite na sua vida. O status em casa e na rua, a voz e até o corpo ainda são de criança – mas os instintos são de homem, e as garotas, todas ficando peitudas, não estão nem aí com você. Escrotas. Piranhas.

A única saída é dar uma de muito mais durão do que você realmente é. Começar a beber, fumar, bater punheta direto. E estar pronto para sacrificar qualquer coisa por alguns momentos de diversão adrenal.

Mas dá mesmo para sacrificar? É difícil. Nem todo mundo é durão de verdade. Dá até para afetar a cara de mau, mas no fundo você gosta de sessão da tarde… jogar fliperama, tomar milkshake, ouvir rock altão no seu quarto só para zoar com a mãe, pegar uma praia, passear ao crepúsculo de mãos dadas com sua baby (quem dera)…

Dá para jogar tudo para o alto só por um pouco de alegria? Vale a pena matar aula o tempo inteiro, não estar nem aí com a escola? Sim, se isso garantir a admiração das minas e o respeito dos colegas. Mas e se depois você acaba tomando pau por causa disso? Cheirar cola é gostoso… mas faz mal! Mas… qual é o problema de fazer mal? No fundo você vai acabar morrendo mesmo!

Viver é uma confusão desgraçada – e nunca isso fica mais claro na vida de um homem do que quando começam a aparecer os primeiros pêlos na cara.

O absurdo é que quatro nova-iorquinos broncos tenham capturado com tanta precisão este estado de espírito púbere que-se-foda. Sem intelectualismo nem autoparódia e em plena hegemonia Yes-Led, os Ramones inventaram o som da adolescência. Puro, sem misturas, sem gelo.

As bases já existiam, claro. O rock de garagem dos anos 60, a surf music, o bubblegum, Stooges, os Stones do começo, New York Dolls. O próprio Joey Ramone começou a cantar numa banda glam (o Sniper).

Mas os Ramones levaram a coisa um passo adiante, indo direto ao esqueleto do negócio: músicas de dois minutos, refrões simples e riffs primários, letras que viam a dor e a delícia de ser teenager através do rayban da cultura popular mais acessível e rastaqüera.

Tudo tão rápido, pesado e pegajoso quanto possível. Urgente como um comercial de TV. Punk rock, mesmo – se você pensar que punk originalmente significa vagabundo de rua, tranqueira, cara inútil para a sociedade.

Rocket To Russia pegou o que já era perfeito – os dois primeiros discos do grupo, Ramones e Leave Home, ambos de 76 – e elevou à categoria de transcendental. Tem duas covers, “Do You Wanna Dance?” e “Surfin’ Bird”, que dispensam comentários. E outras doze faixas originais essenciais, escritas com senso de humor, produzidas com capricho minimalista e executadas com a fúria e o tesão de quem está se divertindo pra cacete – contra tudo e todos. Entre “Rockaway Beach” e “Teenage Lobotomy” está tudo o que você precisa saber sobre rock.

Também tem “Sheena Is A Punk Rocker”, “Cretin Hop”, “I Wanna Be Well” – mas escute, não é isso que importa. Se discos futuros seriam irregulares, se eles bebiam ou se drogavam, se eles se repetiram, se Dee Dee compunha melhor que Johnny, se Mark isso e aquilo – naaaada disso importa.

O que importa é Joey Ramone cantando “I don’t care about this world/I don’t care about that girl… I don’t care”. Eu não tô nem aí, não tô nem aqui e quero que tudo mais vá pro inferno. I just wanna have some fun.

Ramones, a melhor banda de rock’n’roll da história – provavelmente.

2008-11-28T12:06:00.000-02:00

Sandinista! 1980

Exatamente um ano após ter parido um álbum duplo, o The Clash colocou nas lojas o triplo "Sandinista!". A briga para o disco triplo chegar ao comprador com preço de simples foi dura, mas o Clash venceu a queda de braço contra a gravadora. O resultado, porém, foi insatisfatório. Gravado na Jamaica, "Sandinista!" radicaliza não só no número de canções (36), mas também na variação de estilos, por si só já bastante radical em "London Calling". O dub, o reggae e o rap dominam o som do quarteto, que brilha em canções como "The Magnificent Seven", "One More Time", "The Call Up" e "Charlie Don’t Surf". O punk rock ficou de lado, representado pela talvez melhor música do álbum, "Police On My Back" (cover de Eddie Grant) e pela rocker "Up in Heaven". A banda também visita os anos 50 em "The Sound of Sinners" e flerta com o jazz em "If Music Could Talk". "Sandinista!" ainda tem a ótima "Somebody Got Murdered" e uma versão para "Career Opportunities", do disco de estréia, cantada por um... coro de crianças. Joe Strummer afirmou desde sempre que não mudaria nada em "Sandinista!", mas é impossível não enxergar o disco como longo, desfocado e exagerado demais. Um dos motivos aparentes para a desigualdade do material talvez resulte do fato de Strummer e Jones não estarem se entendendo mais dentro da banda. Mesmo assim, talvez pelo fato de serem três discos pelo preço de um, "Sandinista!" chegou a 24ª posição nos Estados Unidos e se tornou o primeiro disco do Clash a vender mais na terra do Tio Sam do que na terra da Rainha.

Sucesso - "The Magnificent Seven" - "Hitsville U.K."
Melhor Música - "The Magnificent Seven "
Preferida - "Police on My Back"
Nota – 8
19ª Posição Na Inglaterra
24ª nos EUA

2008-11-13T19:15:00.000-02:00

Grinderman (uma música de John Lee Hooker) é Nick Cave e três companheiros de sua banda, a The Bad Seeds, com outro nome e outra sonoridade. Segundo o líder do projeto, a idéia surgiu quando os quatro quiseram juntar experiências e influências que não cabiam na discografia do grupo original. E são elas, assumidas publicamente: o passado punk de Cave com o Birthday Party; o trabalho em trilhas-sonoras e o gosto pelo Black Sabbath de Warren Ellis; o conhecimento de no-wave do baterista Jim Sclavunos; e o baixo com reverb que Martyn P. Casey apresentava na australiana The Triffids.

O álbum surgiu de apenas duas sessões de gravação. A primeira foi basicamente uma jam entre os músicos. Da segunda, já com as letras escritas por Cave, saíram as canções finais. O principal diferencial do tempo em estúdio e ao compor, dito por todos os integrantes, foi ter Cave tocando guitarra, pela primeira na vida. "De repente me ocorreu que 99,9% de todas as músicas do rock são criadas na guitarra, não no piano", disse Cave sobre a experiência. "Você tem a história do rock'n'roll na ponta dos dedos."

No fim das contas, ele se sai muito bem, mas não deixa de surpreender que o resultado é na maior parte das vezes cru, primal e direto. A distorção e peso que Cave inflinge nas guitarras lembra muito garage rock – pense em MC5 e Stooges –, inclusive pelo conteúdo das letras. Ao contrário da culpa e religião que povoam boa parte do legado de Nick Cave and the Bad Seeds, entra em cena o sexo e o ceticismo, sem, no entanto, deixar a indefectível verve narrativa de lado.

Em "No Pussy Blues", que nasceu para ser clássica, Cave canta a história de um músico envelhecido que se apaixona por uma fã jovem, mas não consegue levá-la para a cama de jeito nenhum – "Comprei uma dúzia de pombas brancas, lavei os pratos com luvas de borracha, a chamei de docinho, amor, mas ela ainda não quer, nunca quer", diz a letra, antes do vocalista gritar "droga" e entrar o refrão (?), distorção pura.

A dramaticidade e o sexo continuam no baixo viciante de "Depth Charge Ethel", sobre a prostituta viciada de mesmo nome, uma das pessoas mais felizes que Cave já conheceu; e em "Go Tell the Women", esta com a rotação diminuída, pelo menos na melodia ("estamos cansados e de saco cheio / desse chororô egoísta / tudo o que queríamos era um estuprinho consentido de manhã / e talvez um pouco mais à noite").

Outras pérolas são a psicodélica "Eletric Alice", cuja bateria e baixo remetem à "White Rabbit", da Jefferson Airplane, e a trágica história de "Love Bomb". Todas as onze faixas, no entanto, tem uma qualidade assustadora, e não importa nada quando Grinderman deixa de soar como tal para lembrar, hã, Nick Cave, como no par "Man on the Moon" e "When My Love Comes Down".

Os quatro integrantes do grupo devem fazer alguns shows para divulgar o disco, mas, ao mesmo tempo, estão ocupados em escrever as faixas para o próximo disco do the Bad Seeds. De qualquer forma, já declararam que tem muita vontade de continuar mantendo paralelamente o Grinderman. Esquizofrenia pra lá de saudável.

2008-11-08T22:52:00.000-02:00

Echo And The Bunnymen - Crocodiles (1980)

Repleto de uma pesada e fatalidade introspectiva e simultaneamente críptico e cáustico, Crocodiles marcou a estréia do Echo... em LP e em um importante selo, colocando o grupo em evidência na cena da música alternativa. Ian McCulloch, Will Sergeant e Les Pattinson estavam juntos desde uma performance alquímica no clube Eric, em Liverpool, no ano de 1978. O single Pictures On My Wall, lançado pela Zoo Records de Bill Drummond, tinha recebido uma acolhida calorosa por parte da imprensa e tanto as sessões para o DJ John Peel como os shows em Londres despertaram a atenção das grandes gravadoras. O Echo destacava-se dos outros grupos: a voz profunda e as letras enigmáticas de McCulloch fundiam-se com a guitarra sombria e distorcida de Sergeant para criar uma musica profundamente emotiva. A sua bateria eletronica (batizada de Echo) tinha sido substituída por Pete de Freitas. O álbum foi gravado em 3 semanas, em junho de 1980, nos estudios Rockfield, no País de Gales. Hermético, perturbador e com um tom de urgencia, o LP traz musicas que duram, na maioria, menos de 3 minutos e cada faixa é uma jóia negra. O lado A penetra sob a pele aos poucos, conduzido pelo baixo e a guitarra dissonante. "Stars are Stars" cria uma justaposição de desespero e otimismo que posteriormente iria definir o som do grupo. O lado B abre com "Rescue", uma musica que McCulloch considera um trinfo pessoal, e continua com a bad trip de ácido de "Villiers Terrace", terminando com a melancolia de "Happy Death Men". A fotografia da capa, tirada em um bosque do sudeste a Inglaterra, deu o tom para toda uma década de fotografias do grupo, ao mesmo tempo misterioso e ativo. McCulloch usa um sobretudo roubado de Mark E. Smith, líder do The Fall.

2008-11-03T19:59:00.001-02:00

Chronic Town (1982) IRS

"Ainda sob a boa repercussão de seu single de estréia (lançado em julho de 1981 pelo selo Hib-Tone), o R.E.M. volta ao estúdio com Mitch Easter (Let's Active) para produzir estas cinco faixas que já prenunciavam a explosão criativa do primeiro álbum do grupo. Gravado em outubro de 1981, o disco só foi lançado dez meses depois pelo selo indie IRS, com as músicas remixadas". Celso Pucci

"'Chronic Town' é uma cidade dentro da mente". Bill Berry 1983

Para uma banda que tocava em versão hardcore para que as pessoas não percebessem que eles não sabiam tocar nada, 'Chronic Town' é uma surpresa e tanto. Tudo que fez a fama do quarteto na primeira fase está aqui: letras ininteligíveis de Stipe, dedilhados folk de Buck e a cozinha encorpada de Berry e Mills. Lançado como EP em vinil 12 polegadas, bateu 20.000 cópias em um ano. Em CD, engordou a coletânea de out-takes 'Dead Letter Office'. Marcelo Costa

Sucesso – "Carnival of Sorts"
Melhor Música – "Carnival of Sorts" – "Gardening at Night"
Preferida – "Gardening at Night"
Nota – 8

2008-10-29T21:38:00.000-02:00

“The Power Of Negative Thinking”, The Jesus and Mary Chain

Eles estão há exatos dez anos sem apresentar nada de novo. O último álbum de originais foi “Munki”, de 1998, e nesse meio tempo – desde o anuncio oficial do fim em setembro de 1999 – foram lançadas três coletâneas: “The Complete John Peel Sessions” (2000), vinte e uma canções registradas em seis sessões ao vivo na BBC (incluindo sete registros com Bobby Gillespie na bateria), “21 Singles” (2002), e “BBC - Live in Concert”, com duas apresentações, uma em 1992 e outra em 1995.

Porém, deste janeiro do ano passado, quando os irmãos Reid confirmaram o retorno – que aconteceu oficialmente em abril de 2007, no Festival Coachella, nos EUA – que a espera por um álbum novo se fez urgente. Enquanto o disco novo não sai e a banda não baixa no Brasil para seu show no Planeta Terra 2008 (e em Buenos Aires, no Personal Fest), chega às lojas o box quádruplo “The Power Of Negative Thinking” (”O Poder do Pensamento Negativo”) com raridades e b-sides do grupo escocês.

A rigor, o Jesus já tinha lançado três álbuns de raridades em sua carreira: “Barbed Wire Kisses” (1988), “The Sound of Speed” (1993) e “Hate Rock N’ Roll” (1995), os três extensamente representados em “The Power Of Negative Thinking”. Do primeiro só ficou de fora “Mushroom”, versão ao vivo de 1987 de uma canção do Can. Já do segundo são duas as faixas “esquecidas”: uma versão mais longa de “Reverence” e outra – também estendida – de “Sidewalking”. Por fim, do terceiro ficou de fora o remix de gemidos para “Teenage Lust – Desdemoana Mix”.

Assim, das 81 faixas de “The Power Of Negative Thinking”, 38 já haviam aparecido nas três coletâneas de raridades lançadas. As 43 restantes englobam b-sides, covers e oito números nunca lançados. O box abre com “Up Too High”, retirada da primeira demo do Jesus and Mary Chain, de 1983. Já estava (quase) tudo ali: o vocal tristonho, a paixão por Phil Spector, teclados gélidos. As microfonias ensurdecedoras viriam logo adiante, no single “Upside Down” lançado em novembro de 1984 pelo mítico selo Creation, com “Vegetable Man”, cover barulhenta de Syd Barret, no lado B.

No CD 1, ainda, versões demo de “Just Like Honey”, “My Little Underground” e “The Living End” (as duas últimas, inéditas), a empolgante “The Hardest Walk” (que só saiu na trilha do filme “Alguém Muito Especial”, clássico da Sessão da Tarde anos 80), versões acústicas (”Taste of Cindy”, “Cut Dead”, “You Trip Me Up”) e b-sides poderosos como “Suck”, “Ambition”, “Just out of Reach”, “Boyfriend’s Dead” e a dobradinha “Some Candy Talking”/”Psychocandy”, a música, além da inédita e barulhenta “Walk and Crawl”, gravada em janeiro de 86, e nunca lançada oficialmente.

O segundo CD abre com nuvens de microfonia (”Kill Surf City”, “Bo Diddley Is Jesus” e “Who Do You Love”, cover de Bo Diddley), mas o que impressiona é o ótimo country “Shake”. Versões demo de “Happy When It Rains” (ótima) e “On the Wall” e um remix da cover dos Beach Boys “Surfin’ USA” se destacam em meio a canções que entram no clima “Darklands” como “Break Me Down”, “Shimmer”, “Swing” e “Don’t Ever Change” além de estranhezas como “Penetration” e delicias como “Subway”, “Sidewalking” e “Happy Place”. Fechando, uma cover para o hit “My Girl”.

O CD 3 vem no clima dos álbuns “Automatic”/”Honey’Dead” com bateria à frente em “In the Black”, um q de Beatles perdido sobre o peso dançante de “Terminal Beach”, e covers de Leonard Cohen (”Tower of Song”), Jerry Reed (”Guitarman”, imortalizada por Elvis), Roky Erickson (”Reverberation”) e Willie Dixon (”Little Red Rooster”). Boas canções são recuperadas como as barulhentas “Snakedriver”, “Sometimes”, “Something I Can’t Have” (de riff forte e inesquecível) e “Write Record Release Blues” além das calminhas “I’m Glad I Never”, “Drop”, “Why’d You Want Me” e uma versão acústica de “Teenage Lust”.

Fechando o pacote, o CD 4 centra foco na fase final do grupo com grandes canções que mereciam muito mais destaque. São o caso de “Perfect Crime”, “Little Stars”, uma regravação de “Drop”, o delicioso folk “New York City”, “Ghost of a Smile” (de Shane MacGowan, do Pogues), “Bleed Me”, “Hide Myself”, “Easylife, Easylove”, “40,000K” e duas canções do guitarrista Ben Lurie, que integra a banda desde 1989: “Taking It Away” e a pungente “Rocket”. Há ainda a inédita “Till I Found You”, versões demo para “Dirty Water” e uma estranha cover para “Alphabet Street”, de Prince.

Além dos quatro CDs, “The Power Of Negative Thinking” ainda traz um livreto de 64 páginas com entrevistas com os intregrantes da banda e um pôster que mapeia a arvore genealógica com todo mundo que passou pela banda de 1983 até a turnê de divulgação do álbum “Munki”, em 1998. Mais do que compilar b-sides e raridades, “O Poder do Pensamento Negativo” mostra que a Corrente de Jesus Maria fez muito mais do que seis álbuns brilhantes em 25 anos de carreira. Muito daquilo que você não conhecia está reunido aqui. Pegue uma cerveja e ajoelhe-se.

2008-10-15T20:20:00.000-03:00

De trás para frente [The Sonics e a genealogia]

Um grande escritor cria seus precursores, ensinou Borges falando de Kafka. No Rock acontece a mesma coisa. Por exemplo, desde que o movimento punk surgiu, diversas bandas e artistas que antecederam o movimento passaram a ser vistos com outros olhos. “Proto-punk”, “precursores”, todos esses rótulos foram aplicados aos The Sonics, banda que esteve na ativa na metade dos anos 60 nos Estados Unidos. É claro, quando eles tocavam, não queriam ser precursores de coisa nenhuma, apenas tocar alto e gritar com raiva, falando de drogas, psicopatas, bruxas, bebidas, mulheres e Satã para criar seu estilo próprio.

Os The Sonics devem ser ouvidos por si mesmos e não como precursores de coisa nenhuma. Diga-se de passagem, o punk poderia nem ter existido e canções como “Psyco”, “The Witch” ou “Dirty Old Man” entre tantas outras, continuariam tão boas como sempre foram. Na verdade, olhados em si mesmos e em seu contexto, uma Seatle repleta de bandas de garagem, os The Sonics soam ainda mais originais.

Talvez um elo perdido entre o Rockabilly e o Psycobilly, fenômeno pós-punk capitaneado pelos The Cramps, Os Sônicos mostravam que, já naquela época, o Rock não era apenas sobre dança, namoricos e alegria juvenil. Podia falar de assuntos menos classe média e ser um excelente veículo para pensamentos inusitados, tudo isso acompanhado de um som sujo e agressivo. The Sonics é para ouvir bem alto e em versão NÃO remasterizada, de preferência acompanhado pelo barulho da agulha no vinil. Comece por qualquer lugar, por exemplo pelo CD "Maintaining My Cool".

2008-10-08T19:40:00.001-03:00

10 Poderosos Deuses da Guitarra Punk

A história da guitarra elétrica é cheio de anti-herois, começando com Pat Hare e Link Wray, mas o arquétipo que veio realmente para o primeiro plano quando punk rock mergulharam seus dedos gordurosas em rock and roll . Punk prosperaram no prazo de seis cordas na motocicleta upstarts jaquetas e calças jeans rasgado, ou - na baixa de Manhattan - frugalidade shore esportes casacos e arraste. Here’sa list of the 10 baddest: Aqui está a lista dos 10 pior:

01. 01. Lou Reed Lou Reed

Este quintessencial irrealizável New York punk rocker de subia out's gotear primordial para trás quando era apenas punk primordial vaza. As the founder and main songwriter of the Velvet Underground , Reed made the die punk would be cast from with his acerbic attitude, daring themes plucked from the demimonde (like heroin, homosexuality, and cross-dressing), and his snarling guitar attack - a buzzing, aggressive style that used sheer noise to reinforce his hard-bitten tales. Tal como o fundador e principal compositor do Velvet Underground, Reed fez a morrer punk seria fundido com o seu amargo de atitude, ousada temas puxada a partir do submundo (como a heroína, homossexualidade, e cross-dressing), e seu violão snarling ataque - um movimentada, estilo agressivo que o arrufo ruído utilizado para reforçar o seu hard-mordido contos. The Underground were a controversial outfit during their 1964 to ’73 reign, more spurned than accepted by the mainstream. O polêmico uma submundo foram Disfarce'73 para 1964 durante o seu reinado, mais do que desdenhado aceite pelo mainstream. But the foresight of Reed ’s approach has sustained him through a long solo career and won the Velvets their place in the Rock ‘n’ Roll Hall of Fame. Mas a previsão de Reed 's-lo através de abordagem tem sustentado uma longa carreira solo e os veludos ganhou seu lugar no Rock' n 'Roll Hall of Fame.

Prime cut: " Sister Ray ," from the Velvet Underground’s 1968 White Light/White Heat . Primeiro corte: "Sister Ray", a partir de 1968 o Velvet Underground's White Light / White Heat.

02. 02. Johnny Thunders Johnny troveja

His transition from Manhattan leather shop clerk to scuzz-rock icon occurred when David Johannsen and Sylvain Sylvain joined his band Actress in 1971, transforming the glam shambles into the New York Dolls . The Dolls were the link between the Velvet Underground and what was to come - edgy and energetic, but with all the subtlety of a plane crash. Sua passagem de Manhattan ao balconista compras de couro Scuzz-ícone do rock ocorreu quando David Johannsen e Sylvain Sylvain juntou a banda dele Atriz em 1971, transformando o glam trapaças no New York Dolls. O Dolls foram o elo entre o Velvet Underground eo que era para vir - Nervosa e enérgica, mas com toda a sutileza de um acidente de avião. They lacked the Velvet ’s intellectualism. Mas não fazia o Velvet 's intelectualismo. However, their sardonic flair was fortified by a rat’s-eye view of the city’s bohemian culture. No entanto, seu toque irônico rat's foi fortificada por um olho-vista sobre a cidade da boémios cultura. And Thunders emerged as the group’s legendary guitar foil to Johannsen , slinging his TV Yellow Les Paul Junior with a raucous authority - and a self-destructive desire for substances. Thunders died in 1991 in New Orleans at age 38, with both drugs and foul play suspected of playing a role. Troveja e emergiu como o grupo da lendária guitarra foil para Johannsen, lingas sua TV Amarelo Les Paul Junior com uma autoridade com voz rouca - e uma auto-destrutivo desejo de substâncias. Troveja morreu em 1991 em Nova Orleans em idade 38, com ambas as drogas e jogada suja suspeita de jogar um papel.

Prime cut: " Personality Crisis " from New York Doll’s 1973 New York Dolls . Primeiro corte: "Personality Crisis" de New York Doll's 1973 New York Dolls.

03. 03. Lenny Kaye Lenny Kaye

This Queens Strat-slinger is a rock historian who also made history as punk high priestess Patti Smith ’s guitar foil since 1971, when they began performing poetry and music together. Trata-Westpoint estra Slinger rock é um historiador, que também fez história como alta sacerdotisa punk Patti Smith é uma película violão desde 1971, quando começaram realizando poesia e música juntos. He went on to play lead guitar on the Patti Smith Group’s classic albums, combining pure amped-up snarl with exploratory playing in the tradition of the MC5. Ele passou a tocar violão chumbo sobre a Patti Smith do Grupo de álbuns clássicos, combinando puro amped-up com o enredo exploratório brincando na tradição do MC5. He’s also a ’60s-music connoisseur. Ele é também um apreciador de música anos 60. He has authored Grammy winning liner notes and also curated the first Nuggets compilation in 1972. Nuggets: Original Artyfacts from the First Psychedelic Era later became the Rosetta Stone of the early ’80s garage rock revival. Ele foi a autora Grammy vencedora liner notas e curadoria também a primeira compilação Nuggets em 1972. Nuggets: Original Artyfacts da Primeira Psychedelic Era mais tarde tornou-se a Pedra de Roseta o início dos anos'80 garage rock revival. As a producer, he’s worked with Soul Asylum, Suzanne Vega, and others. Como produtor, ele tem trabalhado com Soul Asilo, Suzanne Vega, e outros.

Prime cut: " Radio Ethiopia " from the Patti Smith Group’s 1976 Radio Ethiopia . Primeiro corte: "Rádio Etiópia" a partir do Patti Smith Group's 1976 Rádio Etiópia.

04. 04. Johnny Ramone Johnny Ramone

Queens street kid John William Cummings grew up to be the architect of the classic punk rock guitar sound: all chords, no leads, no bull. Queens rua garoto John William Cummings cresceu para ser o arquiteto do punk rock clássico violão som: todos os acordes, não conduz, não touro. All it took was $54 for a used Mosrite , then considerably more for a Marshall , and meeting fellow early rock and roll hound Jeffrey Hyman , who would become Joey Ramone in this band of faux brothers. Tudo o que você tomou foi de US $ 54 por um usado Mosrite, então consideravelmente mais para um Marshall, e bolseiro reunião antecipada do rock and roll miserável Jeffrey Hyman, que se tornaria Joey Ramone nesta banda de faux irmãos. From then on, it was history. A partir de então, foi histórico. After two years of struggling to get a toe-hole in US clubs, the Ramones made a brief tour of England in 1976 and a series of new British bands, including the Sex Pistols and the Clash , sprang up in their wake. Após dois anos de luta para conseguir um furo no dedo do pé-E.U. clubes, o Ramones fez uma breve digressão da Inglaterra em 1976 e uma série de novas bandas britânicas, incluindo os Sex Pistols e os Clash, surgiu até à sua passagem. Although their influence was indelible, the Ramones never received the fame that was their due. Johnny hung up his guitar after Joey ’s death in 2001. Embora a sua influência foi indelével, os Ramones nunca recebeu a fama de que era a sua devida. Johnny desligou após a sua guitarra Joey morte em 2001. Three years later he died after a lengthy battle with prostate cancer. Três anos mais tarde, ele morreu após uma longa batalha com câncer de próstata.

Prime cut: " Sheena Is A Punk Rocker ," from 1977’s Rocket To Russia . Primeiro corte: "Sheena Is A Punk Rocker", a partir de 1977's Rocket Para a Rússia.

05. 05. Steve Jones Steve Jones

Today Jones is a DJ and only occasionally a guitarist, and looks more like a friendly pub keeper than Johnny Rotten ’s bandmate. Hoje Jones é um DJ e um guitarrista que só ocasionalmente, e parece mais com um simpático pub detentor do que Johnny Rotten 's bandmate. But back in 1977 Jones was the musical core of the Sex Pistols , a classic rock guitarist who was the sole member of the group who could competently play. Mas já em 1977 Jones foi o núcleo musical do Sex Pistols, um guitarrista rock clássico, que era o único membro do grupo que poderiam desempenhar com competência. And with a Les Paul hanging just above his knees, Jones helped detonate the cultural bomb the Ramones had merely assembled with the snotty, crass, elegantly rude Never Mind The Bullocks , Here’s The Sex Pistols . E com uma Les Paul pendurados logo acima seus joelhos, Jones ajudou a detonar a bomba cultural do Ramones tinha meramente montagem com o mal-humorado, grosseiro, rude elegantemente Never Mind A Bois, Here's Os Sex Pistols. His mad-dog Marshall /Gibson sound backing Rotten ’s nasal whine in " Anarchy in the UK " truly changed the landscape of the musical world. Seu cão bravo-Marshall / Gibson som apoio podres' s nasal lamuriar em "Anarquia no Reino Unido" verdadeiramente mudou a paisagem do mundo musical.

Prime cut: " God Save The Queen " from the Sex Pistols’ 1977 Never Mind The Bullocks , Here’s The Sex Pistols . Primeiro corte: "Deus salve a rainha" do Sex Pistols "Never Mind 1977 A Bois, Here's Os Sex Pistols.

06. 06. Mick Jones Mick Jones

Following that famed Ramones tour, Jones , Paul Simonon , and Joe Strummer formed the core of the Clash , the most important band of the punk revolution. Na sequência desta famosa turnê Ramones, Jones, Paul Simonon, e Joe Strummer formou o núcleo do Clash, a banda mais importante da revolução punk. Important not only for their hell-bent playing, but for their politics and their ability to evolve, quickly moving from punk’s signature three-chord grind to a more elaborate vision of the music that incorporated dub, reggae, rockabilly, African and Eastern sounds, and even the echoes of London’s dance clubs. Importante não só para o seu inferno-curvadas jogar, mas para a sua política ea sua capacidade de evoluir, circulem de punk rapidamente a assinatura de três acordes para moer uma visão mais elaborada do que a música incorporada dub, reggae, rockabilly, e do Leste Africano sons, e ainda os ecos da dança clubes de Londres. They eventually overturned punk’s anti-corporate apple cart by becoming large enough to tour arenas. Eles acabaram derrubados punk anti-corporativo da maçã carrinho, tornando-se grande o suficiente para turnê arenas. And until his dismissal from the band in 1983, Jones ’ mix of brashness and focus made him the Clash ’s musical heart. E até a sua demissão da banda em 1983, Jones' mix de brashness e fez dele o Clash tónica está o coração musical. He’s gone on to other groups, including Big Audio Dynamite and Carbon/Silicon . Ele foi embora para outros grupos, incluindo Big Audio Dynamite e Carbon / Silicon.

Prime cut: " I’m So Bored With The USA " from the Clash’s 1977 The Clash . Primeiro corte: "Estou tão entediado Com E.U.A. A" a partir de 1977 o Clash's The Clash.

07. 07. Tom Verlaine & Richard Lloyd Tom Verlaine e Richard Lloyd

Both have gone on to distinguished careers as guitarists and solo artists, but from 1973 until 1978 - during Television ’s original run - Verlaine and Lloyd were punk’s answer to Duane Allman and Dickey Betts (or Miles Davis and John Coltrane). Ambos foram contratados para carreiras ilustres como guitarristas e artistas solo, mas a partir de 1973 até 1978 - durante a Televisão 's originais publicados - Verlaine e Lloyd's punk foram atender a Duane Allman e Dickey Betts (ou Miles Davis e John Coltrane). Their entwined style of soloing created an elaborate sonic architecture, turning their albums Marquee Moon and Adventure into breathtaking rock and roll thrill rides. Ligados seu estilo de Solo criado um elaborado sônico arquitetura, transformando os seus álbuns Letreiro Lua e Aventura em deslumbrante rock and roll emoção caronas. Subsequent regroupings haven’t quite captured their original fire, but for sheer ensemble playing the only challenger to Television in punk’s original wave was the Patti Smith Group . Subseqüente agrupamentos não têm absolutamente original capturadas seu fogo, mas por pura conjunto tocando o único candidato a desafiar a televisão na onda inicial do punk Patti Smith foi o Grupo.

Prime cut: " Marquee Moon " from Television’s 1977 Marquee Moon . Primeiro corte: "Letreiro Lua" Letreiro de Television da Lua 1977.

08. 08. Robert Quine Robert Quine

Nobody else played like Quine , a disciple of Lou Reed and the Velvet Underground who developed a knack for breaking the backs of melodies, shaking strings like a hyper-caffeinated BB King , and spewing out some of the most angular, jittery guitar lines ever laid on tape. Ninguém mais jogado como Quine, um discípulo de Lou Reed e os Velvet Underground que desenvolveram um truque para quebrar as costas de melodias, apertos cordas como uma hiper-cafeinadas BB King, e spewing fora alguns dos mais angulares, guitarra tremer cada vez estabelecidas linhas em cassete. From his debut on Richard Hell & the Voidoid ’s classic first album to his later work with Tom Waits, Brian Eno, Marianne Faithfull, Lloyd Cole, Matthew Sweet, and eventually his hero Reed , the seemingly unflappable, Ray Ban-ed Quine pursued his singular vision. Desde sua estréia em Richard Hell & The Voidoid está o clássico primeiro álbum para o seu posterior trabalho com Tom Waits, Brian Eno, Marianne Faithfull, Lloyd Cole, Matthew Sweet, e eventualmente o seu herói Reed, o aparentemente imperturbável, Ray-Ban ed Quine perseguidos sua visão singular. It was a shock to his fans - but not necessarily to his friends, who knew he was depressed following the death of his wife - when Quine committed suicide in 2004. Foi um choque para seus fãs - mas não necessariamente para os amigos, que sabia que ele estava deprimido depois da morte da mulher dele - aquando Quine cometeu suicídio em 2004.

Prime cut: " Blank Generation " from Richard Hell & the Voidoids’ 1977 Blank Generation . Primeiro corte: "Blank Generation", de Richard Hell & The Voidoids "Blank Generation 1977.

09. 09. Ricky Wilson Ricky Wilson

The original guitarist of the B-52’s exemplified punk’s anything goes attitude. O guitarrista original do B-52's punk's exemplificado atitude vale tudo. With no musical training Wilson developed his own tuning, using only four or five strings - tuned in fifths - on his old Mosrite as he taught himself to play. Sem nenhuma formação musical Wilson desenvolveu sua própria afinação, usando apenas quatro ou cinco cordas - sintonizado na quintos - sobre o seu velho Mosrite como ele próprio ensinou a jogar. And so his style, based on heavy, muted strokes, sonic bombs, and other colorful effects largely accomplished by his eccentric picking, was unique almost by default. E assim o seu estilo, baseado em pesados, em surdina pancadas, sonic bombas, e outros efeitos coloridos em grande parte realizado por sua excêntrica picking, era quase exclusivo por padrão. It also allowed Wilson to cover the low end of the bass-less outfit from Athens, Georgia. Ele também permitiu Wilson para cobrir a baixa final do bass-roupa menos de Athens, Geórgia. Although the B-52’s debut album is a classic from the era when punk rock began its transition to new wave pop, Wilson did not live to see the group’s peak of popularity. Embora o B-52's debut álbum é um clássico da época onde o punk rock começou a sua transição para a nova onda pop, Wilson não viveu para ver o pico da popularidade do grupo. He died in 1985, one of rock and roll’s first acknowledged victims of AIDS. Ele morreu em 1985, uma de rock and roll da primeira reconheceu as vítimas de SIDA.

Prime cut: " Rock Lobster " from the B-52’s 1979 The B-52’s . Primeiro corte: "Rock Lobster" a partir do B-52's 1979 The B-52's.

10. 10. Billy Zoom Billy Zoom

" I want a huge open tone that sounds as live and reckless as possible, " says the X guitar slinger, whose pompadour, sparkle-finished Gretsch guitars, and broad smile are as much his trademark as his grinding, powerful chordal attack. Zoom ’s style traces back to Steve Jones and Johnny Ramone, and much further to Link Wray, Eddie Cochran, and Western swing. "Quero abrir um enorme tom que soa tão vivo e imprudente quanto possível", diz o X guitarra Slinger, cujo Pompadour, luzir-acabados guitarras Gretsch, e sorriso largo são sua marca registrada, tanto quanto a sua moagem, cordas ataque poderoso. Zoom » s estilo vestígios de volta para Steve Jones e Johnny Ramone, e muito mais para Link Wray, Eddie Cochran, swing e ocidentais. But the zeal he has for whacking out open-stringed barre chords with deadly speed, accuracy, and unflappable cool is entirely his own. Mas o zelo que ele tem para bater a abrir-barre acordes com cordas mortal velocidade, precisão, sereno e fresco é inteiramente sua.

2008-09-28T13:49:00.000-03:00

LOVE & ROCKETS

Gary Groth pode ser um baita linha-dura nas críticas em The Comic Journal, mas pelo menos é daqueles que não se limita a dizer; mostra como se faz: praticamente todos os maiores quadrinhos norte-americanos de vanguarda dos anos 90 estão no catálogo de sua editora, a Fantagraphics. Entre eles, legítima prata da casa, a coleção Love and Rockets.

Criada pelos "chicanos" irmãos Hernandez - Mario, Gilbert e Jaime - para um fanzine no começo dos anos 80, as histórias de Love and Rockets caíram no colo de Gary na mesma época, e ele decidiu apadrinhá-las com uma revista própria, no que deve ter sido a melhor decisão editorial de sua vida. No começo, Love and Rockets dispersava-se em historietas de ficção-científica e fantasia com algum humor, vagamente na linha da Heavy Metal. Com o tempo, duas séries destacaram-se, tomando todo o espaço da revista e a atenção dos leitores. Na primeira, acompanhávamos as aventuras de uma mecânica de foguetes, Maggie, seus relacionamentos com amigas e namorados. Posteriormente, Maggie abandona o emprego e a série se concentra nas idas e vindas amorosas ou não de Maggie, da punk Hopey, da mística Izzy, da adolescente Daffy, da britânica Terry e da loira Penny, todas protagonistas de suas histórias, situação tremendamente incomum nos quadrinhos. Inclusive por isso, a revista, junto com Sandman, é um dos nomes mais indicados quando se fala em quadrinhos que possam interessar mulheres. A segunda série tratava dos ocorridos de um povoado subdesenvolvido na fronteira dos EUA, Palomar, enfocado nas mudanças decorrentes da passagem do tempo e nas visitas inesperadas ao ramerrão diário. Tendo por pano de fundo um povoado inteiro, as histórias abrangiam dezenas de personagens complexamente interligados.

Talvez a maior indicação da qualidade dos Bros Hernandez esteja na dificuldade em se tentar definir sobre o que tratam as histórias. Este próprio texto acabou de rebolar na tentativa no parágrafo anterior. Trata-se de histórias que tipicamente escapam a classificações de gênero. Sua originalidade pode ser explicada em parte pelas pouco ortodoxas influências apontadas pelos irmãos: o movimento punk, bandas de rock alternativo, Archie Comics, contos orais de sua avó. Razoável que tenham se transformado em ponto de inflexão para os quadrinhos.

Já se comparou as crônicas de Palomar com o que Jorge Amado (ou, mais precisamente, Dias Gomes) e Gabriel Garcia Márquez, tentando uma identificação com o realismo mágico latino-americano, e de fato é possível encontrar paralelos entre a estrutura narrativa de Cem Anos de Solidão e a maneira como Gilbert desenvolveu sua criação, alternando coadjuvantes e protagonistas, indo e voltando no tempo e no emaranhado genealógico das famílias dum modo pouco explorado (até então) nos quadrinhos, o que levou Robert Crumb a comentar que nunca tinha lido nada como aquilo em quadrinhos, em literatura já, mas nos quadrinhos, nunca.

Já os desencontros, viagens e aventuras de Penny e Cia. têm um frescor de espontaneidade raro, uma naturalidade nos diálogos, linguagem corporal e situações que fazem o leitor crer que já viu ou viveu cenas como aquelas - e se não viveu, gostaria de ter vivido, de preferência no meio delas. Há um tipo de cumplicidade comum na literatura, de desejar entrar na balsa de Huck Finn, no carrossel de Holden Caufield, no vagão de trem de Sal Moriarty, ainda que raro nos quadrinhos, no qual o leitor fica aflito atrás de cada revelação das vidas de papel: afinal, Maggie e Hopey tinham ou não um caso lésbico? Penny Century se casaria ou não com Herv Costigan, o homem mais rico do mundo? Luba encontraria, algum dia, a felicidade do verdadeiro amor apesar de sua enlouquecedora família?

Da segunda metade dos anos oitenta para a primeira metade dos 90 Jaime e Gilbert acumularam prêmios, o primeiro como desenhista, o segundo como roteirista. Prendê-los nessas categorias, no entanto, é negar o talento para roteiro de Jaime para conduzir ações em paralelo em histórias longas, jogando com os cruzamentos sem perder o fio da meada, tanto quanto é negar capacidade de desenvolver seqüências eminentemente visuais de Gilbert - e se no começo seu traço ainda era meio tosco, o que levou muita gente boa a acusá-lo erradamente de fazer literatura ilustrada, isso não o impediu de produzir a magnífica Heartbreak Soup (Sopa de Gran Peña) nem de provar o quanto podia com seu traço com Errata Stigmata e com a própria turma de Palomar. Nesta mesma época, nomes consagrados como Frank Miller e Alan Moore apontavam os irmãos Hernandez como os nomes com quem gostariam de trabalhar junto.

Love and Rockets foi produzida incessantemente por quinze anos, sempre com os descompassos de ritmo produtivo entre o irmão mais rápido, Gilbert, e o mais lento, Jaime, com coletâneas em álbuns progressivamente impressas pela Fantagraphics, até a interrupção em 1996. Além do mencionado descompasso, pesaram na decisão o esgotamento criativo, a vontade nunca realizada de trabalhar com outras mídias (Love and Rockets não virou filme, não virou série na televisão, não foi para a internet) e o desejo de surfar em modo solo - Gilbert andou rabiscando aqui e ali. Ao fim de alguns anos, tais argumentos acabaram não se mostrando tão efetivos, posto que los bros decidiram voltar com Love and Rockets - primeiro em mini-séries, em seguida num formato menor do que a original, mas com a mesma graça e beleza de sempre. Já completaram duas décadas de vida explorando detalhes desconhecidos e nuances inesperadas da vida de cada personagem, com qualidade e inovação para outros vinte anos.

2008-09-09T22:00:00.000-03:00

Replacements - Let It Be

Após o post de Pixies e Screaming Trees, pra fechar minha semana de posts de Rock Alternativo, um dos maiores nome dos anos 80 desse gênero, os Replacements.
Assim como o Hüsker Dü, a banda nasceu em Minneapolis, no ano de 1979, com outro nome, que foi mudando até chegar neste que ficou conheçido no underground. A banda também tem outra semelhança com o Hüsker Dü, pois quando começaram a banda, tocavam um Punk Rock old school cheio de energia, lançando dois discos que não chamaram muita a atenção, mas foi com este disco, Let It Be, que a banda ganhou reconheçimento pelo público e pela crítica, e é considerado um dos melhores discos de todos os tempos, que tal?
Let It Be, foi gravado em 84, e mostra essa mudança pro college rock, e o cd já sai chutando tudo logo de cara, na country-rock "I Will Dare", têm as pseudo-hardcore "We're Coming Out", numa música com guitarras gritantes, e gritos alucinados num ritmo frenético. Músicas mais calmas, no pianinho bagaçeiro de "Androgynou", o hino da banda "Unsatisfied", numa melodia de quem tá de saco cheio, raiva e desespero em forma de música. E o mais interessante quando eu escutei esse disco foi um cover do KISS, com a música "Black Diamond", que incrivelmente ficou massa, numa versão rapidona mostram a facinação da banda pelo rock clássico.

2008-09-07T20:13:00.000-03:00

:: THE GUN CLUB - “Fire Of Love” (1981)

Como surgidos do nada, os pioneiros do punk psuchobilly de Los Angeles chegaram com um álbum de estréia que ofuscou os seus contemporâneos californianos e foi fonte de inspiração para os White Stripes e muitas outras bandas de garage do século 21. O som é tosco, as letras frequentemente psicóticas e as canções... as canções são algumas das melhores do rock norte-americano.

A princípio escolheram o nome Creeping Ritual. Pierce e o guitarrista Kid Congo Powers formaram uma banda em 1980 para tocar na cena punk de Los Angeles. Pierce exibia uma gama ampla de influências (sobretudo blues, com toques de country e rockabilly), criando uma mistura selvagem. Cantava, uivava, gritava em canções que estavam enraizadas no sul mais profundo, com referências à “caça aos negros” e ameaçando “vou te foder até morreres”. É evidente que isto poderia ter sido muito ofensivo, mas canta com um brio tão teatral que o ouvinte se apercebe que ele está apenas a atuar. Ou não.

Em qualquer caso, canções como “Sex Beat”, “She Is Like Heroin To mE, “For The Love Of Ivy” e “Jack On Fire” são rock intenso e as leituras que Pierce faz do country blues como “Preaching the Blues” e “Cool Drinks of Water” sugerem uma imersão na música que supera o tenicismo enfadonho de Eric Clapton ou Gary Moore.

2008-09-06T09:00:00.000-03:00

VÁRIOS ARTISTAS
"LOUD, FAST AND OUT OF CONTROL"

(THE WILD SOUNDS OF 50's ROCK)

Esta caixinha bacanérrima de 4 CDs, lançada pela Rhino em 1999, é uma das melhores pedidas pra quem quer se inteirar sobre os primórdios dessa Força Negra e Diabólica, Corrompedora da Moral e dos Bons Costumes e Desencaminhadora da Juventude que é o Rock and Roll (vade retro Satanás!).

Pelo menos era assim que esse novo estilo musical era visto pelas Forças da Tradição e do Bom Gosto quando caiu como uma bomba na cena cultural carola e reprimida dos anos 50, onde foi visto como profano, herético e perigoso... Viajem para uma época em que o movimento da pélvis de Elvis era considerado quase como uma revolução sexual e que os artistas eram frequentemente proibidos de tocar em lugares públicos ou até postos em cana por ousarem meter o rock and roll no dial.

"What is included here is just the raw stuff that set jukeboxes and radio dials aflame, and spread the word that rock and roll was something new, fun, wicked, and dangerous" - diz Cub Koda na All Music.

Centrada em sons de rockabilly, rhythm & blues acelerado, bluegrass maníaco e pitadas de surf rock e blues eletrificado, essa belezura reúne desde os bã-bã-bãs da época (Elvis Presley, Chuck Berry, Little Richard e Jerry Lee Lewis), até nomes menos conhecidos e que chegaram mais baixo nas paradas, mas igualmente importantes e excitantes (como Eddie Cochran, Gene Vincent, Bo Diddley, entre dezenas de outros). São 104 músicas saídas diretos do Coração Selvagem dos anos 50 que nos mostram os verdadeiros artífices e iniciadores dessa maravilhosa brincadeira de mau-gosto que é o Rock and Roll. Essencial.

2008-08-12T20:53:00.002-03:00

THE THE - SOUL MINING

A construção de uma obra-prima é na maioria das vezes inconsciente, mas ignorar uma obra-prima conscientemente é a maior estupidez a que se pode chegar no mundo das artes. E o mundo ignora há 23 anos uma obra-prima intitulada “Soul Mining”, criada por um só homem, Matt Johnson, sob a alcunha de The The, uma fina ironia à falta de criatividade reinante no batismo musical.
Este era apenas o segundo álbum da “banda” de um só homem, o sucessor do disco de estréia “Burning Blue Soul”, que já naquela época tinha sido alçado à condição de cult, ou seja, sobrevalorizado. “Soul Mining” começou com a produção em Nova Iorque daquela que viria a ser a Mona Lisa das sete pinturas presentes no álbum. A faixa “Uncertain Smile” até hoje me causa arrepios pela sua perfeição melódica indiscutível. Dos primeiros acordes ao fade out de um solo de piano contagiante, passando pela letra ora cantada de maneira suave, ora com uma determinação que certamente o moveu por toda a gravação desta faixa que se transformaria em um 12 polegadas histórico. Não há uma nota no lugar errado; não há um segundo a mais, nem um segundo a menos. É a perfeição em forma de música como poucas vezes se foi capaz de alcançar ou de se perceber.
A coesão deste álbum, que, incompreensivelmente, foi diminuído por alguns e esquecido por uma grande maioria. De “I’ve been waitin’for tomorrow (all of my life) até “Giant”, que é oficialmente a sétima e última faixa de “Soul Mining”, desfilam canções que nos falam da vida ou da sensação de nunca ter vivido como é o caso da faixa de abertura, que à frente do seu tempo já falava em ser “tomado por informações inúteis” e “vomitado de jornais e estações de rádio”. Em um diagnóstico certeiro ele chega à conclusão de que “minha mente foi poluída e minha energia diluída”. Ele se prepara para combater tal doença com uma bateria de pérolas pop que silenciosamente habitavam a cabeça de um só homem. Uns com tantos, outros com tão pouco. Injustiça? Não apenas o veredicto de que nem todos podem ser gênios.
“This is the day” é aquela música que se fosse comparado a um sonho seria daqueles que te faria abrir um sorriso inexplicável e misterioso no meio do sono. Finalmente o amanhã que se esperou por toda vida parece ter chegado. A letra, maravilhosa, fala de alguém que “não acordou porque não foi dormir” e com os olhos vermelhos conta os dias no calendário. Lendo algumas cartas antigas percebe o tanto que mudou e em um momento de pura nostalgia deseja que o dinheiro pudesse comprar aqueles dias de volta. Mas não é isso que ele quer e quando o dia entra percebe que “aquele é o dia em que sua vida, com certeza, irá mudar / aquele é o dia em que tudo será colocado no seu devido lugar”. Entre o futuro e as memórias do passado que “encaixam os momentos da sua vida... como cola”, ele tenta achar um meio termo para seguir em frente sem perder as raízes e referências que o tornaram o que é hoje.
“The Sinking Feeling” traz mais uma vez a guerra entre dois lados de uma mesma moeda. O passado imutável e o futuro incerto. Ele logo avisa “você não pode destruir seus problemas / destruindo a si mesmo / a morte não é resposta / a sua alma poderá queimar no inferno / minha memória, cara manipuladora / está transformando todo o meu passado em dor / enquanto estou sendo estuprado pelo progresso / o mundo de amanhã está aqui para ficar / eles não teriam nenhum outro jeito / sou apenas um sintoma da decadência moral / que está roendo no coração do país”.
“The Twilight Hour” fala de uma independência dependente. Ao se desligar e se libertar de todos e tudo ele deposita todas as suas esperanças e confiança em apenas uma pessoa. Incrível como letra, melodia e a voz de Johnson fazem dessa música um thriller musical. Você sente a tensão aumentar a medida que o telefone não toca, que ela não liga e que ele começa a entrar em desespero lembrando que “você desistiu de todos os seus amigos / você está confiando nela / para a sua independência”. O paradoxo por mais absurdo que possa parecer mostra sutilmente a natureza de sociabilidade do Homem, incapaz de viver solitário.
Lúgubre como uma tarde de inverno que se vai. Assim começa a faixa-título, “Soul Mining”, que continua a missão de Matt Jonhson de convencer aos mais incrédulos de que, por mais que não queiram admitir, estão sim diante de uma obra-prima. A faixa é o que o próprio nome diz “Mineração da Alma”. É o que ele faz do começo ao fim: escava as profundezas da alma, tira metais preciosos, peneirando por entre pedras sem valor algum. A desilusão do amor, a força arrasadora de uma rejeição. Será assim a alma de cada um de nós?
Em “Giant”, já na velhice, perto da morte em uma hora em que ele confessa “ter medo de Deus e do Inferno” percebe que quando olha o seu rosto não enxerga a si, mas aquele que tentou ser. No fim Matt se pergunta “como é que alguém pode me conhecer / quando nem mesmo eu me conheço?”.
A densidade lírica, a perfeição rítmica a obviedade do gênio incompreendido... Todos esses ingredientes estão presentes nos quase 42 minutos desse álbum. A edição americana traz ainda mais uma pérola de Johnson – “Perfect” - mas ele lutou por 20 anos para que essa faixa, lançada originalmente apenas como um single, fosse cortada. Ao acompanhar a letra fica óbvio que ela não faz parte de “Soul Mining”, uma obra densa e coesa tematicamente. Ele conseguiu o que queria e a faixa foi limada das edições mais recentes de “Soul Mining”. É como se restaurasse sua Mona Lisa, maculada por uma torpe figura que não fez mais do que acrescentar outra música inesquecível a outras sete. O nome da faixa? “Perfect”

2008-08-10T15:01:00.002-03:00

the jesus and mary chain - honey's dead

honey's dead
alternative
blanco y negro
1992

Que DEUS abençoe a Escócia. Qual o segredo do rock da Escócia. será o uísque? - os irmãos William e Jim Reid, que traziam influências de Velvet Underground,Beach Boys, Sex Pistols entre outras, marcaram presença no cenário alternativo, porém, discos que não traziam repertórios equilibrados e constantes mudanças de formação, eloqueciam a crítica criando uma relação de amor e ódio que ofuscou o brilho e acabou sendo resultante para que a banda não tivesse dado um voô mais alto no cenário inglês e americano (palcos que são determinante na carreira de qualquer banda). mas para quem deseja algo menos maçante - talvez não seja a expressão correta; e essa coisa de "repertório equilibrado" soa meio estranho -, o JAMC limpou as faixas, deu mais vazão na melodia, nos arranjos e o resultado deu caldo, aliás, dois ótimos caldos chamados Darkland e Honey's Dead e...

2008-08-07T19:47:00.002-03:00

Eu estava na fila do supermercado, entre olhares vazios, alimentos, refrigerantes e casais fazendo as compras do mês, eu a encontrei, com uma barra de ferro a sua nuca eu acertei aham aham, tchu tchu...

Eu não tenho mais frustrações, não tenho mais inseguranças, agora que sei que seus movimentos estão para sempre comprometidos, aham aham...

Mesmo assim eu caminho pelas ruas, catarolando uma melodia de uma musica que naquele instante é o meu hino, meu brado de liberdade, mesmo que por alguns monentos, em meio a esta selva de concreto, eu sou livre para pensar e desejar o que eu quero e mais desejo...

Chega de medos, aflições, chega de tudo e todos, quero a minha liberdade mesmo que venha a ferro e fogo, dores, sangue e pus, tudo m isturado num caldeirão psicodelico

2008-08-06T19:51:00.001-03:00

Leonard Cohen - Songs Of Love And Hate

Ok, esse blog está cheio de artistas que você deve conhecer. Homens , mulheres, solitários ou em grupo, alguns deles (ou delas) que entraram para a história ao gravar cançõesque acelararam o sangue dos furiosos, levaram às lágrimas os sensíveis, deram companhia aos solitários. São tantos os quais eu disse "você tem que ouvir!". Bob Dylan, Neil Young, Chico Buarque, Nick Cave, Beatles, The Who, Rolling Stones, Tom Waits, Black Sabbath, Radiohead, Jeff Buckley, Led Zeppelin, Beck...

Pois então, Leonard Cohen é mais um deles. E um dos que encabeçam a lista, pode acreditar. O homem que foi consagrado poeta e romancista até os trinta anos, e quando chegou nessa idade, resolveu ir para o mundo da música. E diabos, há mais de quarenta anos o homem encheu nossos ouvidos de música folk extremamente emocional e sensível, alcançando fama tanto na sua voz quanto na voz de outros intérpretes - inclusive o supracitado Jeff Buckley, que em seu único disco de inéditas, "Grace", regravou e deu nova dimensão à balada "Hallelujah".

"Songs Of Love And Hate" é o terceiro álbum de Cohen, desde que havia assinado contrato em 1967 com John Hammond, que havia descoberto Billie Holiday e Bob Dylan, e gravado sob a batuta de de Bob Johnston, o produtor dos trabalhos de Dylan na década de sessenta. Cohen havia despontado de forma tão notória que um dos pioneiros do cinema contracultural setentista estadunidense, Robert Altman, usou canções do canadense em uma de suas clássicas obras, " McCabe & Mrs. Miller". Daí pra frente, Leonard tornou-se ídolo de várias gerações, indo desde John Cale - o notório "senhor esquizofrenia musical" do Velvet Underground, até o idolizado Buckley, passando Ian McCulloch (cabeça do Echo And The Bunnymen), Nick Cave And The Bad Seeds, R.E.M., Pixies...

A despeito da excelente qualidade de seus outros discos, esse em questão sobressai no meu gosto pessoal. No geral, é um disco sombrio e triste, que contém longas, rasgadas e harmoniosas baladas. Assim que começa o disco, já somos bombardeados pela massacrante sessão de cordas de "Avalanche", onde com a sua trôpega e melancólica voz, Leonard anuncia que foi soterrado por uma imensa avalanche, que cobriu a sua alma e transformou-o em um deformado corcunda. Mesmo quem não tem grande domínio da língua inglesa sente o grande impacto da música: é séria, trágica e sincera.

E não pára por aí: também há a dilacerante e fúnebre "Last Year's Man", com sua letra tremendamente introspectiva. "Diamonds In The Mine" marca pelo seu refrão crescente e progressivamente fatalista, acabando-se de forma gritada e desolada. Até quando canta sobre o amor em "Love Calls You By Your Name", de beleza doída e singular, mesmo quando incentiva a continuar cantando, "Sing Another Song, Boys", a música continua transcendental, pessoal, e, na falta de adjetivos, linda demais para depender de verbos. A união de homem e música, lirismo e harmonia, poucas vezes foi igualada de forma tão perfeita, em oito preciosas canções. A chave de diamante que fecha a obra, "Joan Of Arc" - uma das mais emocionantes músicas que você terá oportunidade ouvir, ainda está muito longe de ser equiparado pelos muitos violeiros tristonhos que surgem todos os dias...

Cansado das emoções baratas do show business? Cansado do repetitivo marasmo emocional que é jogado aos seus ouvidos feito migalhas aos pombos? Leonard Cohen é seu homem, músico e poeta. Quem conhece e é fã, garante que será tanto quanto Bob Dylan, Tom Waits, Neil Young e Nick Cave..

2008-08-05T20:07:00.000-03:00

Os U2 dão este mês início à reedição de toda a sua discografia, prometendo assim, ao longo dos próximos meses, apresentar todos os seus discos de originais com som remasterizado e uma série de extras (estes num CD adicional), em embalagens "deluxe" com booklet de 36 páginas. A reedição prevê também a reedição destes mesmos discos em vinil de 180 gramas. Ordenada cronologicamente, a reedição propõe, para já, o reencontro com os três primeiros álbuns do grupo. São eles Boy (1980), October (1981) e War (1983), ou seja, os três produzidos por Steve Lillywhite, produtor que em 2004 se reuniu com os U2 para com eles gravar o apenas mediano, mas globalmente quase "mitificado" How To Dismantle An Atomic Bomb. Os três discos completam em si um ciclo que reflecte as origens pós-punk dos U2 (e uma das suas melhores fases), em canções de angulosidade ainda evidente, ocasionalmente mostrando já caminhos que depois geraram alguns dos seus maiores hinos.
Boy, de 1980, é um dos melhores discos do grupo e abre o lote das reedições. Neste novo lançamento inclui, no CD de extras, além de lados B de temas contemporâneos do álbum, o single 11 O'Clock Tick Tock (o primeiro dos U2), dois temas inéditos extraídos das sessões de gravação de Boy (Speed Of Life e Saturday Night), temas ao vivo e versões alternativas.
Os extras de October, o disco "espiritual", incluem, essencialmente gravações ao vivo (algumas provenientes de um concerto no Hammersmith Palais), uma série de registos captados numa sessão para a BBC e ainda uma remistura de Tomorrow.
War, que fecha o primeiro lote de reedições e lança as bases da personalidade política que desde então o grupo tomou, apresenta uma colecção de remisturas efectuadas na época (algumas delas inéditas), assim como mais uma série de gravações ao vivo.

2008-07-05T21:47:00.002-03:00

THE PHARAOHS

Se você disser que conhece essa fenomenal banda dos anos 80, estará mentindo. Eles ainda estão na ativa hoje em dia.*Não, os Pharaohs em questão não são egípcios, são galeses. Alguns os consideram NEO-Rockabilly, outros consideram PSYCHOBILLY... eu acho simplesmente F.O.D.A. !!!Esse é o primeiro disco deles: BLUE EGYPT (1986)Aqui destaco o maior hit deles "DEAD TO THE WORLD", juntamente com "TOMB OF THE DEAD", além dos covers de "WILD THING" (Troggs) e "Radar Love" (cover de uma banda desconhecida dos anos 60).

2008-06-22T12:28:00.000-03:00

Psychos From London

2008-06-04T23:15:00.002-03:00

A ida da minha casa para a escola ou mais tarde para o trabalho, para mim sempre foi meio estranha, quando tinha 16 anos e morava no Jardim Independencia - Ribeirão Preto, eu saia do condomínio onde eu morava e via a neblina que tomada conta de quase todo bairro e transformava a paisagem do bairro meio que parecido com aqueles subúrbios Ingleses com casas de tijolinhos a vista prédios de 2 andares, as portas brancas com pequenos vazos um em cada lado da porta. As ruas bastante arborizadas, o clima frio e chuvoso do outono ficava mais bonito nesta época do ano. Nesta época ainda não existia mp3 ou Ipod como nos dias de hoje, naquela época o cd ainda que engatinhava poucos eram os que tinham, eu por minha vez tinha o meu fiel walkman. Companheiro mais que fiel naquelas manhas.

2008-06-04T23:10:00.001-03:00

irmão
Aqui vamos nós
eles estão de volta outra vez
estamos aquecidos e seguros
curta isso enquanto pode, antes
que as coisas mudem

Temos que nos esconder, irmão
Temos que nos esconder, irmão

Deite-se num campo se puder
Olhe para o céu noturno
oh, Onde ele termina?
às vezes, ele dói em você
quando você se importa comigo
mas vai doer mais quando
eles tirarem você de mim

Temos que nos esconder, irmão
Temos que nos esconder, irmão

Aqui vamos nós outra vez
oh bate meia-noite!
oh explosões!
talvez seja tudo produto de nossas cabeças
isto acontece comigo quando estou entediado ou deprimido

esta é a melhor parte da canção
onde eu admito que eu devo estar errado
pois se eles forem bons e estiverem certos
então eles terão seu êxtase numa dessas noites

mas se eles estiverem errados...

2008-06-01T16:40:00.000-03:00

No New York

Houve uma vez o Punk.Estilo que remou contra a maré que imperava na época, cheia de bandas pretensiosas de rock progressivo e a atitude excessivamente festeira da música pop em voga na época. Estilo que resgatou a simplicidade instrumental e o imediatismo abrasivo daqueles idos anos e acrescentou guitarras distorcidas, fúria subversiva, irreverência e hedonismo. Acompanhando de perto, vinha a New Wave, um punk mais palatável para as grandes massas. Ou melhor, o punk que não assustaria muito os mais velhos.

E no meio de toda aquela efervescência musical de New York, nos subterrâneos, havia os não punks.Segundo eles, o punk não havia revolucionado coisa alguma. Não havia trazido nada de novo. Para eles, riffs de Chuck Berry tocados de forma rápida e anfetamínica continuavam sendo o que sempre foram: apenas música antiga. E não contentes em apenas criticar, eles foram lá armar sua própria revolução. O nome dessa nova onda? Nenhum. Ou como entrou para história, No Wave.

E tal movimento entrou para a história graças ao esforço de um homem: o músico, compositor e produtor britânico Brian Eno, famoso pelo seu trabalho com o Roxy Music e com nomes como David Bowie, Robert Fripp e U2. No final dos anos setenta, havia acabado de produzir um disco da banda Talking Heads, mas permanecia na cidade maravilhado com tanta variação artística em um mesmo lugar. Porém, foi em um bairro sujo e decrépito, repleto de viciados e prédios abandonados de Manhattan que Eno foi achar aqueles jovens insatisfeitos com a vida. E com a música.

Subcultura da cultura punk que sentia náuseas de seus progenitores, a No Wave buscava total liberdade artística, o que dava origem às mais variadas bandas, mas todas com um ponto em comum: a insatisfação com a cena musical da época. Qualquer formato musical pré-definido criado até então era jogado sem mais delongas na lixeira. O que Brian Eno fez foi escolher quatro das melhores bandas do local em sua opinião e produzir quatro canções de cada uma. E assim, em 1978, chegou ao mundo o manifesto oficial daqueles que negavam o punk, negavam o conservadorismo travestido de revolução, e não obstante, negavam sua própria cidade natal. “No New York” era o título do disco.

Quem abre o disco é a banda James Chance And The Contortions. Assim como o pessoal do resto da coletânea, James Chance era uma figura exótica. Um psicótico vocalista e saxofonista fã de Charlie Parker e James Brown que tinha como saudáveis hábitos injetar heroína em cima do palco e brigar com o público.Tocando seu saxofone de maneira desordenada e dissonante combinado com uma cozinha mórbida e riffs maníacos de guitarra, o maluco grita frases violentas e niilistas, contra si mesmo e contra o mundo, imprimindo escrotidão nos esporros de “Dish It Out” e “Flip Your Face”, na gemida, torturante e perturbadora rebordosa de “Jaded” e no quase palatável e pra lá de histérico pesadelo de “I Can’t Stand Myself”. De fazer os moralistas tremerem nas bases antes mesmo de lerem as letras.

A partir daí, o buraco é cada vez mais embaixo. O segundo universo atormentado que chega aos ouvidos é da caótica cantora, poeta, compositora e atriz Lydia Lunch, futura colaboradora de Nick Cave, Sonic Youth e David Lynch, cantando à frente da banda Teenage Jesus And The Jerks. Quanto ao som, bem... O que você espera de uma banda cuja frontwoman falava nas entrevistas abertamente sobre seu vício e apreço por heroína? Nada menos que um som doentio. Talvez seja a única maneira possível de definir a assustadora antimusa. As guitarras de “Burning Rubber” são liberadas aos poucos, como em uma tortura feita por descarga elétrica, enquanto Lydia se acaba no microfone, com passagens do baixo e da bateria montando o mais torturante hardcore. “The Closet” é barulho desnaturado, inconseqüente e claustrofóbico, com a voz cortante de Lunch sendo um complemento perfeito para a muralha sonora tão ruidosa que mais parece feita de areia movediça. “Red Alert” é uma atualização de “L.A. Blues” dos Stooges que só dura trinta segundos. E “I Woke Up Dreaming” fecha o espaço de Lydia em meio à pancadaria arrastada de forma esplêndida, com seu baixo crescente que destoa da bateria hipnótica e da guitarra que mais parece uma trovoada condicionada. Talvez a banda mais autodestrutiva do movimento No Wave.

Antes do Nine Inch Nails, antes do Big Black, existia o Mars. Uma banda de som visionário, que vislumbrava as torturas eletrônicas de Trent Reznor e a sujeira escrota de Steve Albini em um som confuso, cheio de ruídos, bateria frenética e um vocal agudo, desesperado e quase esquizofrênico. Que o digam a perdição sonora de “Helen Forsdale” e a truculência quase desmaiada de “Hairwaves”. E não pense que acabou. A banda abusa novamente na tempestade elétrica e furiosamente discursada de “Tunnel”, com o vocalista Sumner Crane cantando de forma quase vomitada seus murmúrios retardados. A banda encerra sua parte no um minuto e pouco da bad trip marginal “Puerto Rican Ghost”.

A última banda, D.N.A. conta com a liderança de um compatriota nosso: Arto Lindsay, nascido nos Estados Unidos e crescido no Brasil, durante a época da Tropicália e colaborador de David Byrne, Gal Costa e Caetano Veloso. Talvez a banda menos doentia da coletânea, mas ainda assim, totalmente insana e barulhenta. Basicamente nos faz imaginar uma jam de John Cale e Ron Asheton em uma fábrica, com ruídos de máquinas a pleno vapor soando ao fundo, e muitas vezes, na frente dos instrumentos. A agressiva e pirada “Egomaniac’s Kiss” abre espaço para a metralhadora de disparos noise “Lionel”. Daí em diante, ouvimos os vocais chorosos de “Not Moving”, que golpeia o ouvinte de forma mecânica e impiedosa. E tudo acaba em “Size”, que apesar do início quase punk, em poucos segundos já virou uma massa vacilante, feroz e mórbida. O vocal rasgado, berrado e desafinado deixa a música mais não palatável ainda.

Apesar de ter surgido e encontrado seu fim antes mesmo de explodir (cá entre nós... impossível ser reconhecido por um grande público), o movimento No Wave foi um dos mais influentes da história da música do século vinte. Chocante, sem direção definida, mas com uma noção enorme de propósito, a No Wave faz ouvir seu ecos até hoje. Desde os próprios anos setenta, quando Joy Division, Suicide e Pere Ubu apresentavam sonoridades igualmente ousadas, passando pelos anos oitenta, em que foram lembrados por The Birthday Party, Big Black, Jesus And Mary Chain e Sonic Youth e chegando aos dias de hoje, onde ouvem-se seus rastros em Yeah Yeah Yeahs, Trail Of Dead e Flaming Lips.

2008-05-21T18:07:00.001-03:00

The Stone Roses - The Stone Roses

Misturando guitarrinhas sessentistas bem pop, com elementos da música eletrônica dançante com a força do rock alternativo, ou o Britpop, com algumas doses de Psicodelia, os Stone Roses, durante muito tempo foram o personagem principal de um "movimento" que ficou conhecido como Madchester, e este disco, o primeiro da banda, de mesmo nome e lançado em 89, está na categoria de "discos a serem superados".

Desde seu lançamento, já se passaram quase 20 anos, mas até hoje sôa atual, e sempre considerado como um clássico, não é pra menos. Stone Roses sempre, mas eu digo, sempre, mesmo, aparece em qualquer lista de melhores, quando a pesquisa é feita no Reino Unido, mais ou menos o que o Clash conseguiu com London Calling, mas não tão exagerado que nem o Dark Side Of The Moon, do Pink Floyd. Isso vai depender do seu gosto, é claro, mas o mérito do Stone Roses, foi fazer música que agradaçe desde os chamados indies , até quem não fosse grande entusiasto do estilo.
"I Wanna Be Adored", "Waterfall", "She Bangs The Drums", "Bye Bye Badman", "Made Of Stone", "Shoot You Down", "Fools Gold", "I Am Ressurection", chega, chega, já to quase que escrevendo toda a tracklist, isso deve-se ao grau de qualidade, pode acreditar.

2008-04-21T10:37:00.001-03:00

The Cure - Seventeen Seconds

De todas as bandas de pós-punk que surgiram nos anos 70 e emergiram nos 80, uma das únicas que podemos dizer que conseguiu grande reconhecimento foi o The Cure, banda britânica liderado por Robert Smith que você provavelemente deve conhecer.
Todos os discos da banda podem ser considerados clássicos da banda. Claro que eles tem outros vários disquinhos bem legais.
Bom, o ponto é esse, por essa causa, boa parte dos álbuns da extensa discografia da banda ficaram "de lado", mas que tinha um grande culto de fãs mais devotos. É essa imagem que eu tenho de Seventeen Seconds, o segundo disco da banda, ou pelo menos, é isso que aconteceu comigo.
Como eu sou muito fã das músicas do início da carreira da banda, do pós-punk misturado com new wave, dos teclados soturnos, bateria eletrônica e do ritmo simulando alegria, vide "Boys Don't Cry" e "Fire In Cairo", essa fase passava em branco, até descobrir esse disquinho. Fiquei impressionado como mudaram de som rapidamente, do primeiro pro segundo disco, de Three Imaginary Boys para Seventeen Seconds, de 79 para 80, enfim.
Logo de cara, dá pra notar que a sonoridade desse álbum é bem mais dark, muitas vezes até é referido como gótico, assim como as melodias mais minimlistas, mas mesmo assim simples, por vontade do sir. Bob. O disco é intercalado com algumas canções instrumentais, em meio a ótimas músicas, tendo como a mais conhecida "A Forest", do riff marcante e clima sombrio, e nessa onda que segue o álbum.
Pra quem gosta do rock brasileiro dos anos 80, esse disco é uma das fontes de onde eles beberam, encontram-se várias semelhanças. É um disco que vale a pena dar uma escutada, apesar de ser meio rejeitados por parte da crítica, por ser meio sombrio, há uma beleza incrível escondida atrás dessa neblina.

2008-04-10T22:26:00.000-03:00

Hüsker Dü - Warehouse: Songs and Stories

Este ano faz 20 anos que a banda acabou e também 20 anos que este último disco foi lançado, um álbum duplo, que leva no nome uma forma nova da banda gravar: Alugando um armazém pra escrever e tester os materiais ao invés do modo clássico, de escrever e testar as músicas ao-vivo.
E não é só essa a mudança da banda, como eles recém tinham trocado a SST pela Warner, muitos fãs na época pensaram que a banda iria se vender, mas lançaram Candy Apple Grey para provar o contrário, que continuavam com o mesmo espírito, porém estavam mais maturos e escrevendo e fazendo músicas diferentes, mas não muito, do que nos álbuns anteriores e uma clara diferença: Uma produção de deixar todos os outros álbuns no chinelo.
Bom, talvez esse seja um dos pontos para muitos dos fãs terem virado a cara para esse disco e ter sido aclamado pela crítica, até hoje. Lógico, está longe de ser um disco ruim, pois a banda nunca fez isso, mas as vezes quando eu escuto ele, parece que as músicas estão perdidas dentro do disco, mas vale muito a pena quando chega em músicas como a power-pop "Could You Be The One" e "You're A Soldier", uma música que se não tivesse a produção que teve, com certeza poderia figurar entras as pérolas do New Day Rising.
Mas nem tudou foi mudado, como os compositores, continuou sendo Bob Mould e Grant Hart os grandes escritores da banda, que apesar dos críticos babarem os ovos deles neste disco, sempre achei as composições dos dois fantásticas, e claro, nunca escrevendo juntos. E como eu disse no início, se há para homenagear são esses dois rapazes, que foram responsáveis por boa parte da mudança na música underground com o disco divisor de águas Zen Arcade, mostraram para os jovens revoltados uma outra forma de fazer Hardcore.
Apesar de serem dois letristas de mão cheia e músicos não tão habilidosos, mas com grande qualidade e criatividade, principalmente foram os pivôs para o fim do trio de Minneapolis, no mesmo ano do lançamento deste disco. Já com bastante tempo de estrada, tava crítico a situação entre os dois e como sempre, o problema clichê de drogas, juntando com a tensão que a banda estava por falta de criatividade resultou no suicídio do manager da banda, David Savoy, que já não aguentava trabalhar daquela maneira e depressão, vai entender, mas acabou que a banda ficou sem saber pra onde e correr, e seus shows de divlugaçao de Warehouse... eram Jams de seqüências do disco até que eles resolveram dar um fim e cada um ir pro seu lado. Acabava aí a trajetória de uma das bandas mais geniais e importantes para o rock underground americano, mas que deixou maravilhosos trabalhos, como esse que você pode conferir clicando na capa, após ler toda essa baboseira deste grande fã do Hüskers.

2008-03-29T11:37:00.001-03:00

Fugazi - Repeater + 3 Songs

Mestres do Pós-Punk? Precursores do Rock Independente? Post-Hardcore de Base? Expressões e rótulos para classificar uma das bandas mais esporrentas de Washington não faltam, porém, nenhum delas consegue passar exatamente o som que a banda faz em apenas "duas ou três palavras".
Considerado um marco, seu primeiro lançamento, chamado de 13 Songs, uma compilação dos dois primeiros EPs em forma de Full Lenght, é considerado de Pós-Punk, porém nada ha ver com o mesmo estilo que bandas oitentista inglesas pseudo góticas faziam, como o The Cure ou o Echo & The Bunnymen. O Pós Punk do Fugazi é um som bem mais calcado no Punk-Rock, trazendo muito da energia de quem viveu esse momento, com uma vontade de experimentar algo novo, momento onde surge um dos quartetos mais importantes de Washington.
O LP Repeater foi lançado no ano de 1990, ano de mudança no cenário musical Mainstream, e ainda no mesmo ano, em forma de cd, saiu Repeater + 3 Songs, o mesmo disco, porém, como sugere o nome, com 3 canções adicionais, que seguem na mesma linha do disco anterior.
Canções de ritmo simples e de encaixe perfeito, baixo e bateria fazem um cozinha criativa e ao mesmo tempo sem muita frescuras, que se completam com as guitarras terroristas de Guy Piccioto e Ian Mackaye, os quais se revezam nos vocais, que é um das marcas registradas da banda.

Misturando algumas músicas instrumentais, como de costume, com outras de letras muito bem sacadas, com o grande talento lírico de Mackaye, esse é um disco recheado de músicas enérgicas, intensas e nervosas. Sempre que eu escuto Fugazi, eu me imagino andando de Skate, pelo maneira que as músicas são executadas, sincronizam perfeitamente com embaladas profundas ao mesmo tempo que dão um gás enorme. Mais um disco impecável da banda

2008-02-24T13:39:00.003-02:00

No Domingo acabei acordando cedo e arrumando a casa, se bem que tenho poucos moveis para limpar e este serviço acaba sendo menos doloroso do que deveria ser, guardei alguns livros que vinha lendo, fiz algumas anotações para as compras da semana e fiz café, bebida na qual me viciei de alguns tempos para cá, alguns usam barbitúricos, alucinogénos, álcool, eu uso caféina...
O tempo que estava frio e chuvoso pela manhã não havia mudado muito até a hora do almoço. Me encontrei com Steve na loja de conveniência como havíamos planejado na noite anterior, e enquanto cada um tomava uma Quilmes " a cerveja Argentina ", Steve ia me falando das cobranças do pai militar diplomata e suas cobranças sobre o modo de vida " american way of life " onde todos tem que ir para uma faculdade casar cedo e morar em belas casinhas brancas com lindos gramados que serão cortados por seus filhos entediados nos finais de semana. Como sempre eu fui um bom " ouvidor " e meus conselhos se resumiram a apenas pedir que ele fizesse o que ele achava ser o certo mesmo que no futuro ele senti-se remorso de tudo aquilo. O fantasma do irmão morto no Vietnã ainda assombrava a família Jones.
Ao me encontrar com Carolina depois do almoço, meu humor havia melhorado também depois de mais de uma hora de assuntos tão angustiantes com Steve, não digo que detesto este tipo de conversa mais sempre ficamos pensativos e calados depois de conversas assim.
Carolina estava radiante com o vestibular e tinha quase certeza que tinha passado, mas não queria admitir uma vitoria fácil, pois se ela não passa-se a queda seria maior quando o resultado fosse publicado.
Terminamos o dia conversando e indo passear no Shopping entre risadas histéricas sobre as roupas das pessoas e suas atitudes estranhas em publico, a vida havia sido esquecida e por alguns instantes o fantasma de Willhan O`neill Jones estava descansando em paz.

2008-01-27T19:08:00.000-02:00

Ministry - The Land Of Rape And Honey

Já se foi o tempo em que misturar música eletrônica com rock pesado era novidade. Existem toneladas de bandas que utilizam do recurso eletrônico pra incrementar seu som, e muito poucas que se sobresaem, por ter uma proposta diferente, mas a bola da vez, é da época em que essa mistura gerava pesadelos.
Dentro deste cenário, o Ministry foi uma das bandas mais assustadoras que a humanidade já teve conhecimento. Estre monstro ciborgue chamado Ministry, foi criado nos Estados Unidos, no começo dos anos 80 e teve dois discos "de teste" com um eletrônico mais convencional, típico da época, até que o pai da criança, Al Jourgensen teve uma uma idéia que mudaria pra sempre o rumo de sua banda; aliar instrumentos convencionais, como guitarra e baixo, com batidas estraçalhadoras, samples malditos e uma atmosfera pós-apocalíptica, que já estava começando a ser utilizada.
Com essa proposta, o Ministry convida todos vocês para um passeio na Terra do Estupro e do Mel, um título nada delicado, assim como seu som. Esse foi o terceiro play e o que inaugurou a entrada no rótulo Metal Industrial, som paranóico, barulhento e muito intenso. As primeiras faixas caracterizam muito bem a nova técnica, do uso da guitarra dissonante, junto à paredes de samples pra lá de obscuros, vocal grunido e muita agressão nas batidas do bate estaca, são elas: "Stigmata", "The Missing" e "Deity".
Um dos maiores trunfos de Al Jourgensen e cia. foi conseguir uma base muito grande de fãs Headbangers, que dificilmente se interessariam por som eletrônico (Igualados algum tempo depois pelo Fear Factory), e durante os anos foram ganhando cada vez mais fãs do estilo, pois de álbum em álbum, iam aproximando cada vez mais essas duas vertentes, fazendo um som cada vez mais destuidor; um bom exemplo é o álbum que sucedeu este, chamado The Mind Is A Terrible Thing To Taste, que deu continuidade ao pesadelo, e muita dor de cabeça a ouvidos mais sensíveis.
Infelizmente ano passado o grupo assumiu definitivamente seu fim quando lançou seu último disco, o ótimo The Last Sucker. Então o que nos resta fazer é escutar tudo que eles nos deixaram durante os anos de atividade, começando por estre pimoroso The Land Of Rape And Honey, o verdadeiro som do ferro velho.

2007-12-16T16:40:00.000-03:00

Devo - Q: Are We Not Men? A: We Are Devo!

Outro dia, lia os quadrinhos de Harvey Pekar, mais conhecido como o "Anti-Herói Americano". Lendo o prefácio escrito pelo grande Laerte, ficou na cabeça um trecho que dizia o seguinte: "quando a gente assiste às performances atuais do país dos americanos pelo mundo afora, esquece como é rica a cultura que se produz ali, rica e subversiva". E um dos maiores exemplos de subversão está na música - desde o jazz e o blues, que tocavam intensamente e foram os primeiros a experimentar alucinógenos e entorpecentes, passando pelo rock psicodélico, que quebrava as barreiras do senso comum a fundir a música com tendências surrealistas, e também o punk novaiorquino, que por agregar bandas de outras áreas, um tal de Richard Hell deu um nome mais simpático: Blank Generation - a geração em branco, a lacuna a ser preenchida.

E como esse lacuna era preenchida? Segundo as regras do movimento, de qualquer forma. Desde a porradaria ensandecida dos Deads Boys, à obsessão com o rock and roll clássico dos Ramones e The Cramps, passando por grupos mais acessíveis como Television e Blondie, e desembocando em grupos que primavam pelo pouco óbvio, pelo futurista, pelo visionário: grupos como o Talking Heads e a banda que abordamos hoje, o Devo.

Originários da cidade de Akron, estado de Ohio, os rapazes - mais nerds do que junkies, mais excêntricos do que punks - migraram para Nova Iorque ao saber da efervescência musical que dominava o lugar - e o clube CBGB'S como o local ideal para conseguir vender seu peixe. Era impossível a banda não chamar a atenção - no som, no visual, nas capas, a banda desconcertava os que chegavam a conhecê-los.

As capas de disco eram bregas, futuristas ou simplesmente bizarras. O som, inclassificável - punk rock, sintetizadores, dance, pop, livre experimentalismo - e impossível de passar batido pelos ouvidos. E as roupas... Bem, eles não vestem do jeito que alguém sairia na rua. Pirâmides na cabeça, macacões coloridos, jaquetas de couro, sacos plásticos, roupas de freira, chapéus de cowboy, capacetes de astronauta, uniformes de marinheiro, roupas de operários e qualquer coisa que surgisse nessas insanas cabeças. Ou seja: comparando com outras bandas que chocaram em som e imagem, como o Velvet Underground, eles não eram a representação do mais baixo que o ser humano consegue chegar - e sim algo totalmente alienígena. Prova disso é a forma de como o universo descrito pela banda pode ser sintetizado: ficção científica brega, com toques de humor surrealista. Segundo a própria banda, uma 'devolução': o ser humano já atingiu seu ápice e o Devo queria ajudar o máximo que pudesse a chutar a evolução escada abaixo.

Apesar de só estourarem nos anos 80, quando então deixariam a maior parte do seu legado para as bandas de rock alternativo de hoje em dia, a banda foi formada há 35 anos atrás, em 1972, e debutou logo com seu maior clássico, o obrigatório "Q: Are We Not Men? A: We Are Devo!". E o mundo começava a prestar atenção nesses estranhos extraterrestres que brotaram da terra. A banda, até então, era formada por Mark Mothersbaugh no vocal, guitarra e teclados, Gerry Casale no baixo, Bob II nas guitarras e teclados, Bob I nas guitarras principais, e Alan Myers na bateria.

O álbum abre com "Uncontrollable Urge" aproximada do punk novaiorquino com seu riff elétrico e direto. Uma música incansável cheia de 'yeahs' gritados de forma esquizóide em meio a uma letra que fala sobre uma necessidade urgente e imediata de gritar. Da mistura sobreposição de vocais, backing vocals e sons estranhos, a música é uma pancada do início ao fim.

O Devo é dono de um dos covers mais improváveis de todos os tempos: "(I Can't Get No) Satisfaction", dos imortais e chapados Rolling Stones, foi totalmente descontruída e reconstruída ao bel-prazer do Devo. O quanto de choque que a versão deve ter causado na época, eu não sei, mas imagino o choque conservador ao ouvirem uma bateria tribal e um clima soturno, repetitivo e distorcido. A crítica à alienação provocada pela indústria do consumo ganha contornos psicóticos, poucos usuais e para os menos acostumados com inovação, até certo desconforto.

Bateria martelando, guitarras em riffs quadrados e aquele vocal maníaco e aterrador. Esta é "Praying Hands", uma crítica impiedosa contra a religião e as pessoas que acham que contribuem muito para o mundo rezando. A banda soa mais agressiva ainda no verso: "OK, relaxe... Fique na posição... Vamos em uma submissão canina". O sintetizador só ajuda a nos sentirmos mais perdidos do que já estávamos.

"Space Junk" tem até certo charme pop, com agradáveis e repetitivas melodias de sintetizadores, mas contrastando com uma cozinha truculenta e riffs que surgem do nada, calando o sintetizador e mandando o ouvinte para o espaço. O eu-lírico declara estar tão louco por porcaria espacial que nem percebe que a garota com quem nunca tinha falado nem tocado mas considerava sua estava morta com a cabeça esmagada pelo que dá nome à canção.

Um dos maiores clássicos da carreira do Devo, esta é "Mongoloid", carismática canção introduzida pelo baixo e que cresce em ritmo marcial e vira um conto pop elétrico, distorcido e de certos tons épicos. Aqui presenciamos a história de uma pessoa com problemas mentais, em vários versos de humor negro como "Mongolóide, ele era um mongolóide/Mais feliz do que você e eu/Mongolóide, ele era um mongolóide/E isso determinou o que ele podia ver". Permeia por toda canção o irônico fato dele ficar feliz por poder usar chapéus, ir para o trabalho e roubar toucinhos sem ser percebido, enquanto nós, "normais", estarmos sempre deprimidos.

"Jocko Homo" tem um riff elétrico e pausado ora contrastando com o sintetizador dançante, ora com a voz de Mark. A música fala de evolução, com o vocalista declarando que consegue fazer as mesmas coisas que um macaco, e aproxima toda a humanidade dos símios. "Nós não somos homens?", pergunta Mark. "Nós somos o Devo!", responde uma voz doentia.

Seguindo com "Too Much Paranoias" que entra em tom de alerta, com as guitarras sempre beirando a explosão, enquanto o baixo e a bateria golpeiam repetida e maniacamente. Então... A música some! E torna-se um amontoado de sons e vibrações desconexas, apenas para a guitarra e Mark voltarem a se desesperar em uma música de sonoridade e letra neuróticas e desconfiadas com tudo.

"Gut Feeling (Slap Your Mammy)" é outra música que o Devo aproveita para destilar sua ousadia e humor negro, em uma música de cinco minutos introduzida de maneira quase pop, com direito a melodias mais acessíveis comparadas ao resto do álbum. A letra trata sobre vingança, onde o eu-lírico sente vontade de torturar uma pessoa que o oprimia e também agredir seus progenitores. Com o desenrolar, a música vai ficando cada vez mais barulhenta, pesada e intensa, até explodir em um punk rock neurótico.

E não pára por aí. "Come Back Jonee" segue a estratégia conhecida da banda de introduzir o ouvinte em uma tropical floresta pop... E fazer com que ele entre sem perceber em um pântano de esquisitices e detalhes exóticos - mesmo essa sendo uma das mais "normais" do álbum, digamos que soa como se os Beach Boys fossem viciados em anfetaminas e tivessem passado a juventude no Queens. A música parece dar uma bronca no tal Jonee do título, um garoto egoísta que só pensa em seus próprios interesses e faz com que uma garota fique deprimida.

"Sloppy (I Saw My Baby Gettin')" parece inverter a situação, e pior ainda: a garota do eu-lírico compra um carro e parece ir embora. A bateria soa crua e seca, as guitarras inflamam-se, Mark canta mais psicoticamente ainda... E então a música se desmancha em acordes e ruídos perdidos no ar, para então eletrocutar o ouvinte novamente.

A última música recebe o nome de "Shrivel-Up" tem um groove soturno impossível de passar despercebido, além de sons de sintetizadores delirantes que dão um ar atmosférico e pouco usual na canção. As várias reviravoltas são sempre acompanhadas com estranhezas, criticando alguém que toma cuidado com tudo, vive do jeito certo, não se diverte nem um pouco e torna-se uma pessoa pequena.

Mesmo quase todas as bandas da blank generation sendo brilhantes, ainda praticavam um som, digamos, que se tornou padrão para a segunda metade dos anos 70. Já o Devo... Ainda parece atual mesmo 29 anos depois de debutar e trinta e cinco anos depois de surgir. Muitas bandas que tocam rock alternativo hoje simplesmente devem os dedos com que tocam à uma das bandas mais diferentes surgidas na história da música pop do século vinte. Os diferenciais, creio eu, já foram-lhe muito bem apresentados.

Mas esteja avisado: quem entra nesse universo, deixa de ser humano. Passa a ser um... Devo!

2007-12-16T16:39:00.000-03:00

Jeff Buckley - Grace

Trocando em miúdos: Jeff Buckley foi um caso raro na história do Rock And Roll. Tal como uma chama, brilhou por um breve tempo e então apagou. Sem querer forçar a barra, mas era dor transcendendo a música, eram tantas emoções guardadas que pareciam não caber nos acordes ou nos emocionados cantos e gritos.

Nascido na Califórnia e filho do músico de folk-jazz Tim Buckley, Jeff cresceu até os oito anos sendo chamado de Scotty Moorhead, nome que foi dado pela sua mãe e seu padrasto. Quando alcançou a idade em questão, a mãe o levou para ver um show de Tim, e acabou passando uma semana com o pai. Quando voltou, queria ser tratado como Jeff Buckley. Pouco após essa semana, o homem que deu vida a Jeff morria de overdose de heroína. Além de ter muito do pai, o garoto também aprendeu música com a mãe, pianista e violoncelista e começou a despertar curiosidade pelo Rock com seu padrasto, fã declarado de Led Zeppelin, Jimi Hendrix e The Who. Adolescente, apaixonou-se pelo álbum "Physical Graffiti" do Led Zeppelin e discos do Van Morrison, Janis Joplin, MC5 e The Smiths, pegou para si uma guitarra acústica da avó e pouco após ganhou uma Gibson Les Paul de sua mãe. Aos dezoito, ingressa num curso de dois anos numa instituição de músicos. Apesar de considerar o curso uma perda de tempo, nesse período conheceu e tornou-se fã de ícones musicais como Leonard Cohen, Nusrat Fateh Ali Khan e Edith Piaf.

Apesar da semelhança física e um nível de talento proporcional ao do pai, Jeff não queria ser uma continuação da história de seu pai. Não queria ser um mártir do Rock And Roll. Queria apenas ser lembrado por sua música. Ironicamente, começou a chamar a atenção num show-tributo dedicado ao pai, que tocou junto com Gary Lucas, que já tinha tocado com a banda Captain Beefheart. Após alguns ensaios, Gary o convidou para integrar sua banda Gods And Monsters como vocalista. Apesar de ter adorado a idéia, pouco tempo depois Jeff deixava o grupo para seguir carreira solo. Reiniciou do zero no ano seguinte em New York em um bar chamado Sin-é. Munido de voz e guitarra, as performances dele eram tão arrebatadoras que no mesmo ano de 1992, assinava com a Columbia Records.

O resultado foi seu primeiro e último álbum, "Grace". Uma obra prima com todas as letras, do início ao fim, sem tirar nem pôr. Poucas vezes a alma de uma pessoa, todas as suas imperfeições,tristezas e anseios, esteve tão exposta em apenas um disco. Jeffrey exalava suas influências por todos os poros - folk, rythm and blues, soul music, hard rock, compondo um disco completo e variadíssimo, com letras fortes e pessoais, assim como nos bons e setentistas tempos de Neil Young e Nick Drake. Acompanhando Jeff, estavam os músicos Mick Grondahl no baixo, Mat Johnson na bateria e Michael Tige na segunda guitarra.

"Mojo Pin" é iniciada por dedilhados lentos, uma marcação sutil do baixo, e Jeff rompendo em um falsete. Começando a cantar em um tom doce, a música vai crescendo junto com a sua voz. A guitarra cresce, a bateria imprime maior ritmo na cançao, e Buckley canta sobre um amor doído, que se retornasse, ele não precisaria arranjar outras distrações para tentar satisfazê-lo. "Eu não quero chorar por você/Eu não quero saber, eu estou cego e torturado/Os cavalos brancos cavalgam/As memórias pegam fogo, o ritmo cai devagar...". Se aproximando do final, a música explode em intensidade, a bateria marcha, as guitarras pesam, e Jeff grita de uma forma inacreditável mais de uma vez. Um daqueles gritos tão agonizantes e desesperados que da primeira vez deixam o ouvinte perplexo.

Com início intimista e uma bateria entrando como um trovão, a música título "Grace" reparte melodias lindíssimas e a voz no limite do vocalista, cantando os versos de forma tensa para descambar em um doce e irônico refrão que diz para esperar no refrão. E você não consegue deixar de prestar atenção na música. É tudo forte demais. Jeff canta sobre o que artistas compõem poucas vezes na vida - a morte. "E eu sinto chamarem meu nome/Tão fácil de saber e esquecer com esse beijo/Eu não tenho medo de ir, mas vou tão devagar...", canta com toda a força dos pulmões.

"Last Goodbye", entrando em compassos lentos e acordes corajosos, é guiada pela levada de bateria, que abre espaço para Jeff emitir um triste trado sobre o fim de um relacionamento. "Sim, esse é o nosso último abraço/Devo eu sonhar e ver sempre o seu rosto?/Por que a gente não consegue ultrapassar esse muro?/Bem, talvez seja por que eu nunca te conheci mesmo", expressa um dos versos mais fortes. A música então já se tornou de beleza dura e peso doído. E falsetes e acordes de piano denunciam que tudo acabou.

Jeff te empurra no sofá cantando desde o início a jazzy "Lilac Wine", standart famoso na voz de Nina Simone que Buckley fez questão de dar sua versão dos fatos. Um doce e polido diamante musical sobre um amor inebriante feito vinho. Ele clama pelo seu amor, querendo encontrá-lo de qualquer jeito. Em certos momentos, Jeff faz tremer nas bases. Especialmente no final capaz de rachar o mais duro coração de pedra, "Vinho lilás, eu não me sinto pronto para o seu amor...".

"So Real" com cordas contidas e em tom de alerta, é uma música sobre o medo que as pessoas têm de amar. Apesar de afirmar que todos os momentos que passou com a pessoa que ama foram reais demais para ele, afirma "Eu te amo, mas eu tenho medo te amar/Eu tenho medo de te amar". Assim como nas duas músicas anteriores, as barreiras que as pessoas não conseguem romper para conseguir encontrar a felicidade real. Um solo de guitarra distorcido destoando do resto da música soa como a maior das insatisfações sendo posta pra fora em notas vigorosas e revoltadas.

Entra então uma música que é impossível ficar imparcial ao escrever sobre. "Hallelujah", regravação de seu ídolo Leonard Cohen, é um desafio para a capacidade descritiva de qualquer um. Iniciada por tristes melodias e um baixo ressoando, é simplesmente música demais para ser transformada em verbo. A devoção e o abandono com que Jeff Buckley se entrega ao tema é de chocar. De chocar com tanta doçura, com tanta tristeza, e a voz de Buckley soando cada vez mais e mais forte, mas sem nunca perder a beleza, opondo o sagrado e o humano, descrevendo um amor destrutivo, em versos como "O amor não é uma marcha de vitória/É um frio e sofrido Aleluia" e "Talvez haja um Deus lá em cima/E tudo que eu já aprendi sobre o amor/Era como atirar em alguém que tirou você". De ficar com os olhos marejados não importa quantas vezes escutemos: sempre continuará uma das canções mais lindas e melancólicas já compostas.

"Lover, You Should've Come Over" tem um início soturno, que logo se transforma em uma canção cadenciada de mais de seis minutos. Novamente volta o tema de um amor que consome o eu-lírico totalmente, deixando-o consumir, deixando ele solitário e obsessivo, em busca de uma chance de redenção. De início simples, a música vai crescendo em todos os quesitos, mas principalmente na interpretação de Jeff, que só para variar, arrasa, dizendo que nunca é tarde para voltar atrás, e sentimos todo o cansaço de se levar uma vida como essa exposto em sua voz lamentada e seus falsetes lancinantes.

A terceira regravação é "Corpus Christi Carol" de Benjamin Britten que, em termos técnicos, talvez seja a melhor performance vocal de Buckley. Cantando quase como uma soprano, alcançando um clima quase religioso, de deixar em transe. Apenas voz e cordas compondo a música mais curta da bolacha. Uma pueril admiração pela casta personagem do título, acompanhado de um refrão onomatopéico.

"Eternal Life" era o que mais podia se aproximar do mercado da época, já que Jeff não era pesado o suficiente para as rádios rock e era alternativo demais para mídias mais pop. A canção é um hard rock inserido na sonoridade dos anos noventa, fazendo soar quase como um grunge, com suas guitarras pesadas e sua cozinha sempre impondo um ritmo intenso na canção. Na canção, Buckley vê tudo corrompido e anseia por salvação, que para ele, nada mais é aceitar que a vida é assim e temos que aprender a lidar com ela, por mais difícil que isso seja. Como diz com urgência no verso "Não há tempo para ódio, apenas para questionar/O que é o amor?/Onde está a felicidade?/O que é uma vida?/Onde está a paz?/Quando eu vou encontrar a força para me trazer alívio?". E no final, a canção volta a ganhar belas melodias acompanhando seu ritmo pesado. Um dos grandes talentos de Jeff: saber encontrar beleza até mesmo na agressividade.

E, encerrando, "Dream Brother" vem em cordas hipnóticas, uma das mais intimistas de todo o conjunto, com uma pegada forte de bateria, um refrão chamativo e momentos instrumentais simplesmenet viajantes, e Jeff sonha que ele só quer sentir-se seguro nos braços da pessoa, enquanto a mesma está com outro. Mas o mundo continuará girando para sempre, diz Buckley, e pelo jeito, não há mais nada a se fazer.

Jeff vendeu cerca de 300.000 cópias deste disco, algo que as gravadoras consideraram uma repercussão muito fraca, apesar do nome do cantor estar cada vez mais em voga. Fato este que o desagradou e o fez voltar ao formato de voz e guitarra e tocar para pequenas platéias de bares americanos. Underground e mainstream: o Hamletismo dos anos noventa que ergueu tantos, derrubou tantos outros, e fez com que tantos nomes como este que vos é apresentado não ganhasse maior reconhecimento.

Morto em 29 de maio de 1997 por afogamento, Jeff só confirmou a teoria da chama. Muitas pessoas questionam até hoje porque o mundo é tão injusto de nos tirar um cantor tão único assim. Tão individual, tão universal, tão sensível... Que sabia falar sobre morte, amor, vida, tristeza, sem cair no clichê. Apenas sendo honesto. Buckley angariou uma legião de fãs famosos, entre eles lendas do rock como Bob Dylan, Robert Plant, Jimmy Page, Lou Reed, David Bowie e Patti Smith, contemporâneos como Chris Cornell, Björk e PJ Harvey, fãs exóticos como a banda de Doom Metal Katatonia e o ícone do rock brasileiro Paulinho Moska, e influenciou nomes como Radiohead, Muse e Coldplay.

E o leitor me pergunta: é possível que alguém seja assim tão bom? É possível que um disco converse com a gente não só pela letra, mas pela música também? Ele era essa alma que não cabia no corpo? Nem tudo na música está perdido depois do final dos anos setenta?

Deixo Jeff responder por mim.

2007-12-14T20:26:00.000-03:00

The Cure "Three Imaginary Boys - Deluxe"

Quando Chris Parry (CP) contratou os The Cure para a sua Fiction Records, queria um trio à imagem dos The Jam. E assim foi gravado este "Three Imaginary Boys" (3IB).
Corria então o ano de 1979. O punk ia rebentando os últimos foguetes e consequentes motins, os Joy Division e os Siouxsie And The Banshees tinham lançado as suas primeiras edições no ano transacto e a vida em Inglaterra não ia famosa. Portugal nem para férias servia.
Os The Cure eram três rapazes saídos de Crawley que tinham lançado um polémico single "Killing an Arab" (conotações racistas com o título da música que estavam totalmente erradas) e que rapidamente entraram em estúdio para gravar este disco. Robert Smith (RS) era o líder e compositor de serviço e nesta fase apoiava-se numa estrutura de poucos acordes, refrão orelhudo e pouco mais num espaço de três minutos. Imagine-se uns Beatles nos seus primeiros tempos, mas com uma atitude de subúrbio. Mas o ponto que distingue este 3IB é a produção do já referido CP. O som que ele queria para a banda, claramente não era o que a banda queria, tal como podemos comprovar no seguinte "Seventeen Seconds", este já com produção de RS e Mike Hedges. Daí que este 3IB seja uma falsa partida para uma carreira já com uma respeitosa idade e bastantes pontos altos.
Este é portanto um disco sem os famosos singles dos The Cure, ainda em fase pré-depressão, pré-ácido, pré-maquilhagem, pré-carradasdeLSD e pré-concertosdeestádio.
Uma nota para destacar alguns aspectos curiosos. No design deste disco, na primeira edição, as músicas eram identificadas apenas por símbolos (ver fotografia em baixo) que correspondiam a fotografias na contra-capa.

Não haviam igualmente fotografias da banda e a capa, que podem ver no topo, eram três objectos que supostamente corresponderiam aos elementos da banda. Era a aura de mistério que CP queria para a banda. Olhando agora para trás, talvez tenha resultado.
Chegados a 2005, vem esta re-edição, que para além do som remasterizado, inclui também um disco de raridades. Ora, tendo em conta que tanto a produção estava deslocada, como a composição dos temas era ainda incipiente, raridades não melhoram muito o aspecto geral desta edição. Servem essencialmente para os fãs acompanharem algumas demos, out takes, faixas mais ou menos perdidas (sim, está por aqui o "Boys Don´t Cry" original) e versões ao vivo.
Portanto e para finalizar, uma edição sobretudo para fãs e em especial para aqueles com o disco de vinil já gasto.

2007-12-11T22:10:00.000-03:00

Thurston Moore - Trees Outisde The Academy

Thurston Joseph Moore, nascido na Florida, ficou conhecido quando mudou-se para Nova Iorque, lugar onde foi para estudar e acabou conhecendo o também guitarristaLee Ranaldo, e Kim Gordon (sua futura esposa) e se envolvendo no emergente movimento No Wave, dicípulos de Glenn Branca, e acabaram formando o Sonic Youth, em 81.
Thurston é guitarrista, vocalista e um dos letrista da banda, assim como é um dos líderes. Ao lado de Lee Ranaldo, são considerados um dos maiores guitarristas da cena de rock alternativo e principalmente de música barulhenta (noise), com seus instrumentos modificados e técnicas bizarras para produzir sons mais estranhos ainda, tocando com baquetas, chaves de fenda e todo o tipo de utencílio pra produzir uma boa barulheira.
O cara sempre teve em contato com outros artistas, fazendo projetos paralelos, participações especiais, diretor de vídeo clipe, produtor musical e tal (figura tipo Mike Patton ou Dave Grohl). Em 1995 lançou o primeiro disco solo, chamado Psychic Hearts, no mesmo ano que sua banda lançava Washing Machine. Agora, doze anos depois do primeiro disco, o cara voltou a gravar, seu segundo disco, chamado Trees Outside The Academy, que foi lançado pelo seu selo Ecstatic Peace (outra ocupação) e gravado no estúdio de seu amigo J. Mascis, do Dinosaur Jr., banda qual também lançou cd esse ano.
Para a gravação do cd, Thurston contou com a presença de Pete Shelley na bateria, que é seu companheiro de Sonic Youth e Samara Lubelski no violino (ambos estão em turnê da divulgação do disco), assim como algumas participações de Mascis nas guitarras (claramente na música que deu o nome para o disco). Ao contrário do som de sua banda, seu projeto solo se baseia muito mais na textura do seu violão, plugado em um rock experimental com flertes com o pop e folk, resultando um som orgânico, reflexivo e hipnótico, principalmente, mas sem nunca deixar o barulho de lado. Como normalmente os discos do Sonic Youth carregam músicas inspiradas em artistas, esse não podia ser diferente, assim como foi seu primeiro disco: A música que dá o nome ao disco, "Trees Outside The Academy", musica dotada de um sentimento sobre o suicída Ian Curtis, do Joy Division, que recentimente recebeu um filme biográfico e a outra é a balada "Honest James", sobre James Brown, numa performance arrebatadora do dueto Thurston Moore - Christina Carter.

2007-11-18T21:33:00.000-03:00

Eu sempre chegava do trabalho e logo ligava o 3 em 1, colocando sempre algum disco legal ou o primeiro que estivesse ao alcance das mãos, sentava na beirada da cama e tirava os coturnos meias, calça, cueca, camisa, carteira ficava tudo meio que jogado em cima da cama. Neste dia a trilha sonora foi “ Leisure “ do Blur.
Tem dias em que nada substitui momento magico de ficar tomando banho e cantarolando algumas musicas debaixo do chuveiro sem se importar com o mundo lá fora, e como se lá fora não existisse nada além de nada.
Adoro me sentir limpo, vestir roupas confortáveis, principalmente na sexta-feira onde posso buscar diversão e um pouco de prazer, ainda mais se tudo isso vier acompanhado de uma menina bonita melhor ainda.
Antes do Steve e Márcia me pegarem de carro em casa, ainda escutei alguns discos e tomei um pouco de vinho que ainda restava em uma garrafa guardada na geladeira.
A noite estava estrelada e fria coisa normal no outono Ribeirão-pretano.
Pegamos Carolina e fomos diretos para o Club 130 se reunir com os amigos, beber, namorar e jogar conversa fora, isso tudo acompanhados de boa musica de prferencia . Entre copos de cerveja, doses de vodka, e algumas taças de vinho, dicas de discos legais para se comprar, quando se esta entre amigos parece que a vida se tornar bem melhor de se viver.
Quando se esta meio de porre as luzes se tornam mais rápidas o coração dispara meio que numa taquicardia, mas eu meio que ficava quieto observando tudo ao redor como se estivesse estudando os movimentos, como uma águia pronta para atacar.

Nesta noite Carolina dormiu em casa, queria estar bem descansada, pois no domingo estaria prestando vestibular para Medicina. Enquanto que eu fui dormir sozinho e sonhar e refletir na vida, no futuro, remoer o passado.

2007-10-27T19:45:00.000-03:00

Ride - Nowhere - 1990

Considerado por muitos como o melhor disco dos Ride, “Nowhere” é não só um dos grandes momentos do chamado “shoegazing”, mas também um dos discos que poderá estar num Top 20 dos discos da década de 90.
“Nowhere” com a sua capa emblemática, é um disco clássico, do princípio ao fim.
Todas as canções, à sua própria maneira, demonstram a magia da música deste quarteto de Oxford no seu melhor momento: o caos controlado da bateria de Laurence Colbert, a urgência do baixo de Steve Queralt, o “feedback” monótono da guitarra ritmo de Mark Gardner, superiormente “misturados” com a atmosfera melódica criada pela guitarra de Andy Bell. Todos eram soberbos músicos. Outros instrumentos, como a harmónica e a guitarra acústica, aleatoriamente incluídos, visavam ainda embelezar mais as canções. E a perfeita combinação harmónica das vozes de Bell e Gardner, distinguia-os das restantes bandas.

Na melhor tradição britânica de classificar os géneros musicais, o som dos Ride é o que se definiu como “shoegazing”, (os músicos em palco estavam tão absorvidos com a sua música que ficavam a olhar para baixo, para as guitarras, dando a impressão que estavam a olhar permanentemente para os sapatos) mas comparando-o com o dos reis do movimento – My Bloody Valentine – é mais melódico e direto. Provavelmente é o resultado da presença da Rickenbacker de Andy Bell, e os seus efeitos e distorção.
O disco começa em clímax, com ondas de distorção e guitarras que parecem estar a chorar em “Seagull”, e contém canções imensas como “Dreams Burn Down”, e profundas como “Paralysed”. O resultado final é que não encontramos ao longo destas onze canções nenhum momento de fracasso.
O legado de “Nowhere” é um disco clássico, que ao procurar atingir as estrelas, consegue alcançar a lua.

2007-10-26T20:21:00.000-03:00

Go Girl Crazy! - The Dictators - 1975

Em 1975, dois rapazes norte-americanos, Legs McNeil e John Holmstrom, gastaram a maior parte do seu Verão a ouvir o álbum Go Girl Crazy! dos Dictators. Embebedavam-se todas as noites e acabavam aos gritos a cantar cada uma das canções do disco. Não muito tempo depois, estes dois rapazes foram os fundadores da revista Punk, uma das bíblias desse movimento anárquico que eclodiu nos últimos anos da década de setenta.
Tal como os New York Dolls, os The Dictators eram precedentes do punk. Anos antes de se ouvir falar dos Ramones, The Dead Boys e dos Sex Pistols, Dick Manitoba, a “arma secreta” dos The Dictators, já cantava acerca de vomitar comida no McDonalds, beber cerveja e assistir a filmes duvidosos de série B. Go Girl Crazy! foi um dos primeiros discos punk, muito antes de se ouvir falar dessa definição. Mas oferecia muito mais: sons de garage surf e heavy metal – o guitarrista Ross “The Boss” Funichello fundou muito mais tarde os Manowar. Os The Dictators conseguiram inúmeros admiradores, em parte graças ao sentido de humor da banda.
O disco incluía todos os ingredientes para ser um êxito, mas os acontecimentos tomaram um rumo infeliz. Pouco tempo depois do lançamento do álbum a Epic despediu-os: má gerência, digressões mal planificadas e lutas entre os membros da banda não ajudaram.
O álbum não atraiu grande interesse até 1977, momento em que as bandas como os The Ramones tinham já polido a sua própria marca punk. Os The Dictators foram marginalizados. No entanto, Go Girl Crazy! chegou primeiro!

2007-10-21T22:33:00.000-03:00

The Smiths - The Queen Is Dead - 1986

Principalmente na história da música pop, as coisas não são criadas do nada. Cada ritmo novo, cada ousadia nova, cada ícone novo existe para a maior parte da população por causa de um propulsor. Se os Beatles transformaram rock and roll em arte com "Sgt. Peppers...", é porque no ano anterior os Beach Boys os desafiaram com todas as orquestrações e musicalidade perfeita de "Pet Sounds". Quando os Sex Pistols chocaram com suas atitudes e verborragia de "Nevermind The Bollocks...", os Ramones já haviam definido os alicerces sonoros que os Pistols usariam para cuspir na cara da rainha. E se nos anos 80, quando o U2 lançou "The Joshua Tree", dando lugar na lírica ao sentimentalismo e altruísmo ao invés do hedonismo e destaque para as melodias de guitarra ao invés dos sintetizadores da new wave, um ano antes os britânicos The Smiths encheram um álbum de guitarras, críticas sociais, introspecção e poesia. A rainha cuspida seria então morta.

Formados em Manchester pelo vocalista e letrista Steven Patrick Morrissey e o guitarrista Johnny Marr, os Smiths pareciam recuperar uma imagem que tinha sido perdida há muito tempo. O encontro das guitarras elétricas com o lirismo, dos instrumentistas rebeldes e selvagens com uma voz intensa e dramática. Acompanhados do baixista Andy Rourke e do baterista Mike Joyce, os Smiths já moviam polêmicas desde o início por falar sobre homossexualidade e vegetarianismo em suas letras, e também serem acusados de incentivar assassinato e pedofilia. Mas o golpe final ainda estava por vir. No ano de 1986, os Smiths lançariam seu terceiro álbum, cheio de raiva contra o sistema vigente inglês regido com mão de ferro por Margareth Tatcher, onde o eu-lírico de Morrissey vive em um mundo pútrido que não tem medo de denunciar. O álbum afirma, "The Queen Is Dead". O fim da nobreza, da falsa ilusão de uma Inglaterra que supostamente tinha um alto nível de vida, ou motivos para orgulho.

Um álbum com essa inscrição e a figura de um nobre morto (na verdade, uma foto de 1965 do ator Alain Delon), já parece denunciar o que vem por aí - este foi um álbum daqueles que mudaram o curso da história da música contemporânea, da quebra com a corrente principal da música, mas tudo familiar nos refrões marcantes e na voz carismática do vocalista. Buscando inspiração no punk setentista e no mais básico rock dos anos 50 e 60, o álbum ainda causa uma forte impressão aos ouvidos por confrontar tantos sentimentos com os ouvidos do ouvinte - solidão, desesperança, tristeza, depressão... Se na década anterior a blasfêmia ocorria por meio do esporro, aqui são os climas desoladores e sufocantes que ditam as regras de um jogo que os anos 80 já sabiam terem perdido, e não adiantava ignorar, como a New Wave e o Hair Metal faziam, nem lamentar sobre, como o pós-punk fazia. Em cada verso se constatava que os Smiths foram uma das bandas-símbolo do grande vazio, dos protestos de paz e abertura das portas da percepção que, no final, deram apenas em filhos tristes que encontravam em homens como Morrissey, Robert Smith e Ian Curtis uma pessoa com quem se identificar em um mundo de deuses acima de nossos reles problemas.

Abrindo com um coral zombeteiro de vozes que logo é suprimido pela bateria, temos então a faixa título, "The Queen Is Dead", onde desde o início já se mostra o talento como riffman de Johnny Marr e a ótima voz de Morrissey declamando a letra que parece descrever a cena que deu resultado na capa do disco. Um mundo decadente, onde Mozz questiona a sexualidade do príncipe Charles, desafia e insulta a realeza, passa por garotos de nove anos vendendo drogas, bares que viciam e Igrejas que tomam até o último centavo dos fiéis. "A rainha está morta, garotos", declara o vocalista, "e é tão solitário no purgatório"...

"Frankly, Mr. Shankly" abandona a condição de pop mórbido da anterior e investe em um andamento de reggae, com destaque para o baixo de Andy. Mas Mozz não poupa o ouvinte de sua ironia ácida. Em pouco mais de dois minutos, o vocalista corajosamente ataca o mundo do show business dizendo que quer se tornar uma estrela da música e do cinema, dizendo que não quer ser mais qualquer um, mas ainda assume que a sua vida medíocre o torna mais feliz que uma vida de corrompidos valores que é o mundo das celebridades.

Pisando no freio, agora temos "I Know It's Over", uma angustiada balada sustentada por um ritmo lento e doces melodias, elemento sobre os quais Morrissey deita a voz para dar uma interpretação magistral. Sua emocionada voz critica a futilidade das pessoas, questionando "se você é tão engraçado, inteligente, atraente... por que você está sozinho esta noite?". Ele clama o nome da mãe ao sentir o peso do mundo caindo sobre as suas costas e os instrumentos imprimem uma montanha de intensidade, e Mozz segue cantando cada vez mais fragilizado. "O amor é natural e real, mas não para pessoas como você e eu", declara ele em um dos versos mais fortes da canção.

"Never Had No One Ever" mantém o clima carregado no álbum, mostrando uma música cadenciada, com uma forte pegada da bateria e guitarras soando altas, graves, quase que em tom de alerta. Na letra, Morrissey afirma que sua vida inteira foi um pesadelo, olhando para a casa da pessoa pela qual é apaixonado, mas sentindo repulsa de si memso por sentir vontade de invadir. Ao final da canção, a voz do cantor torna-se fantasmagórica, parecendo ser ser suprimida pela guitarra cada vez mais alta, enquanto lamenta nunca ter tido ninguém.

Um dos clássicos da carreira dos Smiths, essa é "Cemetry Gates", com as melodias menos tristes até então; Mozz narra uma ida ao cemitério, em um "tenebroso dia ensolarado". Ele se lamenta por ver todas as lápides, refletir sobre todas as vidas encerradas, cada qual com dramas, paixões e histórias distintas, mas todas com o mesmo fim. O eu-lírico admite ficar com vontade de chorar, sentindo vontade de ir embora do cemitério para não se deprimir mais. Uma das músicas mais perfeitas de todo o álbum.

"Bigmouth Strikes Again" continua com a overdose de hits; dessa vez com melodias mais introspectivas, mas a bateria deixa um ritmo inquieto para Marr encher cada poro da música com exuberantes guitarras. Essa é uma canção direta sobre culpa. Morrissey declara sentir-se a versão moderna de Joana D'arc, atirado ao fogo por seus erros, por coisas que não foi realmente sério em dizer, ou que não queria dizer. A culpa é tanta que o mesmo afirma, "Eu não tenho mais direito de assumir meu lugar entre a raça humana".

Uma das letras mais fortes se faz presente em "The Boy With The Torn On His Side". Um cadenciado rock com uma das melhores performances de Johnny Marr (este, um dos mais importantes guitarristas dos anos 80, não por fama, mas sim por influência exercida nas gerações subsequentes). É contada então a história de um garoto literalmente atormentado, sempre com um "espinho ao seu lado". O eu-lírico não entende porque não acreditam em sua história, que para ele é tão real: do garoto com um desejo homicida e saqueador por amor, que mesmo tendo esse desejo nos seus olhos, continua desacreditado.

Nem as instituições religiosas escapam da visão de Morrissey que tudo está podre, e a prova disso é a canção "Vicar In A Tutu". Nela, Morrissey conta estar roubando chumbo do teto de uma igreja, quando olha para baixo e vê o vigário vestido com um saiote de bailarina. Mesmo chocado, entende que ele apenas quer viver a vida assim. Mais tarde, parece ficar chocado com a hipocrisia do vigário em taxar os outros de corrompidos, sujos e arrogantes, enquanto o mesmo tem segredos muito piores. A história é narrada por límpidas guitarras e uma bateria que segue trotando pela música inteira, e no final, tudo acaba em suspenso, quando Morrissey mistura a si mesmo com o vigário.

"There Is A Light That Never Goes Out" tem um valor especial para este que vos escreve. Na minha opinião, é a maior obra prima da carreira do quarteto de Manchester. Todos os elementos do álbum vem à tona aqui. A cozinha precisa, as lindas melodias de guitarra, as vocalizações marcantes e a lírica sublime de Morrissey somando-se em uma música perfeita da introdução, passando por verso e refrão, e chegando até o final sem perder o fio da meada. Na letra, Mozz declara que quer sair, ver as pessoas, ouvir música, enquanto o interlocutor dirige, ele declara que não importa nem se um caminhão de dez toneladas ou um ônibus de dois andares bater neles - "Que jeito divino de morrer (...), morrer ao seu lado/o prazer e o privilégio seriam meus". E é aí que percebemos qual é a luz que nunca se apaga a qual o título se refere. Merece estar em qualquer lista das canções mais emocionantes já feitas.

E fechando o disco temos a décima e última música "Some Girls Are Bigger Than Others". Irônico, Morrissey declara em um típico e redondo pós-punk, acompanhado de backing vocals espectrais, a obsessão sexual a qual todos os homens são submetidos. "Da idade da pedra até a era do desemprego, existe apenas uma preocupação, que eu acabei de descobrir: Algumas garotas são maiores que as outras". Citando e debochando de figuras históricas como Marco Antônio e Cleópatra, Mozz questiona inteligentemente toda essa cultura reprimida por tabus, que despreza o romance, trocando-o pelo hedonismo puro e simples. Um grande final de um grande disco.

Como foi dito, o U2 só chegou ao posto dos grandes e tiveram espaço para mostrar sua postura messiânica porque o caminho já havia sido pavimentado sonoramente antes por um grupo que pouco durou, consumido pelos problemas com a gravadora, bebida, drogas e conflito de egos, mas que deixou como legado uma influência enorme - influenciando todas as bandas pós-punk do mundo, incluindo aí todas aquelas do levante de Brasília. Até hoje, quando hormonais bandas explodem no mundo cibernético através do MySpace, ouvem-se traços da criatividade de Marr e da ousadia de Morrissey.

A rainha pode até ter morrido, os Smiths podem até ter acabado, Margareth Tatcher pode até não mandar mais na Inglaterra, mas a sombra da banda continua forte e presente no mundo atual. Os anos 80 realmente foram anos superficiais e vazios, de futilidade e sufoco, e poucas bandas representaram isso tão bem quanto os Smiths. Dez pérolas pop que ajudarão a entender (ou ao menos pensar sobre) a mais distópica e cruel das realidades - aquela que vivenciamos.

2007-10-21T22:07:00.000-03:00

"SHE WANTS REVENGE" - SHE WANTS REVENGE

O que andam dizendo por aí do She Wants Revenge não corresponde à realidade. Primeiro: NÃO, a banda não é plágio do Joy Division. Se fossem pegar todas as bandas dos anos 80 que usavam baixo palhetado, marcação rítmica cerrada e vocais dramáticos, ia faltar espaço - e o Joy nem recorria tanto a esse recurso, preferindo instrumentações esparsas e gélidas. Segundo: NÃO, o vocal de Justin Warfiels NÃO é cópia do de Ian Curtis - sim, percebe-se influências, mas a voz do cara lembra mais a de Peter Murphy (Bauhaus) e a de David Bowie. Terceiro: o som é bem mais alegrinho do que todas essas credenciais podem fazer supor. É oitentismo assumido, que até impressiona pela convicção - em vários momentos, parece que os caras realmente querem montar "o som de uma época". Só pra confundir mais a cabeça das pessoas: os caras são californianos, mas enganariam qualquer pessoa se inventassem que vieram de algum beco novaiorquino.

Para não dizer que a banda em nada lembra o Joy, a fase inicial da banda de Manchester, mais punk do que pós-punk, que gerou faixas como "No love lost", dá as caras em She wants revenge, disco de estréia dos caras. Tem outros "anos 80" que aparecem na sonoridade do grupo, já que eles citam como influência até mesmo Smiths. Não consegui achar rigorosamente nada ali que lembrasse o grupo de Morrissey & Marr, que nunca primou pela crueza do som. O She Wants Revenge é elaborado e cru, junta as duas características e cria um som que, se não é próprio, é muito bem feito.

Opa, corrigindo um detalhe: o SWR não é um grupo. É uma dupla, formada por Justin (vocais, guitarra, programações) e Adam 12 (baixo, percussão, programações, teclados). O começo dos dois foi como tem acontecido com vários projetos musicais da atualidade: no quartinho, compondo e fazendo tudo por conta própria. O material foi registrado pelo gru... opa, dupla, em seu próprio estúdio, o Perfect Kiss (outra referência aos anos 80, já que se trata de nome de música do New Order), com o próprio Justin fazendo a engenharia de gravação. Nem precisa dizer que os próprios cuidaram da produção. As músicas se espalharam no boca-a-boca e chegaram na poderosa Geffen. Nada mais moderno, em tempos de Arctic Monkeys, Clap Your Hands And Say Yeah e Moptop.

A faixa de She wants revenge que mais lembra Ian Curtis e o Joy é a dançante "Tear you apart" - e note bem o nome, que lembra "Love will tear us apart", do JD. Parece até brincadeira, pra ver quem junta mais referências às bandas oitentistas numa música só - ou algo trash, como é o Darkness com o metal farofa. Mas é sério, tem gravadora apoiando e muita gente curtindo - e é bom. De resto, os vocais têm mais charme, emulando os já citados Bowie e Murphy e se aproximando da estética de outras bandas atuais, como Elefant e Interpol, em músicas como a sombria "She loves me, she loves me not". O grupo abre com uma bateria de tecladinho em velocidade new wave e com dedilhados que lembram mais Legião Urbana do que o rock da Factory, em "Red flags and long nights". A velocidade diminui em "These things", um Depeche Mode em tom grave. Reeferências aos anos 80 tem para todos os gostos, do The Fall em "I don't wanna fall in love" ao Talking Heads na eletronicazinha "Monologue". Resta dizer que, para além das referências, as músicas têm potencial e se sustentam por si só, dando ao She Wants Revenge cara de banda de "festa indie". Que vai dar certo nesse sentido, não há dúvidas.

Para conhecer Justin e Adam 12, compre/baixe o disco ou vá no site www.shewantsrevenge.com. Sim, eles são moderninhos, até mantém sua pagininha no My Space mesmo após terem sido contratados (a URL é www.myspace.com/shewantsrevenge).